LOMBRICES

POR: Dalia María Teresa De león Adams

Obra teatral perteneciente al género de la comedia negra, interpretada por los maestros Alberto Lomitz y Arturo Reyes, montada en ésta ocasión en el Teatro Benito Juárez, pues tiempo atrás de la pandemia, la pudimos disfrutar en el Teatro “La Capilla” de ésta Ciudad de México.

Exquisita obra teatral a manera de farsa escrita por Pablo Albarello bajo la dirección artística de Daniel Sosa Derat. Le comentaremos qué en el estreno tuvo como padrinos invitados al cantante Beni Ibarra, quien subió al escenario para ofrecer unas palabras y desear a la Compañía teatral ¡mucha mierda! 

Palabras que suelen decirse comúnmente en la jerga artística, al desear mucho éxito a un nuevo montaje escénico, pues en el teatro clásico de siglos atrás, cuando las funciones eran muy concurridas, los caballos de los carruajes, al asistir, tras terminadas las presentaciones, textualmente hablando, dejaban tras de sí una gran cantidad de mierda. 

Pero volviendo a la trama de la obra LOMBRICES podremos decir qué los elementos o ingredientes que la componen, son sin duda la incredulidad, la intriga, la traición e incluso algunos chismes sazonados de un peculiar humor, que endulzan este drama lleno de ocurrencias y humorismo negro, en donde dos mujeres desnudan sus almas, justo en el momento del ocaso de sus vidas.

Ambas aún tienen cosas que compartir, como el chocolate, los recuerdos del pasado, e incluso simulacros de asesinatos que suelen improvisar para alejar el hastío. 

Todo ello forman parte del juego escénico estelarizado por los dos grandes hombres de teatro y actores como lo son Alberto Lomitz, quien caracteriza a Consuelo, y quien para cubrir dicho personaje le comentaré, incluso tuvo que tomar algunas clase de tejido. 

Lomitz actúa junto con el otro gran actor Arturo Reyes, quien hace el papel de Martirio, una anciana quien sufre de LOMBRICES padecimiento peculiar del personaje femenino, que hará que la trama lleve dicho apelativo.

Ambos comparten el escenario junto a dos personajes más, quienes sirven de apoyo para el desarrollo de la historia. Esos personajes secundarios aparecen ocasionalmente en escena, haciendo las veces de unos enmascarados hombres bomberos, quienes no hablan en escena. 

L dramaturgia también cuenta con el personaje de Rufino, un hombre que es mencionado por las ancianas, por la importancia que algún tiempo tuviera en vida de amabas damas; personaje que empero, físicamente no aparece en ninguna escena. 

Finalmente le comento qué la obra teatral de LOMBRICES constituye una puesta en escena en un solo acto, el cual cuenta con una escenografía (a cargo de Tania Rodríguez) en la cual se simula la sala del departamento en donde se ubican dos sofás individuales; junto a éstos aparece un sin numero de revistas y libros colocados en el piso que dan la impresión de antigüedad al ambiente. Tras dicho cuadro escenográfico aparecen escaleras que servirán de apoyo a la escena paralela del incendio del edificio.

LOBRICES comedia de enredos que se presentó hasta el día de ayer 12 de diciembre en el foro del Teatro “Benito Juárez” por parte de la Compañía Teatral “Los Endebles”, con el apoyo de La Secretaría de Cultura.

¿YA VISTE EL AGUA QUE ESTÁ LLORANDO AHÍ?

POR: Dalia María Teresa De León Adams

El arte además de ser recreativa y cautivar el alma, lleva implícita una misión a manera de consigna, de concientizar ala espectador al cautivarlo con su texto, en el caso del arte escénica en general.

Descubrir entre frases sueltas y con el arte escénico, los padecimientos, negaciones, problemáticas, desalientos, difamaciones y arbitrariedades, son tarea que a veces se muestran en los textos de amor, de amistad de orfandad, de una raza o clase social e incluso de un pueblo o civilización. 

Tal vez una de las obras teatrales en la cual se muestra sin tapujos un objetivo claro en Pro de la naturaleza, sea la puesta en escena ¿YA VISTE EL AGUA QUE ESTÁ LLORANDO AHÍ?

Es una puesta en escena creativa a cargo de la Compañía del “Teatro Emergente” que se presenta hasta el día de hoy, domingo 12 de diciembre, en uno de los Foros del Teatro “El Milagro”.

Obra teatral qué por cierto es uno de los proyectos ganadores de la Convocatoria denominada “La Vaquita” resultante de Vaca 35 y El Milagro. Montaje a cargo de Anitza Palafox y Renée Gerado, bajo la dirección escénica del Colectivo intitulado “Lo que viene del Sol”.

Y como información complementaria al respecto de la temática a tratar dentro de la trama que es la contaminación del Río Sonora, se puede leer en el boletín de prensa con un dejo poético:

-Las voces del río son parecidas al sonido del agua. Ahí se encuentra su origen, sus anhelos, su muerte; y se quedan, anteponen la sonrisa cordial, ese gesto determinado por la vida del campo. Mantienen la mirada hacia el futuro, aunque ahí no encuentren certezas, aunque de pronto broten, como el agua, espectros de aquel día.-

¿YA VISTE EL AGUA QUE ESTÁ LLORANDO AHÍ? Es una obra a manera de denuncia acerca de los contaminantes de que está siendo presa el Río, y con él, su gente que ahora padece las consecuencias.

La obra contiene una trama multifacética, por llamarla de algún modo, pues además de testimoniar al respecto de dicha temática (la cual intentan documentar mediante un video expuesto en el escenario) presentan diversas breves narraciones sobre personas de Sonora que se entrelazadas tan sólo por los efectos dañinos, a causa de lo que afirman han sido causados por una empresa aledaña.

Más allá de informar, además contiene una trama en donde se comparte deliciosas quesadillas hechas ahí mismo, por parte de las actrices protagónicas quienes las comparten con los espectadores presentes.

Actrices que al caracterizar a sus diversos personajes,  al mismo tiempo narran un drama romántico de manera un tanto chuscas y divertida, entre otras historias de ficción.

Así la trama a tratar se entrelaza con un problema real, contado a través de diversas narraciones, bailes, cantos e imágenes que hacen empero de éste drama, un disfrute para el público. 

Con todo ello sustenta el título de éste o éstos dramas singulares en dónde ¿YA VISTE EL AGUA QUE ESTÁ LLORANDO AHÍ? termino siendo una manera metafórica de resumir ésta obra teatral.

CANGREJO Y YO

POR: Dalia María Teresa De León Adams

Obra unipersonal presentada por la Compañía “Lo Tres Pies de Gato y Punto de Ebullición” que se presentó hasta el pasado día 5 de diciembre en el Foro Principal del Centro Cultural “La Capilla en la Ciudad de México.

La trama esta escrita con un dejo surrealista, en donde todo es posible. Así una joven en aras de perder la salud y tal vez su vida, de pronto se inmersa en un mundo de experiencias extrasensoriales.

Tras de padecer cáncer, el personaje protagónico hace un recuento de  experiencias vividas en las cuales, lo real se entremezcla con lo onírico o irreal , en un mundo que va más allá de lo cotidiano, sumergiéndose en un mundo de reflexión casi mágica que la llevará a enfrentar y vivir de otro modo su existencia.

Por supuesto qué Cangrejo de cuya frase comúnmente reza “su gran inmortalidad”, llevará de la mano al personaje protagónico rumbo a un viaje al universo sideral. Así de manera no tan metafórica Cangrejo retoma vida, en éste montaje escénico en el cual tal crustáceo, lleva consigo una consigna a seguir para la joven intérprete, vibrar la vida de un modo diferente y positivo.

Todo ello matizado con un cierto humorismo negro que arranca las carcajadas del espectador, quien goza de ésta parodia la cual tiene como apoyo, un trasfondo musical que logra avivar las escenas a representar. Musicalización en vivo a cargo de  Gregorio Villegas.

En un sólo tiempo y cuadro escénico colorido, cuyos objetos de tramoya aparecen en él, la actriz poco a poco va utilizándolos, sugiriendo con ello diferentes tiempos, lugares y experiencias vividas, en ésta dramaturgia peculiar.

-“Luego de una relación co-dependiente, Cangrejo ha sido echado; sin lugar a donde ir y sin más futuro que ser comido en un bufete mediocre de mariscos, su única esperanza, es encontrar un lugar del que le hablaron, en el que los de su especie se vuelven inmortales.

Aquella mujer que lo albergó por tanto tiempo, echa un vistazo atrás, tratando de descubrir qué fue lo que pasó durante su relación con el Cangrejo, en la que perdió su cabello, su salud y sus ilusiones. ¿Serán que podrán reencontrarse y finalmente, mirarse de frente? Y si lo hacen ¿Podrán perdonarse y seguir cada uno con sus vidas? (texto presentado en la cartelera de teatro)

Obra cuya idea original surgiera de la actriz Georgina Arriola, cuyo rol protagónico interpreta al actuar con gracia y soltura, mostrando de dicho modo, naturalidad y dotes histriónicos. 

Ella se presentó bajo la dirección artística de Adrómeda Mejía, quien es la escritora de la obra CANGREJO Y YO, teniendo a cargo la escenografía, iluminación y proyecciones de Edgar Mora y el diseño de vestuario y utilería de Azucena Galicia. 

Inicialmente ésta puesta en escena fue montada en la Ciudad de Celaya, Guanajuato, presentándose por dos únicas ocasiones, para posteriormente ser representada en nuestra ciudad, como parte del Proyecto surgido del “Programa Creadores Escénicos 2020-2021 del Fondo de Cultura Nacional para la Cultura y las Artes (FONCA).

COLECCIONISTAS DE LO EFÍMERO

POR: Dalia María Teresa De León Adams

Obra teatral puesta en escena a manera de teatro callejero, la cual se representó con dos únicas funciones, en la Explanada de la Fuente del Centro Cultural UNAM los pasados días 4 y 5 de diciembre en horario matutino.

Ésta bajo la propuesta escénica del colectivo “El Llamado Teatro;” grupo entusiasta compuestos por jóvenes estudiantes egresados en el 2016 del Centro Universitario de Teatro (CUT) quien justificaron acerca de su montaje escénico con las siguientes palabras:

“Ante los panoramas desoladores que se yerguen en nuestras narrativas actuales, donde imaginar escenarios distópicos es mucho más cercano que imaginar alguna otra posibilidad, nos convocamos para cuestionar cómo guardamos las cosas, los objetos, los momentos que nos marcan en nuestro paso por la vida y que nos dan sentido en ella.

Defendemos nuestra capacidad por generar sentido ante los momentos terribles de la vida y nos preguntamos, ¿cuáles son las inercias inherentes a la juventud y cómo ésta les corresponde?

Y es en base a ésta retórica, que surgiera la idea por presentar a manera de dramaturgia, a un grupo pandillero de animales  quienes habitan el inframundo en dónde la sonrisa y la risa han dejado de existir.

Una dientes de sable, un mico, un murciélago, un perro con su gallo, y un alce; mismos animales quienes se cuestionar tras del suicido cometido por un integrante del grupo, sí ¿los momentos que han creído gratos dándole sentido a sus vidas, realmente alguna vez valieron la pena?

Obra fársica teatral, montada en un solo cuadro escénico, sin escenografía, con tan sólo una cuerda como recurso de escénico, musicalizada (por Andrea y Adriana  López Ruiz) escrita estructuralmente para el disfrute de toda la familia.

La temática medular es en torno a la fortaleza del espíritu y valores, que invita al público a cuestionarse si es qué es posible poderlos recuperar, y con éstos, el empoderamiento que lleva implícito el recuperar la sonrisa perdida.

En COLECCIONISTAS DE LO EFÍMERO formaron parte del reparto estelar Marya Sotelo, Vania R. Belmont, Emmanuel Pavia, Alexis Briseño Jaramillo, David Zambrano, Ernesto Rocha,  Francis Aurelio Sánchez y Diego Alonso, mismo quienes fungieron como creativos de la obra teatral, estando bajo la dirección artística el último actor aquí mencionado.

Reconocimiento a ALBERTO VILLAREAL

POR: Dalia María Teresa De León Adams

Uno de los baluartes mexicanos del teatro hoy en día, es el dramaturgo, ensayista, escritor, director escénico ALBERTO VILLAREAL. Nacido en la Ciudad de México en el año de 1977.

Es egresado del Colegio de Literatura Dramática y Teatro en la Universidad Autónoma de México (UNAM). Cuenta con una maestría por parte de la “Universidad de Sao Paulo”, en Brasil.

Ahora es miembro activo del “Sistema Nacional de Creadores de Arte y Dramaturgia” en México, quien además ha sido galardonado por su labor, haciéndose acreedor de la Medalla “Gabino Barreda” por sus obras e incluso obteniendo el Premio de Literatura “José Fuentes Mares” por su libro “Siete años en ensayos” publicado en 2013.

Escritor de ópera y creador de instalaciones escénicas. Su trabajo creativo abarca alrededor de cincuenta puestas en escena, la mayor parte de su autoría, con reconocimiento y presencia artística en cerca de catorce países, por lo que sus obras han sido traducidas a los idiomas inglés, francés, chino, portugués y alemán

Como ensayista ha colaborado en las revistas “Letras Libres,” .”Tempestad” y “Theater des Zeit” ésta ultima, alemana. Reconocido con el Premio CITRU, “Paso de Gato,” Company Third Global Age Project”, además de varios más, por parte de la Universidad Autónoma de México (UNAM) como joven académico y por su labor creativa.

EN HORA BUENA ALBERTO VILLAREAL!!!!

LA ROÑA  ¡Hasta el fondo!.

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

La diva del cine Nacional de Oro Mexicano más significativa y conocida en el mundo ha sido la actriz ya fallida, María Félix. Reconocida como “La Doña” tras de haber caracterizado la película titulada “Doña Bárbara” la cual fuera escrita por el venezolano Rómulo Gallegos en 192. 

Su interpretación sería el detonante para que la actriz fuese siempre reconocida bajo tal apelativo. Éstas son algunas de las razones por la cual la personalidad arrolladora y temperamental de la Diva fuese parodiada en varias ocasiones. pero nunca, como lo ha logrado el magnífico actor Darío T. Pie, con su personaje de LA ROÑA. 

Dicho personaje nació hace aproximadamente 20 años atrás, e interpretado por Darío T. Pie dentro del denominado “Teatro Cabaret”. La ocasión se prestó al escenificarla desde una perspectiva de “parodia clown” de donde surgió la idea de matizar a la Doña,  encarnando algunos de sus personajes que lograron grandes éxitos cinematográficos. 

También se ventanean algunos rasgos muy conocidos de su vida y, por supuesto, por su peculiar temperamento altivo, se recuerdan algunas de sus frases en algunos encuentros con la prensa y conductores de programas televisivos y, su manera ostentosa de vestir.

LA ROÑA tras de dos décadas de éxito, tuvo por un tiempo atrás, la peculiaridad de haber ido presentado en sus shows a diversos invitados como lo son José María Yazpik,“La Tesorito”, Yuri, Fey, OV7, Cecilia Gabriela y Francis, por mencionar algunos.

En “LA ROÑA es la Diva” reencarnaba a María Feliz sin tapujos como era su costumbre, pero qué en la boca de Darío Pie, además adquiría una cierta sapiencia y elocuente al tratar de temas como son el sexo, el amor, la política y algunos problemas económicos actuales, siendo éste tema el que hoy en día aborda junto con algo de la política actual en LA ROÑA ¡Hasta el fondo! Todo ello, por supuesto, revestido de un gran humorismo y talento actoral, que caracterizó al espectáculo del actor T. Pie en donde la consigna “es decir las cosas como son”.

Acompañada por la música de piano en vivo, LA ROÑA presenta algunas canciones que secularmente hicieron furor, como la canción de Aventurada del maestro Agustín Lara, quien por cierto fuera uno de los esposos de María Feliz en los años 40’s. 

Picante y atrevido, Darío Pie, logra que el espectáculo de LA ROÑA sea presentado a manera de monólogo; sin embargo, desde el inicio, ocasionalmente Darío T. Pie interactúa con el público, el cual colabora con sus respuestas sencillas y constantes risotadas.

El show se presenta con un tiempo aproximado de dos horas de duración, durante el cual LA ROÑA, se apoya para lograr un discurso muy fluido y lleno de diferentes temáticas a tratar, que ilustra con algunos textos e imágenes que aparecen en una mega-pantalla ubicada en la parte posterior del escenario; escenografía la cual consta además de un gran sillón rojo al estilo de la primera mitad del siglo pasado, en el que LA ROÑA ocasionalmente permanece sentada, con una vestimenta aparatosa que porta el personaje, a la usanza de los años de su juventud.

En fin LA ROÑA aparece en escena ventilando algunos pasajes históricos de México, momentos los cuales por supuesto, se presentan mezclados por la ficción del personaje qué su intérprete Darío T. Pie le infieren para que Usted pase unos momentos muy agradables, con ésta puesta en escena que le hará reír constantemente con sus recurrentes ocurrencias.

LA ROÑA se presenta los días jueves en el ” Teatro d la Ciudad Esperanza Iris” en horario de las 20:35 horas.

Homenaje a AMANDO MANZANERO

POR: Dalia María Teresa de león Adams

¡LOS MÚSICOS RINDEN HOMENAJE A ARMANDO MANZANERO¡ Tras la muerte acontecida el 28 de diciembre del 2020, La Asociación de músicos “Eje Ejecutante” con el apoyo de La Sociedad de Autores y Compositores rindió el día de ayer un gran homenaje a tan icónico compositor internacional.

Así fue como el hermoso recinto del Centro Cultural Roberto Cantoral se vistió de fiesta interpretando los mayores éxitos que inmortalizaron a nuestro fallido compositor, cantante, actor y productor discográfico, el Señor Armando Manzanero Canché, justo en el marco de su natalicio acontecido en Ticul el 7 de diciembre de 1935.

Para tal efecto se ofreció un concierto en donde se incluyeron 19 melodías interpretadas por la “Orquesta Ejecutante de México”, incluyéndose en el repertorio sus sonados éxitos como son Por debajo de la mesa, Esperaré, Del altar a la tumba, Voy a apagar la luz, Ahora, Dormir contigo, Amanecer, Como yo te amé, Contigo aprendí. 

Y tras de un breve intermedio de diez minutos se continuó con las interpretaciones de No se tú, Te extraño, No existen límites, Parece que fue ayer, Esta tarde  ví llover, Llévatela, Tonto, Somos novios, Adoro, y No.

Concierto en el cual se entregaron varios reconocimientos y acudieron algunos de sus intérpretes, colegas compositores y músicos que dirigieron, o ejecutaron con gran maestría algunos instrumentos musicales, dándole gran prestancia a la noche de gala musical.  

Entre las personajes que pasaron al escenario para dedicar algunas palabras a tan prestigiado autor, se encontraron por supuesto sus hijos Juan Pablo Manzanero y una de sus hermanas, el gran músico Rodrigo de la Cadena, la Secretaria de Cultura CDMX Vanessa Bohórquez, la cantante y hoy en día también Diputada, la Señora Rocío Banquells, estando presente el dirigente de “Eje Ejecutante” el Señor Armando J. Baez Pinal.

El evento cerró tras de aproximadamente tres horas y media de música inolvidable, con la presencia del Mariachi Juvenil de Tecatitlán y un brindis de la Casa Saviñon.

Q.E.P.D….Hasta que la muerte nos una.

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

¿Cuántas veces no ha servido de telón un deudo, para con ello iniciar a ventilar el

trágico espectáculo de la miseria del alma y la avaricia, encumbrada en una familia

aparentemente unida por lazos de amor y consanguinidad?

Justamente ésta es la trama medular de que trata ésta ingeniosa y bien

estructurada dramaturgia del escritor y director veracruzano Alan Blasco, quien

últimamente ha estado mostrando tener una gran pluma como creador artístico.

Y tras cuatro años, de ser planeada la puesta en escena Q.E.P.D. Hasta que la

muerte nos una, AB Producciones por fin acaba de concretar ésta apuesta

escénica al presentarla como su más reciente montaje en el Teatro “La Capilla” de

la Ciudad de México.

Escrita a manera de drama, la obra tiene como consigna el vivir a tiempo. Alan

Blanco presenta a una familia totalmente disfuncional en dónde, el único miembro

familiar que diera cierta unidad por lazos consanguíneos, acaba de fallecer.

Así es como se abre el telón para dar inicio a ésta obra tratada con ciertos matices

de humorismo negro, en donde la temática gira en torno a los rencores, envidias,

frustraciones, desentendimiento y frustraciones de una familia.

Pero ¿hacia dónde se puede dirigir ésta historia novelada? La respuesta tal vez está

en la Sinopsis de éste melodrama singular qué aparece como texto abreviado, en el

boletín de prensa con el siguiente párrafo:

-La obra se desarrolla en el funeral de una madre recién fallecida donde la

sátira y absurdez de los personajes juegan en la escena para burlarse de las

situaciones ocurridas dentro de un seno familiar…

La última petición de su padre recién fallecida obliga a tres hermanos a

reunirse bajo el mismo techo para darle el último adiós, desatando una

confrontación turbulenta que deja al descubierto los secretos de una familia

complicada comenzando con la toma de una sencilla decisión: enterrar o

remar a mamá.-

En el elenco estelar se encuentran Ana Corti, Rafael Balderas, Patricia Bermúdez,

Mario De León y Marisela García; todos ellos mostrando sus dotes histriónicos al

interpretar a éstos personajes, con un roce de actuación fársica.

El cuadro escenográfico muestra una estancia en donde se ubica un elegante

comedor, que van acorde a los personajes ataviados elegantemente en luto, y una

empleada doméstica uniformada en consecuencia de la trama, en donde el lenguaje

burdo, lleva al uso constante de un lenguaje altisonante.

Presentada en un solo tiempo escénico de alrededor de 60 minutos, la obra fue

ovacionada con gran éxito, logrando que muchos de los espectadores ovacionaran

las actuaciones y a su autor y director, poniéndose de pie.

Q.E.P.D… Hasta que la muerte nos una se presenta en el Foro Principal del

Centro Cultural “La Capilla”

EL ABANICO

POR: Dalia María Teresa De León Adams

Obra original del célebre dramaturgo de origen irlandés Oscar Wilde cuyo nombre original fuera Oscar Fingal O’Flahertie Wills Wilde, nacido en Dublín Irlanda 1854, y falleciera en Paris, Francia en1900. Considerado como uno de los íconos de la modernidad victoriana londinense, en donde pasara gran parte de su vida.

Enmarcada en el hermoso y suntuoso Auditorio del Instituto Helénico, la obra teatral EL ABANICO resulta muy ad-hoc al referente de éste drama romántico, el cual fuera estrenado en el año de 1892 en el país natal de su autor, en cuya primera ocasión se dividiera en cuatro partes al ser escenificada.

EL ABANICO es una dramaturgia escrita a manera de comedia de enredos, la cual hoy en día está presentada en un acto escénico (de 120 minutos aproximados de duración) bajo el talento de la dirección escénica de Michelle Amaro y su asistente Diego Bertier, quienes logran inferirle a la obra, un toque de gran elegancia a las escenas presentadas bajo la bella musicalización clásica, de la época victoriana,  acorde a la usanza secular a cargo de Naomi Ponce.

Y empero a que el vestuario (a cargo de Gary Rodríguez)no corresponde a la época del texto, sin embargo las actrices ataviadas en tonos crema y beige, logran darle un efecto, sutil y elegante al montaje escénico contemporáneo.

Obra actuada con movimientos ocasionales estilizados, que sugieren ser ejecutados como parte de una danza contemporánea qué, aunada a los movimientos sonoros de los abanicos, resulta ser un deleite visual.

Las actrices que forman parte del elenco estelar son Frine Obregón, Daniela, Gaytán Araceli Espinosa, Gabriela Acasio, Verónica Muñoz y Yazmín López, siendo ésta última además, la Productora Ejecutiva. 

Como Usted podrá notar, el reparto artístico está compuesto por solamente mujeres, quienes con su talento, en su mayoría, logran dar vida a personajes tanto femeninos, como masculinos con gran claridad en la actuación, apoyadas para ello en la modulación de la voz y, en los movimientos corporales en el cambio de rol.

LADY WINDERMERE FAN como se intitula originalmente en inglés, es presentada a manera de Sinopsis por el Equipo Creativo de la siguiente manera textual:

-La trama se desarrolla en el seno de la sociedad londinense, cuando “Lady Windermere” protagoniza una historia de celos y suspicacias al enterarse de que su marido puede estar engañándola con otra mujer. En esta divertida versión, interpretada únicamente por mujeres, los personajes viven una encrucijada a causa de un fatal abanico que los conduce entre la tentación, el orgullo y un breve, pero eterno amor.

EL ABANICO se presenta en días sábados a las 19:00 en el Auditorio del Instituto Cultural Helénico, únicamente hasta el 18 de diciembre.

RÉQUIEM POR UN PAYASO

POR: Dalia María Teresa De León Adams

-Indudablemente es uno de los mses más importantes para el Centro Cultural Helénico, sabemos que la alegría esta en el ambiente, se cuela en los pasillos, serpentea por las butacas e ilumina nuestros escenarios, se trata del anhelado y siempre bien recibido ENCUENTRO INTERNACIONAL DE CLOWN, un evento concebido para agradecer al público su compañía a lo largo del año, una razón para abrazarlos con la calidez de las sonrisas-.

Así es como se manifestó tiempo atrás en el 7º Encuentro, el equipo creativo encargado de dar vida a las obras y espectáculos teatrales que se llevan a cabo en el Centro Cultural Helénico, comandado por el Señor Arturo Zúñiga, dramaturgo y promotor cultural, quien por cierto se presentó en el Foro del teatro Helénico.

Ahora que tras la pandemia que hemos sufrido, nuevamente se abrieron las puertas (por supuesto que con todas las medidas higiénicas necesarias)de dicho Recinto Cultural, iluminando nuevamente de alegría al público que acude a éste gran evento.  

RÉQUIEN POR UN PAYASO es un espectáculo tipo búrlese o cabaret, con fina representación clown incluido dentro de la presentación del programa que el día de ayer viernes 3 de diciembre concluyó con grandes risotadas, abrazos y baile en el escenario, con la parte de los espectadores que se dieron el gusto de subir junto con el reparto estelar compuesto por grandes figuras del mundo clown

En ésta peculiar puesta en escena surgieron acrobacias, bromas, malabares, baile y un ingenioso texto representado bajo un mágico ambiente clown, el cual se apropio del animo de público quienes aplaudieron, rieron y colaboraron con el reparto estelar formado por entusiastas payasos y su grupo de músicos, portando atavíos en su mayoría en negro, acorde a la temática a tratar.

-Esta obra narra la representación final de un payaso, su funeral y la peculiar manera de su crew de rendirle honores para despedirlo. Este espectáculo de Comparsa la Bulla demuestra que la risa salva hasta de los peores momentos.- (texto del boletín de prensa).

Así diferentes países se están dando cita formando parte de éste encuentro en el 8º ENCUENTRO INTERNACIONAL DE CLOWN el cual ha estado agendado para ser presentado hasta el día de mañana domingo 5 de diciembre.

Y como dijo Charles Chaplin ¡UN DÍA SIN REIR, ES UN DÍA PERDIDO!

ECO

POR: Dalia María Teresa De León Adams

El día de ayer jueves 2 de diciembre el montaje creativo de ECO de Rodrigo Castillo Filomarino volvió a pisar escenario. Rodrigo quien es un joven diseñador sonoro, dramaturgo, director y productor de artes escénicas, nos expuso las razones por las cuales se ha inspirado en éste montaje escénico de gran calidad artística, por cierto. 

Preocupado por lo que sucede en su entorno en éste mundo, le inspiró a crear su obra teatral ECO escrita bajo una temática que aborda, lo que él denomina “Sordera Social” al advertir el insensible impedimento que comúnmente se padece, de escuchar o sensibilizarse por los problemas de otros. Por ello propone el escuchar de una manera más empática y consciente.

-¿Qué es un eco? El eco es una reflexión distorsionada de la emisión del sonido o una honda electromagnética; de una palabra, una pregunta, un disparo. Rodrigo Castillo Filomarino, quiere profundizar en esa distorsión para lograr escuchar el mundo de una manera más profunda y honesta.- (texto del boletín de prensa) 

Así fue como volvió al escenario en ésta vez en el Teatro Principal del Teatro “El Milagro” con una puesta en escena escrita por él y cuyo hermoso repertorio musical le ha hecho acreedor al reconocimiento como mejor compositor de música original del arte escénico, otorgado por la Agrupación de Críticos y Periodistas de Teatro.

Rodrigo Castillo Filomarino es miembro activo del Sistema Nacional FONCA el cual fue invitado, para con su espectáculo artístico, formar parte de las obras presentadas por la “Residencia de proyecto Granguiñol Psicotrópico” 20/20 que se llevó a cabo en el Teatro “El Milagro”.

ECO cuenta con la actuación estelar de José Alberto Gallardo, quien además,  dicho sea de paso, fue galardonado con el Premio Internacional de Literatura en 2003 y obtuvo una mención honorífica en el Premio Nacional de Dramaturgia. 

Actor en ésta puesta en escena unipersonal qué sin embargo se presenta acompañado por la bailarina Yansi Méndez, quien ameniza con su danza de estilo moderno el montaje escénico.

La obra transcurre en un espacio escenográfico en donde la actuación y la danza moderna tienen tal vez, un mismo peso escénico, éstos acompañados la mayor parte del tiempo escénico, con la musicalización de su mismo dramaturgo, quien como a-priori he mencionado es Rodrigón Castillo Filomarino. 

-Un hombre suspendido en el tiempo escucha el ECO de su propia vida y nos invita a escuchar la reverberación que nos rodea. En su ópera prima Rodrigo Castillo Filomarino concibe el sonido como una vibración que nos vincula con la memoria y con los otros. Una voz es como un rostro que busca nuestra mirada. ¿Estamos dispuestos a recibir sus palabras? Qué hacemos con esos sonidos que llegan a nosotros como un abrazo? La respuesta esta en nuestra capacidad de escucha. Esto, viniendo de un compositor que se ha dedicado a la creación de la música para la escena, se puede leer como una declaración de principios, la música para la escena se origina, antes que nada, en una escucha atenta de las imágenes que transitan por el escenario.-  (I.A.G.)

En realidad la puesta en escena digamos qué va más allá que la anterior aseveración y cuestionamientos. Es una creación artística y filosófica que nos adentra a la psiquis de su autor involucrando de alguna manera al espectador quien perfectamente se ve frente a un espejo imaginario.

La reflección de una sociedad que nos se sabe comunicar, el hastío por las actividades repetitivas, el vacío de diálogos y lo abrumante de algunos sonidos, son en realidad el significante y la expresión de algunos de los tópicos que se introducen dentro de esta trama, la cual carece de una historia convencional.

ECO es la reflexión de algunos de los sentimientos y frustraciones (no sólo de su autor) llevados a un nivel escénico como la muestra de la creatividad del artista. ECO se podría decir, es un grito en silencio del razonamiento de su escritor. 

Puesta en escena en un solo acto de alrededor de 50 minutos, en el cual aparecen inicialmente tanto el actor José Alberto Gallardo, como la bailarina, sentados a espaldas uno del otro. Ellos interactúan dentro de un círculo formado por varias teclas (única propuesta escenográfica) lo cual ofrecen una atmósfera musical, de manera simbólica, bajo un juego de media luz que poco a poco sube o baja de intensidad, como parte del juego artístico a representar.

ECO se presenta los días jueves y viernes a las 20:00 horas en el Teatro “La Capilla” y contará además el día 10 de diciembre con  la presencia de un interprete de Lengua de Señas y algunos cambios en los arreglos musicales.

JAMBO

POR: Dalia María Teresa De León Adams

En el marco del “8º Encuentro Internacional de Clown 2021” se presentó el día de ayer miércoles 1º de diciembre en el Teatro Principal del Centro Cultural Helénico” la obra intitulada JAMBO; un divertidísimo espectáculo Clown (en francés Payaso) venido desde Barcelona, Cataluña, en España.

Equipo artístico que ofreciendo un poco más de una hora de diversión, en donde el público no dejó de reír y aplaudir al equipo integrado por cuatro excelentes payasos, quienes incluyeron dentro de su número clown, música en vivo interpretada por ellos mismos, actos malabares, y la breve escenificación de manera comiquísima, de un fragmento de la tragedia de “Julio César” escrita por Williams Shakespeare en 1599.

Todo ello con un dejo artístico y gran creatividad qué hizo ponerse de pie a varios de los espectadores, quienes gritaban ¡bravo! así como largos y calurosos aplausos. Como información complementaria le informaré qué pese a que cada función ofrecida en éste encuentro es única, sin embargo, el mismo equipo encabezado por Tornell Poltrona, ofrecerá una función distinta, el próximo domingo 5 de diciembre con la obra intitulada ¡QUE BESTIA! con la cual por cierto, se cierra este 8º Encuentro.

-“El 8º Encuentro Internacional de Clown 2021 es una fiesta que celebra la vida y el buen humor. A través del arte los payasos y las payasas, esta verbena internacional recuerda que gracias a la risa se pueden sortear los momentos más difíciles, sobre todo si las carcajadas se construyen colectivamente. Es por ello que, desde el pasado mes de junio, se iniciaron las actividades de esta edición, mediante una serie de talleres impartidos por especialistas en clown –provenientes de Argentina, Brasil y Colombia-, se dio el banderazo de salida para compartir diversos saberes y experiencias en torno a esta disciplina.

Ahora la alegría y l jolgorio se encontrarán de forma presencial del 30 de noviembre al 5 de diciembre, con artistas como el español Tortell Poltrona, cofundador de Payasos sin Fronteras, Chacovachi, un payaso argentino con 30 años de experiencia a nivel internacional; Izmir Gallardo Oliva y Jorge A. Caballero Vega, dos de los artistas mexicanos más conocidos en éste ámbito; así como Comparsa La Bulla, un colectivo nacional con una trayectoria reconocida.

Así se expresó la compañía Difusora a cargo de la Señorita Gaddi Miranda del Centro Cultural Helénico,  traduciendo en breve, el “Espectáculo Buscamos Sonrisas” conformado con 6 puestas en escena, un taller, una presentación editorial  y dos clases magistrales.

Tornell Poltrona, el clown estrella del espectáculo JAMBO es un payaso considerado como el “Buscador de la Paz” quien ha laborado exitosamente en África, Asia y Sudamérica,  y quien se expresa de la siguiente manera en un video incluido en el boletín de prensa: 

¡Abran paso! Seguimos trabajando, abriendo puentes, creando mundos. Queremos compartir el arte transformador de la cultura, el arte de la cultura poética, el arte de la cultura de la  belleza, al arte positivo.

REGÁLELES SU SONRISA!!!

9º FESTIVAL ARTÍSTICO DE OTOÑO

POR: Dalia María Teresa De León Adams

Tras de haber sido severamente sacudidos por los cierres que causara la aún reciente pandemia del Corona Virus, el sector Artístico Musical por fin ha abierto sus puertas (Claro que con todas las medidas sanitarias de precaución) para los amantes y creadores de la música de cámara. 

De dicho modo el día de ayer, domingo 28 de noviembre del año en curso, se pudo celebrar el 9º FESTIVAL ARTÍSTICO DE OTOÑO en el marco del cierre del Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (INBAL) y La Sociedad de Artistas y Compositores Mexicanos (SACM) en nada menos qué su hermoso recinto Sede del “Centro Cultural Roberto Cantoral.” Para dicho efecto se presentaron algunas de las obras de los maestros Soto Millán, Cortéz, Lara y Vázquez Kuntze. 

Bajo la batuta del maestro Ludwig Carrasco, la OCBA interpretó el estreno de la “Sinfonía de Cuerdas” de Luis Jaime Cortéz; obra que escuchamos a manera conmemorativa, por el 75º Aniversario del INBAL.

Pero no fue el único estreno, pues en el tan prestigiado Recinto Cultural, también se interpretó el “20-21” y “El Concierto para Flautas de Pico, Orquesta de Cuerdas, Arpa y Percusiones” de Ana Lara, además de “Esferas” original de Lilia Vázquez Kuntze, para con ello rendir homenaje al maestro Eduardo Soto Millán por su brillante labor artística.

También se recordó al maestro Mario Lavista al incluirse dentro del programa, su obra “Seis pequeñas Piezas para orquesta de cuerdas” tras su sensible reciente fallecimiento. 

Finalmente deseo agregar qué por su parte en el comunicado de Prensa ofrecido por la Señorita Nidia Elisa Manzanero, pudimos leer de manera textual la siguiente aseveración, con respecto al invaluable apoyo por la labor ofrecida al sector musical:

-“Siempre con la satisfacción de haber ofrecido al público de la Ciudad de México una serie de conciertos con lo más selecto de la música clásica de todos los tiempos, en foros tan diversos como el Centro Cultural Roberto Cantoral (CCRC), la Sala Manuel M. Ponce del Palacio de Bellas Artes y el Salón de Recepciones del Museo Nacional de Arte, las Jornadas INBAL SACM concluyen con dos estrenos, entre otras obras, dentro de las actividades de 9º FAO.

CONQUISTA 21

POR: Dalia María Teresa De León Adams

Obra teatral experimental que intenta hacer un paralelismo entre la época de la conquista y la era actual. En ella se muestran algunos elementos a manera de tramoya, que ayudan a ilustrar esta temática, como lo son un mapa, agua, fuego, imagen, colores y vestuario.

Todos ellos utilizados en el escenario de manera signiicante. Puesta en escena con una producción Alemana-Mexicana, por lo que en un momento escénico se utilizan algunas frases en idioma alemán, aún cuando mayoritariamente el lenguaje empleado es el español y el náhuatl, lo cual sucede al intentar aludir a la época prehispánica, como parte medular a tratar en ésta trama.

Empero, la dramaturgia realmente no tiene mucho peso histriónico en dar detalles acera de dicha época tan trascendental, no tan sólo en nuestro pasado histórico, sino en el desarrollo de gran parte de la humanidad, con el encuentro entre dos mundos que cambio l rumbo de la historia.

Alejandro Galván es el creativo de éste montaje escénico junto con Omar Guadarrama, quien además actúa en éste monólogo o drama unipersonal, casi sin habar en escena, pues en realidad utilizan el recurso teatral de la Voz in Off, para dar algunos de los pormenores de la Conquista, en específico en la Gran Tenochtitlán.

Así es como el actor Omar Guadarrama intenta de manera un tanto metafórica, ilustrar en el escenario, el sentir del hombre derrotado en la Conquista, através de  deambular en el escenario, embarrarse de diversos matices de colores, golpear su pecho contra el muro en donde coloca un mapa de papel de México actual, el cual arranca tras de permanecer colgada la imagen en el casi centro del escenario, de meter su rostro inicialmente en un balde de agua como un significante de la llegada del español a través del mar y, finalmente al encender un circulo en escena.

Montaje escénico con duración aproximada de 75 minutos, efectuado en un solo cuadro y tiempo escénico, en donde la consigna a seguir es “Luchar por el destino, la confrontación de dos visiones del mundo: mexica-español y su relación con el presente”-  como textualmente lo expone Omar Guadarrama, cuyo texto forma parte del proceso de investigación de éste, para la obtención de una maestría en Artes, en la Universidad  de Bielefeld, en Alemania.

Y finalmente le comentaré qué -“La propuesta indaga en momentos resignificativos de crueldad y violencia en la caída de México-Tenochtitlán, en base, a la reflexión de los mismos creativos de ésta obra.

CONQUISTA 21 concluye sus funciones el día de hoy, domingo 28 de noviembre a las 18:00 horas en el Centro Cultural “El Hormiguero”.

JUNIO EN EL 93

POR: Dalia María Teresa De León Adams

-“A 25 años de la muerte de Alejandro Reyes, Teatro de Arena crea una versión

teatral de sus memorias”.-

Un proyecto de Luis Mario Moncada y Martín Acosta. (Así es como se dio a

conocer el comunicado de prensa).

Tras de 25 años de haberse planeado la publicación del libro “Mishima”, como

explicó Luis Mario Moncada respecto al texto escrito por el actor y autor del

mismo, es decir Alejandro Reyes (quien por cierto lo concluyera en los últimos

años del ocaso de su vida) por fin actualmente ha sido publicado, y aunque con un

número limitado de libros físicos, el libro por fin salió a la luz; libro autobiográfico

que dio pauta a la adaptación del mismo a manera de dramaturgia, gracias al

talento del actor y escritor, Luis Mario Moncada Gil quien fuera galardonado con el

“Premio Nacional de la Juventud” en 1985.

Adaptación que sirviera de pauta para ser puesta en escena bajo el título de JUNIO

EN EL 93 y presentada el día de ayer viernes 26 de noviembre del año en curso,

estrenándose en el Foro “La Gruta” con gran éxito, por lo que logró arrancar un

largo y caluroso aplauso del público asistente.

Respecto a los pormenores, la compañía difusora mencionaría textualmente acerca

de los hechos que hicieron posible éste montaje escénico de JUNIO EN EL 93

utilizando las siguientes palabras:

-“JUNIO EN EL 93 es una obra construida a partir de la autobiografía de

Alejandro Reyes, uno de los actores más importantes de su generación, quien

enfrentó los estereotipos físicos del teatro mexicano de esa época, además de

su abierta postura en relación con su preferencia sexual, logró cimentar un

culto alrededor de sí mismo y un respeto entre sus colegas actores y actrices. Él

murió en el 1996, pero fue seropositivo desde 1993. En sus últimas etapas de

su vida escribió una novela jamás publicada sobre su experiencia durante el

proceso del montaje de Mishima. Culminó este texto el mismo año de su

fallecimiento y ahora, a través de ésta puesta en escena, sus palabras y su

legado renacen.”-

Mediante una narrativa contemporánea a manera de drama, la novela

autobiográfica de Alejandro Reyes, presenta algunas de las miserias del alma

nacidas del desaliento y el sufrimiento al cual han sido objeto durante mucho

tiempo, gran parte de la comunidad homosexual.

Esto en el sentido en qué aceptarse y asumirse como tales, aún en los años 90’s

constituía todo un reto a enfrentar con el respecto a la sociedad recalcitrante y

prejuiciada en contra de dicho sector de la población; hecho incluso padecido con

los mismos practicantes de sexo gay, quienes en aras de No ser discriminados, han

aparentado toda su vida ser heterosexuales.

Así es como en el marco de las Residencias Artísticas del Centro Cultural Helénico,

la compañía “Teatro Arena” a comenzado las representaciones de la obra teatral

JUNIO EN EL 93 en el Foro “La Gruta”; montaje del dramaturgo Luis Mario

Moncada, bajo la dirección artística de Martín Acosta, el cual tiene como reparto

estelar a los actores Mel Fuentes, Miguel Jiménez, Baruch Valdés y Medín Villatoro.

EN HORA BUENA!!!!

RABIA

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

Hoy en día la Compañía “Lab Teatro” presenta la puesta en escena de RABIA dirigida por Enrique Aguilar, quien logra matizar perfectamente en términos escénicos, la dramaturgia RABIA. 

Obra escrita por Alexis Casas (Toluca, México 1986) quien por cierto es Cofundador y miembro del “Círculo de Creación Dramática” (el cual es un taller de formación artística) cuya sede se encuentra en la ciudad de Toluca.

El elenco está formado por dos jóvenes valores, quienes son Fernanda Enemi e Iván García, los cuales en escena caracterizan a sus personajes, mostrando dotes artísticos al interpretar éste drama singular, en donde el dolor, la amargura y el desamor se muestran sin tapujo alguno, convirtiendo a la obra, en un texto de índole naturalista, vanguardista, en la medida en que se plasma a la realidad, sin tapujo alguno.

La trama presenta al personaje de la mujer madura, quien junto con un joven, ha mantenido una relación aparentemente filial llena de desaires y agravios. La historia empero llevará al espectador a deshilar una trama cruenta y dolorosa, en donde la verdad sale a flote, tras de años de aparente parentesco tortuoso.

Un tercer personaje siempre sale a flote, tornando a ésta relación en un triángulo de odio, el personaje de René, quien sin embargo, no aparecerá nunca en escena y, cuyo destino y paradero, no acabará por ser aclarado en éste drama teatral.

Por su tratamiento, la trama tiene un paralelismo en cuanto a la manera de enfocar bajo un matiz totalmente destructivo a los personajes protagónicos que ventilan claramente las miserias de su alma, llevándolos a actuar hasta el extremo  de los últimos tejidos de la psicopatía, lo cual infiere un gran paralelismo con la obra también denominada RABIA del escritor y director ecuatoriano Sebastián Cordero Espinosa (Quito, Ecuador 1972).

Obra teatral que aborda del mismo modo una temática cruda y cruenta, pero escrita por Sebastián Cordero (quien por cierto ha trabajado con Guillermo del Toro) desde España. 

Le comento al respecto que,  hace aproximadamente doce años, que estrenarse a manera de largometraje RABIA teniendo gran éxito, tras lo cual le surgiría la inquietud por presentarla de una manera distinta, es decir, en formato de dramaturgia. 

A raíz de ello es que fue montada a manera un tanto de teatro callejero, enfocada por supuesto en la misma obra fílmica que en 2009 él dirigiera. La temática abordaba a una pareja de emigrantes, Un hombre al que él denomina “muy rabioso” por su actitud agresiva, quien asesinara a una persona tan sólo por celos. 

Tras dicho cometido se aloja secretamente en la casa de su novia Rosa, una mujer doméstica quien trabajara en una gran mansión. Se ubica en su hogar sin que ella se de cuenta de ello, volviéndose totalmente voyerista al instante, vigilándola secretamente, pero comunicándose telefónica con ella empero a estar alojados en el mismo lugar.

Fue a partir de la película en que Sebastián Cordero sintió la inquietud de presentarla como dramaturgia, bajo la estela del teatro inversivo. Así fue que la presentó de manera vivencial bajo la tónica de presentar el mismo texto, pero de manera subversiva y orgánica, bajo una propuesta totalmente distinta que involucrara al público con la obra, al introducirlos en la sala y algunos lugares en vivo, e incluso sacándolos en un momento escénico, a la calle. Era una temática en la cual su director y adaptador creativo, pedía que los actores se involucraran con la temática a tratar.

Lo mismo sucede con RABIA de nuestro escritor mexicano Alexis Casas, quien también con su obra va desdibujando poco a poco una relación aparentemente normal, llevándola a grandes extremos de la paranoia, pero con un final totalmente abierto, en donde los actores se quitan de pronto las caretas del personaje a interpretar, mostrándose como el producto del ingenio de una tinta escrita.

RABIA se ha estado presentando en el Teatro “La Capilla” de la Ciudad de México a partir del miércoles 10 de noviembre, contemplándose el fin de representaciones en dicho recinto cultural, el día miércoles 15 de diciembre.

LOS MÚSICOS RINDEN HOMENAJE A ARMANDO MANZANERO

POR: Dalia María Teresa De León Adams

El día de hoy, lunes 22 de noviembre del año en curso( que por cierto dicho sea de paso,  se conmemora el Día del Músico) algunos de los intérpretes, productores y compositores que forman parte del “Eje Ejecutante”, sociedad a la cual pertenecía el afamado maestro homenajeado, decidieron por la ardua y fructífera labor del fallido canta-autor, Armando Manzano, galardonarlo post-mortem por su impecable  labor artística.

Recordemos que Armando Manzanero Canché, quien naciera en Ticul un día 7 de diciembre de 1935, fue un compositor, cantante, actor, músico y productor discográfico mexicano, considerado por parte de especialistas, prensa y músicos como uno de los compositores más exitosos de hala hispana. 

Es uno de los íconos del género de la balada romántica, cuya fama se extendió a gran parte del mundo, por sus hermosas melodías y su manera poética de convertir sus canciones, introduciendo en ocasiones incluso, cierto erotismo de manera sutil y elegante, como fuera su estilo artístico.

De dicho modo se dieron cita grandes figuras del medio musical, que forman parte de la “Sociedad de Autores y Compositores en México”,  el “Sindicato Único de los Trabajadores de la Música” y la “Fundación Hermes Music”; ellos formaron formando parte de la mesa directiva, encabezada por el maestro Armando Báez Pinal.

Al respecto se dio a conocer en la Conferencia de Prensa los siguientes aspectos a retomar, expuestos también en el boletín de prensa presentado por los jefes de Difusión, el Señor Pedro Vallejo y la Señorita Nidia Elisa Manzanero:

-“La producción LOS MÚSICOS RINDEN HOMNAJE A ARMANDO MANZANRO, EJE DE LA MÚSICA CONTEMPORÁNEA dio cabida a 24 arreglistas en 36 temas y una participación de 206 plazas músico. Estará disponible en todas las plataformas digitales a partir del 4 de diciembre.

Para celebrar la vida de nuestro querido maestro Armado Manzanero, presentaremos ésta producción en un Magno Concierto que se realizará el próximo 7 de diciembre en las instalaciones del Centro Cultural Roberto Cantoral a las 19:30. 

Para finalizar le comentaré qué dicho evento será totalmente gratuito tanto visto en alguna de las plataformas digitales, como de manera física en el “Centro Cultural Roberto Cantoral” en nuestra Ciudad de México.

¿EN QUÉ ESTABAS PENSANDO?

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

-“Esta puesta en escena relata la historia de un grupo de jóvenes adolescentes, Toto, Laika y Albert, que han dejado de ser niños, pero que llenos de preguntas, no están muy seguros de en qué se han convertido. El despertar sexual, la popularidad, la soledad, el amor y el desamor, son puntos de encuentro y desencuentro entre los amigos que lo único que quieren es entender mejor el mundo que los rodea. Un mundo que trae consigo constantes estímulos a través del Internet.”-

Así es como se expresa la Compañía Difusora a cargo del Señor Raúl Medina, en cuanto a la temática a tratar con respecto a ésta puesta en escena, totalmente juvenil, en donde se hace un acercamiento tanto a los estímulos, como a las inquietudes que afrontan los adolescentes, en esa etapa en donde los sentimientos están a flor de piel.

Ello aunado a los constantes cambios que convierten a un niño en hombre y, a una niña en mujer, con todas las consecuencias y responsabilidades que implica y que les enfrenta de pronto a un mundo que es visto, gozado y sentido desde otra perspectiva humana para un adolescente.

Y que mejor que mejor que presentado por un grupo de jovencitos que entusiastamente forman el Colectivo “Cuaternario Teatro” integrado por Melanie Borges, Miguel Estrada, Ricardo J. Cruz y Javier Marcial, quienes a través del Programa ara niños, niñas y jóvenes, impulsa la Coordinación Nacional de Teatro representan éste drama singular.

Texto a cargo de Saúl Enríquez, quien dicho de paso nació en Veracruz hacia el año de 1979, es dramaturgo y director teatral, tiene 34 obras escritas y seis publicadas, 10 montajes propios. Varias de sus obras han sido montadas por algunos colegas directores, además de haber contado con diversas becas y, galardonado con reconocimientos a su labor.

Con la dirección artística de Jesús Rafael Cruz y la participación del Colectivo “Cuaternario Teatro” quienes por cierto,  buscan llegar al público joven, incluyendo textos que involucren al adolescente en ésta hermosa, pero difícil etapa de la vida la puesta en escena logra conmover a su público juvenil, quien se ve reflejado de alguna manera con éste texto, un tanto cruento pero real.

¿EN QUÉ ESTABAS PENSANDO? Contiene una trama con un contenido fresco, en dónde la psiquis de los personajes invitan a la reflexión tanto de los jóvenes, como de los padres de éstos.

Obra totalmente contemporánea que tiene como referente un día cualquiera, de cualquier región en nuestro país, amenizada con algunos breves números musicales y sonidos ejecutados en escena.

¡EN QUÉ ESTABAS PENSANDO? Solamente se presentará en dos ocasiones más, es decir el día de hoy domingo 21 de noviembre con doble horario de 13:00 y 17:00 horas y, hasta diciembre 11 de éste año en curso, en el Foro Alternativo del Centro Cultural del Bosque.

 WENSES Y LALA

POR: Dalia María Teresa De León Adams

Ovacionada como la Mejor Obra Teatral de la Agrupación de Periodistas Teatrales y de de la 1ª Edición de los Premios Metropolitanos, la puesta en escena WENSES Y LALA volvió a tocar escenario, siendo en esta ocasión en el  en el Teatro de la Ciudad “Esperanza Iris”Foro, tras de haberse presentado durante el mes de julio en el Foro Shakespeare.

Así fue como hoy, día jueves 18 de noviembre a las 20:30 horas la Compañía productora “Tres Tristes Tigres” comenzará su ciclo de representaciones con la puesta en escena de WENSES Y LALA.

Drama perteneciente al género romántico, original del escritor veracruzano Adrián Vázquez quien como Usted sabe, cuenta con un gran historial académico y sobre todo, profesional, siendo ésta dramaturgia quizás, la que hasta el momento le ha dado mayor reconocimiento en el medio teatral.

-“WENSES Y LALA, con más de 350 representaciones, es una puesta en escena donde actúa Teté Espinoza y su director Adrián Vázquez, la cual es todo un referente al teatro actual. “Es la historia de un hombre y una mujer, una comedia que no es cursi. WENSES Y LALA se alejan de la cursilería, es la historia de dos seres que viven en algún paraje perdido de México. “Es ante todo una comedia donde se inserta una historia de amor”, comenta el actor-director-dramaturgo.”-  Así es como se expresó su compañía difusora al respecto de la obra.

WENSES Y LALA ya había sido anteriormente representada en diversos foros, montándose constantemente en teatros como lo son el “Xavier Villaurrutia” del Centro Cultural del Bosque con el INBA, en la Sala A de La Teatrería y en el teatro BANAMEX Santa Fe de la Plaza Comercial Zentrika en co-producción de “Mejor Teatro,” el Foro Shakespeare y ahora el Teatro “Esperanza Iris”.

Obra que o tan sólo se ha mantenido, sino que también ha sido elogiada por la crítica periodística tanto por su esplendida actuación, como por su texto muy bien estructurado, llenando foros.

Les una dramaturgia que como a-priori he mencionado está escrita por Adrián Vázquez quien además la dirige, e incluso actúa en compañía de la actriz Teté Espinoza, quien aparece en escena junto a él protagonizando la obra a manera de su pareja sentimental en éste melodrama.

Como sinopsis, la trama gira en torno al amor que poco a poco va surgiendo a través de una amistad, narrada por los mismos personajes protagónicos, bajo un lenguaje coloquial que da inicio a partir de la infancia de ambos. 

Asís es como presenta a dos niños, quienes ante la adversidad, se enfrentan solos en el mundo ante la carencia de sus padres, cuyo fallecimiento es narrado someramente; hecho que les llevará a unir sus destinos en soledad. 

Por fin la adolescencia llega, y con ésta da inicio la pasión entre WENSES Y LALA; sin embargo como comúnmente suele suceder, no podía faltar el rol antagónico, es decir un hombre en disputa intentando coartar el amor jovial de la pareja. Personaje quien empero, nunca aparece en escena, pero es mencionado dentro de la narrativa como una tercera persona del drama.

La historia es narrada a detalle por los dos personajes en escena, logrando desde hacer reír, hasta llorar, conmoviendo con ello a gran parte del público asistente, utilizando diálogos sencillos y algunos localismos al parecer veracruzanos (como el autor) acorde a la provincia en que se sugiere éste drama de matiz romántico. 

Todo ello enmarcado con cantos ocasionales que brindan los personajes en escena, durante la obra presentada en un solo cuadro escenográfico, como suele hacer Adrián Vázquez. Cuadro en donde se presentan como apoyo escénico solamente una banca, desde la pareja cuenta los pormenores de sus vivencias de una manera amena y fresca. El amor triunfal no impiden un final desgarrador para algunos, en tanto que bello para otros espectadores, pues es tan sólo cuestión de enfoque. 

WENSES Y LALA se presentará a partir de hoy jueves 18 de noviembre 2021 por la Compañía Teatral  “Tres Tristes Tigres” en el Teatro de la Ciudad “Esperanza Iris”

BEAUTIFULL JULIA

POR: Dalia María Teresa de león Adams.

Con su obra BEAUTIFUL JULIA Maribel Carrasco, su escritora, logró conjugar un

drama totalmente vigente en el cual dibuja la psiquis de una mujer, quien por

habitar el cuerpo de un joven, constantemente sufre de abusos por el sólo hecho de

ser diferente al resto de sus compañeros.

Obra teatral que dibuja la realidad qué desgraciadamente los jóvenes hoy en día

enfrentan en éste mundo lleno de prejuicios, intolerancia, irracionalidad y

violencia, la cual se infiltra en las grandes selvas de asfalto como se ha dado por

llamar a nuestras urbes contemporáneas, convertido nuestras ciudades en un

mundo intolerante.

En ellas sólo el más fuerte puede lograr sobrevivir al “bulling” ante la inclemencia

de la agresividad, la injusticia y el constante abuso que surge por parte de los

victimarios, quienes someten a sus múltiple víctimas.

Ésta es precisamente la temática a tratar en la puesta en escena de BEAUTIFUL

JULIA. Le contaré que el Sistema Nacional de Creadores de Arte del Fondo

Nacional apoyó el proyecto y la creación de este libreto, original de Maribel

Carrasco.

Es una dramaturgia que por su importante contenido inicialmente se presentó en

el teatro Xavier Villaurrutia, bajo el subsidio del Instituto Nacional de Bellas Artes

y Literatura (INBAL) y debido al éxitos obtenido reinició temporada en junio del

2019 en el Foro “Sor Juana Inés” de la UNAM.

Hoy en día el grupo creativo “Los Endebles” a cargo de ésta puesta en escena,

finalmente llegaron al Foro “La Gruta”, del Centro Cultural Helénico por tercera y h

cuarta ocasión.

Dramaturgia qué como núcleo medular tiene a bien el presentar como temática a

tratar, “el instinto y la identidad de género durante la adolescencia, como ellos

mismos de manera textual han dado por calificar manifiestamente.

Respecto a la trama a tratar, a manera de sinopsis “Los Endebles” escribirían

tiempo atrás al respecto, aseverando su contenido mediante el siguiente párrafo

textual, para dar a conocer la temática medular en torno al cual se desarrolla éste

drama, que desgraciadamente dibuja a varios sectores juveniles en aras aún de su

propia identidad:

-“Daniel lucha por sobrevivir, demostrando que puede defenderse porque es

fuerte de la manera en que todos los demás creen que se es. y se Tiene que ser

fuerte lastimando a otros, ejerciendo esa fuerza brutal para violentar y así

poder mantenerse al margen de la exclusión, pero con el temor de enfrentarse

a sí mismo. Para ello tendrá que ser capaz de sofocar su instinto, ya que de no

hacerlo, podría ser realmente peligroso.¡ Julia lo observa atenta!”-

El rechazo de éstos jóvenes quienes sufren comúnmente tanto en su núcleo

familiar como social, así como la difícil tarea que ellos enfrentan al no poder

reconocer sin culpas y baja autoestima, su esencia real, creándoles un sentimiento

de vergüenza, toma formo en algunos de los personajes de éste interesante drama.

El amor es otro de los tintes de ésta trama, amor incipiente que se presenta con la

candidez de la primera vez, cuando se despierta a la adolescencia, con un

maravilloso sentimiento que hacen vibrar por la persona amada, teniendo el alma

y los sentidos a flor de piel.

Le comento para finalizar, por si aún no lo sabe, qué Maribel Carrasco quien como

a-priori mencioné, es la autora de la dramaturgia BEAUTIFULL JULIA, nació en

Cuautla, Morelos en el año de 1964 .

Funge actualmente como escritora, actriz y diseñadora tanto de muñecos guiñol

como de vestuario, contando con un taller de dramaturgia para impulsar a

creadores artísticos.

Sus dramaturgias has sido presentadas en Canadá, España, Italia y Colombia,

además de participar en festivales y encuentros nacionales e internacionales de

dramaturgia; hecho que le está colocado en el gusto masivo del público.

La dirección de éste montaje escénico corre a cargo del maestro Boris Schoemann,

director, actor y traductor francés (Paris 1964) quien actualmente es el directivo

del Teatro “La Capilla” y “Salvador Novo” y es quien logra con ésta puesta en

escena ,un trabajo muy febril y sorprendente, que adquiere tintes sutiles, empero a

lo cruenta de la temática a tratar.

Esto lo logra con el apoyo escenográfico de Jesús Giles, quien utiliza el apoyo

multimedia de una gran pantalla la cual muestra escenas alternas a la

representación actoral; escenas que se acompañan con la musicalización oportuna

de Fede Schmucler.

En la obra teatral BEAUTIFUL JULIA actúan Fernanda Echeverría, Rebeca Roa,

Baruch Valdez/ Rodrigo Olguín, Alfredo Veldañez y Ulises Galván y se presenta en

el Foro “La Gruta” en días sábados y domingos a las 13:00 horas, planeando

finalizar temporada el 21 de noviembre del año en curso.

¡Vale la pena que la vea!

A GOLPE DE CALCETÍN

POR: Dalia María Teresa De León Adams

Obra teatral infantil, en donde la imaginación se mezcla perfectamente con la

ficción, en una puesta en escena colorida y divertida escrita por el afamado

cuentista, novelista y poeta mexicano, Francisco Hinojosa.

Nacido en el entonces Distrito Federal en el año de 1954, sería galardonado con el

“Premio Nacional de Cuento, en la ciudad de San Luis Potosí en 1993. Escritor

quien además de A GOLPE DE CALCETÍN escribiera “La Peor Señora del Mundo”

(1992), “Manual para corregir a niños malcriados” (2016), “Yanka, yanka (2000),

“Hectic, Ethics” (1996) entre otras más”.

Todas sus libros infantiles se caracterizan por su dejo a manera de consigna que

habitualmente infería al final de sus obras, para sus lectores o, el público presente,

en las puestas en escena.

Le comento qué A GOLPE DE CALCETÍN fue publicada en el año de 1986, siendo

prácticamente su primera obra publicada de manera impresa. Francisco Hinojosa

también incursionó en el medio cinematográfico, con la películas cuyo título es “El

jefe y el carpintero”.

Hoy en día la Compañía “Tonto Teatro” presenta la obra infantil A GOLPE DE

CALCETÍN bajo la dirección artística de Cristian David y Fernando Reyes, contando

con un gran reparto estelar.

Así tanto muñecos de tamaño humano, como actores interactúan en el escenario

con un vestuario peculiar, en color beige y marrón que dan un efecto muy especial,

acorde a la narrativa a tratar.

En el escenario la historia de Paquito transcurre dentro de una escenografía en la

cual se presentan una carreta, balices de colores que también al ser movidos,

aparecen como algunas casas de la ciudad de México.

Por supuesto que también están presentes en el escenario, diversos artículos más

de tramoya, los cuales son movibles y coloridos, qué junto con el efecto del hielo

seco, parecen introducir al espectador en un cuento o un estado onírico muy bello.

En la representación teatral, como a-priori mencioné, los títeres o muñecos

interactúan con varios actores, quienes se presentan, tocando en escena diversos

instrumentos musicales en vivo , además de un canto ocasional casi inicialmente,

haciendo con todo ello, un espectáculo de sensible deleite visual para toda la

familia.

Con respecto a la trama, ésta presenta la historia de un pequeñito llamado

Francisco. Un niño que desde muy niño vendía diferentes mercancía. Finalmente

Paco, (como le decía su madre por cariño) decidió estar en la venta de periódicos

ambulantes, voceando para su venta, el contenido de éstos, día a día, como era la

usanza de la primera mitad del siglo pasado (XX).

Así fue como recorría las calles de su ciudad, hasta que un día, un misterioso

personaje ofrece comprarle todos sus periódicos a cambio de un gran pago, tras

del cual, deberá realizar una extraña pero aparente misión, que consistía en

entregar una carta.

Paco nunca imaginó que esa encomienda lo conduciría a aparecer él mismo en los

titulares de los diarios que vendía, por ciertas circunstancias que estaban a punto

de sucederle.

A GOLPE DE CALCETÍN de la compañía “TONTO TEATRO” se presenta en días

sábados y domingos a las 13: horas en el teatro Principal del Centro Cultural

Helénico.

ÚLTIMO REINO

POR: Dalia María Teresa De León Adams

Tres personajes que se hilan en una historia en dónde ¡Todo, puede suceder! La

dramaturgia esta basado en torno a fragmentos extraídos de obras como

“Abismos” y “Sombras Errantes” del escritor y músico francés Pascal Quignard

(nacido en Verneuil-sur-Avre, Francia 1948) quien por cierto, fuera homenajeado

por La Academia Francesa con el galardón “Premio Goncourt”.

También está matizada ésta obra teatral por algunas de las reflexiones obtenidas

de la obra “El peso de la mariposa” del escritor, poeta y periodista italiano Enrico

de Luca, conocido como Erri (nació en Nápoles, Italia en 1950).

Y por la novela “Sexus” del fallecido novelista Henry Valentin Miller (Los Ángeles

California, Estados Unidos 1891-1980) cuyas obras fueran características por estar

escritas bajo un tono crudo, sensual y semi-autobiográfico, muy polémico.

Dichas obras forman parte a manera de “colage” del texto teatral escenificado hoy

en día por la Compañía Teatral “Colectivo Charalito y La Justicia” la cual

actualmente se presenta en el foro del Teatro “Benito Juárez” de la Ciudad de

México.

Ello bajo la dirección artística de Valentina Martínez Gallardo y Edson Martínez,

quienes en tan sólo un cuadro y tiempo escenográfico, logran inferirle a ésta obra

credibilidad, escrita bajo el género vanguardista, por su tratamiento escénico en

donde la violencia extrema, el sexo sin tapujos, la humillación, el empoderamiento

y el ansia de matar, brotan a flor de piel en los tres personajes de Juan, Emmanuel

y una joven, quienes aparecen sin aparente temporalidad lineal en las escenas de

éste drama.

Trama difícil de escenificar pero que sin embargo, gracias al talento histriónico de

los tres actores que muestran en sus interpretaciones, infiriéndole a los personajes

gran sensibilidad al interpretar a seres intensos, en donde la irracionalidad surge

de manera visceral, logrando impactar al público, quienes al final de la

representación teatral les brinda un largo y efusivo aplauso por su labor artística.

Y así se lee en la cartelera publicitaria, con respecto a éste montaje escénico:

-“Con la premisa de que “hubo un tiempo antes del tiempo, antes de que el

hombre fuera hombre, un tiempo en que todos éramos bestias”, surge la

propuesta escénica ÚLTIMO REINO, que lleva al espectador a una jungla

regida por las reglas de la naturaleza, en la que los instintos dominan el curso

de la vida y aparecen en cualquier momento.

ÚLTIMO REINO, dirigida por Valentina Martínez Gallardo y Edson Martínez,

interroga desde un lado abiertamente instintivo y visceral, lo humano de

frente a lo animal, la muerte como parte de la vida, la oscuridad como fuente

de la luz. Volver la vista hacia los roles más antiguos, más reales: el de presa y

depredador.

ÚLTIMO REINO está por concluir la próxima semana las representaciones en el

Teatro “Benito Juárez” que son de jueves a domingo hasta el día 14 de noviembre,

bajo el patrocinio de la Secretaría de Cultura.

COSAS RARAS

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

Todo a medias luces, como solamente podía presentarse el drama intitulado COSAS RARAS de Luis Enrique Gutiérrez Ortiz Monasterio (LEGOM) con un dejo de tristeza es como se narra el reencuentro entre dos hermanos en edad adulta,  tras de compartir una trágica historia familiar que les separó, pero que a la vez, los unió tanto filialmente como en el baúl de la memoria.

Con COSAS RARAS en consideración del director escénico de ésta puesta en escena, a través de la casa difusora de la Señorita Sandra Narváez comenta lo siguiente:

-“Una obra que aborda el tema de la pérdida y la manera en que se puede seguir con la vida luego de experimentar episodios complejos. “Es una puesta en escena que narra cómo “situaciones raras” se pueden convertir en los momentos más hermosos de la vida y es que la historia que separa a dos hermanos en su infancia es la misma que los lleva a unirse en la adultez, explica el dramaturgo y director Adrián Vázquez._

Esta obra fue galardonada en cuanto l texto, con el premio Bellas Artes 2016 y por el Miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte (FONCA), como obra teatral infantil. Propuesta para niños a partir de los 12 años. Sin embargo, lo cruento de la temática nos  hace sugerir, que bien podría mejor ser presentada para público adulto, pese a no tener escenas comprometidas que le hizo ser postulada como matinal.

Dos grandes talentos histriónicos unen sus esfuerzos para caracterizar a dos personajes versátiles en cuanto al manejo de la temporalidad, que no es lineal en la obra, y por lo tanto precisa de constantes retrospecciones temporales.

Es decir, dos hermanos se encuentran en un duelo y afloran los sentimientos y experiencias compartidas desde su niñez. Ambos actores, Lariza Juárez y Carlos Patrick Casanova/Diego Martínez Villa, caracterizan además a otros personajes que no aparecen en escena, pero que logran hacerlos presentes en la trama a través de la modulación de sus voces y movimientos corporales con los cuales logran que los espectadores adviertan la ilación de la trama y los sucesos simulados, pese a actuar dentro de un escenario en el cual solamente aparece una banca al centro del escenario y, al fondo a la izquierda una silla en donde se ubica un guitarrista, quien ambienta las escenas con su música. 

Y sin más pretensiones, la escenografía resulta totalmente suficientes para ambientar este drama con tintes de comedia por su humorismo negro, el cual presenta la Compañía Teatral “Tres Tristes Tigres”. 

COSAS RARAS se presenta en el Foro Shakespeare y le continuarán las puestas en escena de “Visceral”, “Algo de un tal Shakespeare” y “Tota”, bajo la producción de la misma Compañía Teatral “Los Tres Tristes Tigres”.

LA BRUJA

POR: Dalia María Teresa De León Adams

La existencia de LA BRUJA es una temática por demás interesante y polémica qué ha terminando siendo, parte de las Leyendas Tradicionales Mexicanas e incluso, ha sido musicalizada al ritmo de un son Jarocho, cuyo compositor, sin embargo, es desconocido, pese a su gran difusión en nuestro país.

-“¡Ay! que bonito es volar, a las dos de la mañana.

A las dos de la mañana

¡Ay! que bonito es volar, ¡ay! mamá!

Subir y dejarse caer en los brazos de una dama,

En los brazos de una dama, ¡Ay! que bonito es volar.

Me agarra la bruja, me lleva a su casa

Me vuelve maceta y una calabaza…..

Y a colación le comento qué la Leyenda Tlahuipochi  que versa sobre algunos testimonios legados de manera oral con respecto a LA BRUJA en la cual se narra la existencia de seres oscuros envestidos en mujeres que toman la forma de esferas de fuego y que chupan la sangre, matando a sus víctimas (seres que transfieren su herencia maligna a algunos de sus descendientes directos) se recrea precisamente en ésta puesta en escena, que por quinta ocasión es presentada por la productora Mez-me Calli.

Montaje escénico representado en el espacio abierto del Instituto del Centro Cultural Helénico (instalado justo afuera de la Capilla Gótica) que como un “plus” convierte a ésta puesta en escena en un verdadero deleite visual, en el que se incluye por cierto, el Son de LA BRUJA entre otras canciones y melodías interpretadas en vivo, acordes con la temática a tratar en ésta leyenda.

Danzas, cantos, drama, son la mezcla perfecta para la representación escénica de LA BRUJA presentada justamente en el marco de la época de Halloween y fiestas de Culto hacia los Muertos tanto chicos, como grandes.

Intitulada Tlahuipochi. LA BRUJA, el texto escrito por la autora Mila DRomán es dirigida por Marco Dzul, apareciendo en el elenco estelar los actores Francisco Betancourt, Pamela Balderas, Alicia Lara, Norma Castañeda, Karlo Rod, Rodrigo Carbajal, Daniela Ponce, Barbie Ávila, Marco Dzul, Eduardo Mendoza Turian y Víctor M. Hernández Bastida.

Todos ellos actuando con gran entusiasmo y profesionalismo al lado de los músicos en vivos que amenizan la puesta en escena y quienes son José Delgado, Miguel Ángel Luján y la China Escobar quien es interprete de las canciones.

Al respecto de ésta obra teatral, la compañía difusora encabezada por la Señorita Esmeralda, presenta la siguiente sita textual:

-“Éste espectáculo está basado en una leyenda transmitida de generación en generación hasta ser heredada por la autora. Con intención de rescatar este tipo de relatos y resaltar nuestras tradiciones populares fue como se creó este proyecto, en el cual podrá disfrutar de música en vivo del grupo Mez-me, teatro, danza de diferentes estilos y elementos visuales.”-

Tlahuipochi. LA BRUJA se está presentando en el Instituto Cultural Helénico de jueves a domingos.

 LENGUAJE DE LOS MONOS

POR: Dalia María Teresa De León Adams

EL 

Como parte del “Ciclo de Teatro al Aire Libre”, en la Explanada del Centro Cultural Universitario, se presentó el sábado y domingo pasado (es decir el 30 y el 31 de octubre) la obra teatral infantil intitulada EL LENGUAJE DE LOS MONOS.

Propuesta escénica del grupo creativo “Vincent Company”. La obra es original del dramaturgo José Emilio Hernández, quien se inspiró en base a uno de los mito prehispánicos. 

Es por ello que podemos leer en el boletín de prensa otorgado por la Compañía Difusora a cargo de la Señora Delia de la O, la siguiente aseveración con respecto al contenido de la trama:

EL LENGUAJE DE LOS MONOS es una obra infantil inspirada en el mito maya quinché del Popol Vuh, que narra la creación de los monos y de los humanos según dicha mitología. 

Esta puesta en escena es un proyecto escénico de Vincent Company para actores y no actores fracasados, compañía que se autodefine: “como un grupo de jóvenes que busca asimilar el fracaso, no para convertirlo en éxito (eso se lo dejamos a los que se afilan los codos, porque creen que la vida es una competencia), sino para hacer de él una trinchera donde, armados hasta los dientes, podamos hacer lo que queremos, cuando nos han dicho que no podemos.”-

Y continúa la Difusora, pero ahora con respecto al objetivo que el mismo grupo creativo persigue, el cual fue expresado ante la inquietud de escenificar el texto de José Emilio Hernández, que pretende seguir la siguiente disyuntiva, expresada textualmente de la siguiente manera: 

Nuestra intención, señala la compañía en términos generales, es la creación de un espectáculo teatral que, por un lado, resignifique la tradición mítica de nuestro país (trasladando a la experiencia teatral la potencia escénica y comunitaria del mito) y por otro funcione como un espacio de entretenimiento, comunión y reflexión para la familia.

Y a manera de Sinopsis, el “Mito sobre la creación del mundo” dentro de la idiosincracia maya dice qué: (información del medio digital)

-“La tierra es creada, junto con los animales. El hombre es creado primero en el fango pero éste se deshace. Convocan a oros dioses y crean al hombre a partir de la madera, pero este no posee ninguna alma. Finalmente a partir del maíz crean al hombre.

Y justamente es que en base a éstos pormenores, incurre la trama teatral del montaje escénico “Al Aire Libre”, dirigido por Fernanda Bada Cordero. Como dato complementario le diré qué dicha conceptualización realmente se encuentra inmersa en el texto del “Popol Vuh”, o “Popol Wuj” el cual hace referencia tanto a la creación, como a los linajes reales, quiché, desde una perspectiva politeísta que encerraba la civilización y en específico la religión maya surgida aproximadamente hace 3 000 años. 

Mitos e idiosincrasia que aún hoy en día continúan siendo contadas en el grupo étnico minoritario maya, como una tradición oral, puesto que los textos originales fueron quemados por los españoles durante la conquista.

EL LENGUAJE DE LOS MONOS fue una de las tres obras qué como a-priori mencionara, forman parte del “Ciclo de Teatro al aire libre” en la Explanada del Centro Cultural Universitario UNAM. 

El próximo sábado 6 y el domingo 7 de noviembre se representará CUANDO SUEÑO CONTIGO con la compañía La Covacha Teatro y, el sábado 13 y domingo 14 de noviembre podrá Usted ver el monólogo SUEÑO VAGABUNDO de Emmanuel Fragoso. Por cierto, las entradas son gratuitas.

TIBURÓN

POR: Dalia María Teresa De León Adams

El Teatro “Juan Ruiz de Alarcón abre sus puertas por fin, con la Compañía teatral “Lagartijas Tiradas al Sol” regresando con representaciones de funciones presenciales con la obra titulada TIBURÓN en el marco del “Programa México 500”.

Le comento que ésta puesta en escena es una co-producción internacional, la cual ya se había presentado en las ciudades de Madrid, Girona y Zurich, en Europa. TIBURÓN es una dramaturgia que evoca una realidad de la época de evangelización inicial, colonial española, en la isla alojada en tierras americanas.

En ella su autora Luisa Pardo con apoyo de su actor y director artístico Lázaro Gabino Rodríguez, construyen un paralelismo que se muestra con respecto a la estancia del personaje protagónico en el año 2019 en la isla TIBURÓN. Mismo que interpreta al fraile novo-hispano que se alojara por un largo tiempo en dicha isla; es decir a Fray José María Barona.

-En ésta obra el autor y director escénico Lázaro Gabino Rodríguez evoca el periplo emprendido en el siglo XVI por el evangelizador Fray José María de Barahona, quien viajó de Sevilla, España a la isla de TIBURÓN, en el estado de Sonora, México, para plantear un diálogo entre la colonia y el presente, la fe y el teatro.”- (explicación por parte de la Compañía Difusora a cargo de Delia de la O).

Su autora Lázaro extrajo dicha información con respecto al fraile en base a los escritos del sacerdote jesuita Andrés Pérez de Ribas en su libro que intituló “Triunfos de nuestra Santa Fe sobre éstas tribus, las más bárbaras del norte.”

Y justo son algunos de los pormenores que en ésta puesta en escena se muestran, respecto con el encuentro tanto actual, como ancestral con la tribu aún existente de los Tocarikus, que como grupo étnico minoritario aún habitan en la isla; es decir, los pobladores originales de la isla TIBURÓN, hoy en día tratados como indígenas.   

La dramaturgia en realidad es un compendio de ideas, poemas y escritos de los argentinos Juan José Saer, la poetiza Elisa Raírez Castañeda, el escritor César Aira y de la antropóloga Roxana Guber; así como de los mexicanos Fernando Benítez y Olivier Debroise; el antropólogo australiano Michael Tausing y su colega australiano Nigel Barley.

Empero a dichos escritos, la trama no puede ser considerada como perteneciente al género documental, pues si bien es cierto que se narran algunos elementos etno-antropológicos, la obra tiene mayor peso en la narrativa descriptiva y no fehacientes.

TIBURÓN se presenta los fines de semana en el Teatro Juan Ruiz de Alarcón, en el Centro Cultural Universitario (UNAM) con una temática por demás interesante en especial, para los amantes de los rasgos culturales prehispánicos.

ESPÍRITU BURLÓN

POR: Dalia María Teresa De León Adams

Producciones Escénicas estrenó el pasado sábado 23 de octubre la obra teatral ESPÍRITU BURLÓN muy ad-hoc por cierto a ésta época en que se festejan nuestros muertos más queridos y cercanos. 

Acierto que teniendo como elenco estelar al talentoso actor Odiseo Bichir quien junto con Inés Pintado, Haydee Boetto actúan al lado de con Brenda Arriguanaga y Gibran Valencia, acaba por hacernos pasar un entretenido y divertido momento.  

Obra fársica improbable o, comedia negra perteneciente al género de terror, cuya dramaturgia fue escrita por el autor Noël Coward, la cual se presenta hoy en día bajo la traducción de María Inés Pintado, con la dirección artística de Sebastián Sánchez Amunátegui. 

Le diré qué Noél Pierce Coward su dramaturgo, fue un escritor, actor y compositor inglés nacido en Teddington, Reino Unido en 1899, quien falleciera en Jamaica en el año de 1973. 

Por su trabajo recibió un Premio Honorífico en la “Ceremonia de los Óscares” en 1943 por su desempeño en la película “Which We Serve”. Como escritor, se encuentran entre sus obras (además de ESPÍRITU BURLÓN  publicada en 1941) “The Vortex” (1924), “Hay Fever” (1925),  “Vidas Privadas” (1930), Tonight at 8:30” (1936) y “Present Laugther” (1943). 

ESPÍRITU BURLÓN fue estrenada en 1941 con una puesta en escena en tres actos y ahora llega al escenario del Teatro San jerónimo Independencia, en un divertido cuadro y tiempo escénico,en el que se muestra la estancia de una sala comedor que sirve para enmarcar perfectamente, las escenas de las que precisa el divertido texto de Coward.

El montaje escénico actualmente cuenta con el talentoso actor Odiseo Bichir Nájera (Distrito Federal, 1960) quien como es sabido es un gran actor de teatro, cine y televisión, quien por cierto, pertenece a la destacada familia de los Bichir; siendo su padre Alejandro Bichir, su madre la actriz Maricruz Nájera y, sus hermanos los afamados Bruno y Demián Bichir.

Como referente de la trama, se representa a un pueblo cualquiera de primera mitad del siglo pasado, en donde el personaje de un prestigiado escritor llamado de manera fccionalizada Carlos Salamanca, en aras de escribir algunos pormenores sobre su próxima obra sobre fantasmas, contratará junto con su esposa Ruth a una peculiar médium llamada Madame Arcati. 

De esa manera y por casualidad, reaparecerá nuevamente en la vida del escritor, su difunta primera esposa Elvira. Y a partir de ese momento será que comience realmente, ésta divertida comedia con humorismo negro, en donde la singular espiritista retomará en la trama, gran protagonismo.

Con respecto al texto de éste montaje escénico, su director escénico Sebastián Sánchez comentaría:

-“Tiene una actualidad por ser una historia de fantasmas en un mundo que ya no les habla, ni los ve; y por revivir eses emoción profunda de nostalgia de un tiempo que se va desvaneciendo en el olvido de la memoria y nos recuerda que toda historia de fantasmas comienza con una historia de amor. 

ESPÍRITU BURLÓN se presenta en breve temporada en el Teatro San Jerónimo Independencia con funciones en días sábados y domingos.

RETRATO DE RAÚL

POR: Dalia María Teresa De León Adams

Solamente éste fin de semana, es decir del 28 al 30 de octubre, se está presentando la obra teatral RETRATO DE RÁUL bajo la producción de “La Comédie de Caen” Centro Dramático Nacional de Normandía, Francia.

Puesta en escena con el texto original del dramaturgo Philippe Minyana, bajo la dirección artística de Marcial Di Fonzo Bo, la cual tiene programada una gira que comprenderá varios países latinoamericanos en donde se representará RETRATO DE RAÚL.

Escrita a manera de monólogo con un diálogo unipersonal, la trama versa en torno a una de las temáticas que hoy en día están muy en voga; me refiero a la condición homosexual liberada.

Dramaturgia muy bien estructurada por su autor Philippe Minyana, quien presenta al personaje de Raúl, bajo diversas gamas y matices. Personaje protagónico que es interpretado por el actor sudamericano Raoul Fernández, quien  se rompe en el escenario caracterizando a un hombre que nace con un cuerpo masculino, pero quien sin embargo, se identifica como una figura femenina, como suele suceder. 

Su homosexualidad lo llevará a convertirse temporalmente en travesti, llegando finalmente a la conclusión de qué su preferencia homosexual, no necesariamente debe llevarle al cambio de sexo físico, por lo que decidirá conservar su figura masculina, la cual considera, también atrae a otros caballeros.

Montaje escénico presentado en un solo cuadro escenográfico en el cual se visualizan una serie de telas y vestimenta de diferentes tonos y tesituras, que el personaje poco a poco va hilando o, portando en el escenario.

Con el apoyo de una peluca rubia, vestidos de mujer y zapatillas, Raúl se inmerse  en su narrativa que le lleva a varias remembranzas del pasado, reviviendo algunos momentos trascendentales de su vida.

Con una voz mágica en cuanto a colorido y emotividad, el actor Raoul Fernández interpreta varios temas musicales, logrados con gran sensibilidad, los cuales aunados a la gran plástica actoral plagada de gran histrionismo actoral que mostró tener en el escenario, logra arrancar largos y calurosos aplausos por parte de todo el público asistente.

Tal vez para finalizar mis comentarios sea prudente aquí mencionar un poco respecto al autor, quien como a-priori he mencionado es el Señor Philippe Minyana, escritor nacido en Besanzon, Francia en el año de 1946, cuyas obras además son Inventaires y La Maison des morts, además de los libros “La petite dans la forêt profonde” , “C'est l'anniversaire de Michèle mais elle a disparu”, “Chambres”, “Une actrice”.

RETRATO DE RAÚL se presenta en uno de los foros del Teatro “El Milagro” y solo me resta FELICITAR A TODOS LOS QUE HACEN POSIBLE ÉSTE PROYECTO.

JOSÉ EL SOÑADOR

Dalia María Teresa De León Adams

El productor teatral Alejandro Gou el pasado día martes 26 de octubre, convocó a la prensa para anunciar la programación de su siguiente puesta en escena de JOSÉ EL SOÑADOR la cual se estrenará el próximo año en el mes de febrero, según se dio a conocer en el comunicado.

Bajo la dirección artística de Mariano Detry y con la traducción de la dramaturgia a cargo de la Señora Julissa, la obra teatral presentará al cantante y actor de moda Carlos Rivera, en el personaje protagónico de JOSÉ EL SOÑADOR.

Obra que ha dado vueltas al mundo, obteniendo gran éxito en los escenarios en que se presenta. En el caso concreto de nuestro país, justamente la Señora Julissa, también productora y actriz, realizó dicho montaje escénico, obteniendo casi siempre llenas las butacas teatrales. 

Otro gran productor que apostó al montaje de ésta obra fue nada menos que Morris Gilbert, también con grandes ventas en taquilla.  En ésta ocasión será el Señor Alejandro Gou quien se mostró contento y orgulloso de tener su proyecto ya tomando forma y funcionando.

En la conferencia también asistió la cantante Fela Domínguez quien fungirá como narradora dentro de la obra. También se presentó Calimba, quien dará vida en el escenario al gran faraón, otro de los importantes personajes dentro de ésta historia ya clásica del teatro, de corte bíblico, la cual es por muchos, bien conocida.

Así el talento tanto de Carlos Rivera junto con el de Fela Domínguez y Calimba, se unirán para dar vida la letra de Tim Rice y la musicalización de Andrew Lloyd Webber, en éste musical en donde por supuesto se presentará un numeroso grupo de actores, bailarines y coreógrafos en el escenario.  

La historia de JOSÉ EL SOÑADOR narra el pasaje bíblico en el cual se dice qué José creció siendo, claramente, el hijo favorito de su padre Jacob. Él era el primogénito de Raquel, la esposa favorita de Jacob, que había fallecido dando a luz. La envidia producida entre sus numerosos hermanos le harán vivir una serie de acontecimientos tanto nefastos como fortuitos

Así es como se desarrolla una historia real, que bajo la pluma de Tim Rice (nacido en Shardeloes, Reino Unido) ha cautivado a la gente de diversas generaciones con su texto de JOSÉ EL SOÑADOR contando algunos de los pormenores de éste, a los cuales les otorgó gran colorido y estilo narrativo con sus diálogos bien estructurados. 

Timothy Miles Bindon Rice, más conocido como Tim Rice, es un autor inglés que ha proporcionado letras a diversos musicales, además de ser conductor de radio, televisión. Fue el creador de canciones que han sonado en muchas revistas musicales como “Hakuna Matata” (1916), “Disney Medley” (1917), “Superstar” (1918), “A Whole New Word” (1918), “Getsemane” (1918) o “One Jump Ahead” (1919). Letras que se escuchan como íconos de varias obras teatrales

La revista musical JOSÉ EL SOÑADOR se presentará el 10 de febrero del año próximo 2022, en el Teatro CCT1 del Centro Cultural (antes Telmex) y todo apunta a que será una gran promesa.

BONNIE BORDER

POR: Dalia María Teresa De León Adams

Moderna y controversial puesta en escena, original de Joselyn Paulette, quien además actúa en éste espectáculo unipersonal el cual muestra las ideas de una mujer que intenta ser libre, rompiendo con las trampas del machismo.

-“La actriz sinaloense, radica en Monterrey, Joselyn Paulette da vida en el escenario a BONNIE BORDER, una joven del siglo XIX que sabe que las redes sociales son un recurso muy poderoso, por lo que hará uso de él para exponer abiertamente sus puntos de vista acerca de la vida, la libertad sexual y la igualdad de género, mientras lidia con sus propios fantasmas.-“ 

Tema actual si tomamos en consideración que está en Voga la temática PRO feminista, que no es más, que el hartazgo respecto a las cadenas desaprobatorias que atan aún hoy en día a la mayor parte de mujeres, quienes atrapadas en la idiosincrasia masculina manipuladora, son impedidas de posesionarse siendo “Ellas Mismas” más allá de lo convencional.

Y así se lee en el boletín de prensa el siguiente párrafo:

-“BONIE BORDER ha sido diagnosticada con varios trastornos mentales y utiliza redes sociales para expresarse a través de videoblogs, pronto se convierte en influencer escandalizando a su comunidad y al país entero con sus opiniones cada vez más controvertidas. Sus seguidores y haters aumentan vertiginosamente, la mujer esta atrincherada en su habitación, exponiendo los detalles más intimos de su vida ante usuarios desconocidos, obsesionada con alcanzar el mayor número de suscriptores. Las redes sociales son poderosas y ella lo sabe.”- 

Monólogo que invita a la reflexión respecto al condicionamiento femenino surgido en el seno familiar, que no permite el Libre Albedrío de gran parte de la sociedad femenina, sin pena de ser sancionada aún por el mismo sector femenino.

El tema es abordado bajo el recurso escénico de un monólogo congruente e inteligente, que se presenta recurriendo a la reflexión, mediante cuestionamientos y respuestas en paralelo con la conducta varonil, a quien considera, se le ha permitido gozar de su cuerpo, su sexualidad y de sus actos, sin reproche la mayor de las veces, por el grueso de la sociedad supuestamente “moderna”.

Es un montaje escénico representado en un solo cuadro escénico en el que aparece centrado al fondo del escenario, una pantalla grande en la cual aparecen algunos videos donde se muestran tanto personas, como comentaristas quienes complementan la actuación de Joselyn Paulette en su rol protagónico de BONNIE BORDER.

Hablado bajo un lenguaje burdo y altisonante, la narrativa nos sumerge en el mundo de una joven quien habla sin tapujo alguno, expresando tanto sus ideas, como sus heridas del alma. Una milenia que decide vivir acorde a su idiosincrasia, aún ante la censura y el reproche masivo de la sociedad imperante. Finalmente desnudará tanto su cuerpo, como su alma. 

BONNIE BORDER se presenta en el Teatro Benito Juárez de jueves a domingos hasta el próximo 24 de octubre.

JUGUETES ROTOS

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

Justo ahora en el marco de la 49ª edición del “Festival Internacional Cervantino” es que la Compañía Española “Producciones Rokamboleskas” se ha presentado en nuestro país, trayendo en ésta ocasión la obra teatral de JUGUETES ROTOS bajo la autoría y dirección de la también actriz argentina-española Carolina Román (Buenos Aires 1972).

Puesta en escena actuada espléndidamente por Nacho Guerrero y Kik e Guaza; dos actores qué en el escenario nos mostraron sus grandes dotes histriónico, interpretando a diversos personajes,  demostrando en escenario gran plástica actoral y habilidad en cuanto al manejo de una técnica teatral al interpretar con maestría a los personajes rotos y emotivos, que presenta la trama.

Obra escrita bajo el género dramático que dibuja esencialmente, a dos hombres homosexuales; uno de ellos bajo la condición de travesti, quien por ciertas circunstancias cobija y brinda su apoyo a Mario (Marion), un provinciano que ha huido de casa al no encajar ni en su familia, ni en la sociedad recalcitrante a la cual pertenece.

-“Mario trabaja en una oficina, una llamada le cambiará la vida para siempre, a partir de ese momento, viajaremos a su infancia, habitaremos su casa y recorreremos su pueblo. Pinceladas en blanco y negro que truncarán su identidad sexual y de género, como la de tantos otros.”-

Así se expresa la Compañía Española haciendo un bosquejo de la intencionalidad del drama, el cual lleva como consigna un mensaje que invita a la reflexión en cuanto a las dificultades y tropiezos con los cuales se enfrentan muchas de las personas que nacen en un cuerpo qué no corresponde a sus inquietudes ni personales, ni a su sexualidad.

(Continuando con la aseveración) “Dónde quedaron aquellas personas que no pudieron asumir su identidad por una España franquista?, ¿qué pasó con los que no tenían cabida en el mundo del espectáculo?, ¿Era su destino la represión?, la muerte o el olvido?-“

A lo que yo agregaría qué no sólo ha sido una “negación a la identidad” de la España del General Francisco Franco Bahamonde ( nacido en El Ferroi, España 1892- fallecido en Madrid 1975) durante la Guerra Civil Española (1939-1959) o en la llamada Segunda Época Franquista (1959- 1975) durante el resto la dictadura.

Puesto qué la homosexualidad aún continúa siendo satanizada en muchas sociedades del mundo, aún cuando actualmente está en proceso de abolición. Pero volviendo al montaje escénico (de Alessio Meloni), éste presenta a manera de tramoya diversas jaulas expuestas en el escenario; objetos con implícito significante, pues presuponen al público, encerrar a una gran cantidad de palomas, con lo cual de manera simbólica se sugiere el impedimento de libertad sexual, que por supuesto resulta muy ad-hoc con la temática medular a tratar.

Puesta en escena en un solo cuadro con una duración aproximada de 100 minutos mediante la cual la dramaturga Carolina Román a perfila con gran destreza el deseo que la comunidad gay, que les lleva a tan sólo querer realizar sus sueños en cualquier ámbito de la sociedad, buscando tan solo libertad y respeto.

El diseño escenográfico como a-priori comenté, es de Alessio Meloni, en la iluminación se encuentra David Picazo, en la parte sonora Nelson Dante, el diseño del vestuario está Cristina Rodríguez y como asistente de dirección se encuentra Olga Margallo. 

Finalmente le comento qué JUGUETES ROTOS ya es considerada un ícono del Teatro Español Contemporáneo. Desgraciadamente solo se encuentra agendaza por dos únicas funciones que fue el día de ayer martes 19 y el día de hoy, miércoles 20 de octubre de 2021.

 EL SENDEBAR

POR: Dalia María Teresa De León Adams

A colación con la ya muy próxima apertura de las universidades en nuestro país y, en específico de la Universidad Autónoma de México (UNAM) regresó el Carro de Comedias a la Explanada del Centro Cultural Universitario el pasado sábado 16 de octubre con la puesta en escena de EL SENDEBAR; La Cruzada de una fémina ilustrada.

Le comento que por primera ocasión ,en veinte años de existencia que tiene La Compañía “Carro de Comedias” se encuentra dirigida por una mujer, quien por cierto es Mariana Hartasánchez, la también creativa de ésta divertida puesta en escena.

Dramaturgia con la cual además, se ha vuelto a dar la apertura de funciones presenciales en dicho recinto cultural, teniendo como productora a la Dirección de Teatro UNAM.

Así es como la Difusora a cargo de Delia de la O, se dio a la tarea de exponer la siguiente Sinopsis en el boletín de prensa con respecto a la temática que aborda ésta obra teatral:

-“Narra la historia de Enedina, una mujer que, travestida de hombre, encuentra EL SENDEBAR. Un libro destinado a injuriar a las mujeres y enseñar a los hombres a cuidarse de ellas. Al descubrir el contenido misógino de sus cuentos, Enedina hace todo lo necesario para tener ese libro y lo leva a u grupo de cómicos, con quien juega a representar los relatos que éste contiene para luego demostrar la falsedad de sus narraciones. Lo que ella no sabe es que muy cerca hay un hombre capaz de hacer cualquier cosa por seguir acallando la voz de aquélla que busca contarse a sí misma.”_

Obra fársica presentada a manera de comedia, que presenta algunos cuentos breves actuados por los siete jóvenes integrantes del “Carro de Comedias” conformado por Andrea Castañeda, Mario Medina quien alterna con Omar Betancourt, Carolina Muñiz, Diego Montero, Thania Luna y Zabdi Blanco.

La obra recrea la Época Medieval europea mostrando a unos comediantes como fuera a la usanza secular, quienes viajan en su carreta que les sirve además del escenario para contar historietas, a todas aquellas personas dispuestas a escucharlas.

Con vestuario acorde a la época, los actores con mucha gracia y frescura representan a diversos personajes a la vez; y así a manera de meta-obra, representar algunos de los divertidos y breves cuentos de EL SEDEBAR, tratado en el que se incluye el cuento del rey llamado Álcos quien teniendo 90 mujeres, sin embargo no ha tenido un solo hijo, el cual desea fervientemente. Una de sus mujeres le aconseja que le pida a con fe a Dios y ese día por fin, juntos procrean. Años más tarde el rey Álcos es burlado por su joven amante, quien intentará engatusar a su hijo, persuadiéndolo para matar al rey y así juntos gobernar el reino. 

También se narra el cuento en el que un hombre al salir y alejarse de casa para trabajar, es engañado por su mujer, quien goza de una relación ilícita con un apuesto y joven amante, por lo cual su esposo al sospechar sobre su conducta infiel, pide a un perico que le cuente todo aquello que haga su mujer durante su ausencia. 

Finalmente se recrea la historieta de un hombre adinerado y caprichoso, quien pide a su vasallo que le lleve cada día un delicioso y peculiar pan qué una joven hornea cada mañana; sin embargo un día dicha joven deja de realizar esa labor, por lo cual el hombre adinerado junto con su siervo, irán a intentar sacarle la receta.

Éstos entretenidos cuentos forman parte del montaje escénico EL SENDEBAR, la obra cuya adaptación escénica hoy en día se encuentra como inicialmente mencionara, a cargo de la dramaturga Mariana Hartasánchez. 

La obra se basa en realidad en EL SENDEBAR , también llamado “Syntipas” o “Libro de los Engaños”. Un libro de cuentos o “Exampla castellano” escrito a mediados del siglo XVII en plena Época Medieval, que compila una serie de escritos narrados por la tradición árabe, que provenían del antiguo legado cuentístico persa e hindú. 

EL SENDEBAR se presenta en días domingos en la Explanada del Centro Cultural UNAM a las 11:00 A.m.

FRANKENSTEIN

POR: Dalia María Teresa de León Adams

Ballet Contemporáneo que recrea las escenas más icónicas de la obra de Mary Shelley de FRANKENSTEIN en donde el amor, el intento a vencer la muerte y la desesperanza, son los ingredientes medulares de dicho drama, tratado como novela del genero de terror.

Presentada en la “Capilla Gótica” del Centro Cultural Helénico, el equipo coreográfico a cargo de Rodrigo González logra con su propio reparto estelar, ofrecer una función en donde el arte se siente a flor de piel, con diestros movimientos ejecutados con gran estética y arte, ofreciendo con ellos un hermoso espectáculo visual, que además se enmarca con la belleza de los muros arquitectónicos que conforman la Capilla Gótica.

Elenco que está formado con los bailarines Yokoyani Arreola, Ángel García, Hugo Thompson y Natali González. Y así, en cartelera se puede leer al respecto de ésta maravillosa Danza Contemporánea de FRANKENSTEIN:

-“Una propuesta de danza contemporánea, basada en la famosa novela homónima de Mary Shelley. Víctor, un joven ávido de conocimientos científicos, se obsesiona por lograr el mayor reto posible en el mundo científico: dar vida a un cuerpo muerto.”-

Conocida su escritora como Mary Shelley nació en Somers Town, Londres, en 1797 (fallecida en1851). Mary Wollstonecraft Godwin (nombre real) fue una escritora, dramaturga, ensayista y biógrafa británica, reconocida principalmente por ser la autora de la novela gótica “FRANKENSTEIN o el moderno Prometeo.” Obra escrita en 1818, que por cierto sería considerada la primera novela de ciencia ficción, en el mundo.

Creación artística que surgiera de la desesperanza de una mujer quien muy joven f perdiera a sus seres más amados, como lo serían su madre, una hermana, cuatro de sus hijos (sobreviviendo solamente uno) y, su pareja sentimental. 

Ante tales cruentas circunstancias, aseguraría qué aprendió a reconocer la belleza inmersa en la monstruosidad de los seres; hecho que daría a su pluma un toque totalmente fúnebre, o funesto para consideración de algunos de sus lectores, sin perder de vista su originalidad y capacidad creativa.

Su carrera como escritora, en un siglo en donde la mujer no era laboralmente aceptada, fue por lo tanto muy difícil de llevar a cabo y, sobre todo, de ser reconocida en el medio literario secular; sin embargo la calidad de sus escritos le llevarían a ser catapultada como la creadora, de una de las obras más icónicas dentro de su género.

La historia macabra de FRANKENSTEIN presentada con una duración de 90 minutos, Usted la podrá disfrutar en una excelsa puesta en escena, bajo la dirección de Rodrigo González, en la Capilla Gótica.

UN ACTO DE COMUNIÓN

POR: Dalia María Teresa De León Adams

Dramaturgia original del escritor argentino Lautaro Vilo (1977 Buenos Aires). UN ACTO DE COMUNIÓN resulta ser una novela controversial por la temática a tratar, pues está basada en la historia real sobre un caso de canibalismo ocurrido en la ciudad de Rotemburgo, Alemania en el año 2001, caso que surgiera tras el encuentro de dos hombres adultos, quienes se conocieron por vía Internet.

Los hechos son descritos entre mezcla de ficción y realidad bajo la pluma de su autor, quien intenta penetrar la psiquis del personaje protagónico, para explicar paso a paso los fatídicos sucesos, acontecidos en su departamento.

El hecho fue noticia, inspirando al dramaturgo Lautaro Vilo a reconstruir dicha historia cruenta en sí, que desarrollara mediante el recurso de un monólogo muy bien escrito y estructurado, actuado en escenario mexicano de manera magistral por el actor Antón Araiza, quien narra y actúa en dicho espectáculo unipersonal con gran naturalidad, lo cual le infiere credibilidad a su actuación.

Por supuesto que el público le brindó un caluroso aplauso y efusivas frases de reconocimiento ante su indiscutible talento histriónico, ya evaluado por diversas actuaciones ejecutadas en diversos recintos culturales como lo son el Teatro “El Milagro” y en distintos escenarios del Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (INBAL), así como en los foros del Teatro “La Capilla”, entre otros más, en donde ha mostrado su destreza actoral.

Hoy en día  UN ACTO DE COMUNIÓN se presenta en uno de los foros que conforman el teatro BELLESCENE y, en cuya cartelera se puede leer la siguiente Sinopsis:

-“Henrik lleva años deseando tener un hermano, una familia, conocer a alguien para no sentirse tan solo. Esta noche es la noche. Llegará a su casa, encenderá la computadora y cumplirá su deseo. Su historia comienza aquí, en éste espacio. Y no tiene conclusión. Es un mar de preguntas. Sólo UN ACTO DE COMUNIÓN podrá redimirlo… o dejarlo entre nosotros.”-

Por su puesto nuevamente es interpretada por el talentoso actor Antón Araiza, quien se desenvuelve con gran plática actoral e histrionismo escénico que logra por medio de la emotividad que infiere a su personaje con movimientos faciales y corporales.

En UN ACTO DE COMUNIÓN Antón Araiza caracteriza al personaje de Henrik “el caníbal” o victimario, dándole vida con su narración también a su joven victima, entre otros personajes, utilizando para ello el juego de la retrospección temporal que le lleva a modular su voz adecuadamente. 

Sin embargo la obra esta presentada mayormente en formato de temporalidad lineal, comenzando el personaje de Herrik a narrar desde su infancia, la ausencia de la figura paterna y de un fallido deseo por tener un hermanito, su relación con su madre además de los pormenores de su funeral, concluyendo con la descripción de su inicio como un profesante del acto canibalesco.

La puesta en escena de UN ACTO DE COMUNIÓN se encuentra bajo la dirección artística de Julio César Luna, con una duración aproximada de 90 minutos en uno de los Foros del Bellescene.

NOMBRES DE COMBATE

POR: Dalia María Teresa De León Adams

Obra teatral que es un grito de desesperanza ante la represión y el miedo que hicieron exiliarse en otros países a algunos de los habitantes de la Argentina, durante la segunda mitad del siglo pasado. 

El texto comprende cuatro historias que se entrelazaron con los testimonios de argentinos exiliados, quienes de intentaron dejar su país, al huir de la dictadura padecida en ese entonces.

Recordemos qué en Argentina como consecuencia de las tres reelecciones del presidente, el Teniente General Juan Domingo Perón (Lobos, Argentina 1895-1974) se instauró un régimen Populista.

Perón perteneció al Partido Laborista hasta 1946, al Partido Peronista hasta 1971, y, al Partido Justicialista hasta su fallecimiento acontecido en 1974, compartiendo el poder político con su esposa, la en otra hora, la actriz Eva María Duarte, más conocida en el mundo entero como Evita Perón (nacida en Toldos, Argentina19191-1952). 

La muerte de Juan Domingo Perón acontecido en 1974 dejó una gran apertura para que La Argentina perdiera su curso político y económico. Muertes, secuestros, desparecidos y gente torturada ante la censura, fue el saldo que permanecería a partir del día 24 de marzo de 1976, momento en que se instauró la dictadura militar que aún hoy en día recuerda su pueblo lastimado y atormentado ante tal circunstancia, con la llegada del general Jorge Rafael Videla al poder (de 1976 a 1981).

Y es justamente respecto a dichas circunstancias que el escritor basa su obra NOMBRES DE COMBATE siendo una obra documental y sobre todo, testimonial que enmarca la situación padecida en Argentina, escritor quien por cierto, siendo muy niño partió de su país para llegar a México con sus padres. 

La dramaturgia esta escrita en base a los recuerdos de algunos de sus parientes y conocidos que recopiló, dándole forma al contenido medular de la puesta en escena NOMBRES DE COMBATE.

Título precisamente otorgado a colación por el cambio del nombre real de pila, que algunos adoptaron al identificarse, ante el temor de las reprimendas del gobierno por el intento fallido de un cambio de gobierno. Suceso entre las décadas de los 60’s hasta los 80’s aproximadamente, por lo que algunos intentarían la travesía de la frontera, rumbo a otros países que finalmente les acogieron de por vida.

Dramaturgia escrita por Martín López Brie, en base en la memoria de su pueblo y de la historia de Argentina. El texto es expuesto en el escenario, con un tiempo aproximado de 160 minutos, dividido en dos tiempos escénicos.

La trama plasma la historia de dichos exiliados en base a una temporalidad lineal cronológica; es decir, con la secuencia histórica real, la mayor del tiempo escénico, presentando breves retrospecciones que constituyen los recuerdos de los personajes, quienes utilizan un lenguaje coloquial que incluye algunos localismos. Y así, en consecuencia, es que podemos leer textualmente las siguientes aseveraciones al respecto:

-“Nombres de Combate cuenta la historia de la militancia política y artística de un grupo de personas que asumieron el compromiso de cambiar la situación de injusticia que vivían. Se trata de una obra documental compuesta a partir de los testimonios de cuatro familiares –madre, padre y tíos del dramaturgo y director de la pieza Martín López Brie- quienes vivieron en carne propia las dictaduras militares de la Argentina del siglo XX…

Con piedras, objetos, fotografías y video proyecciones, se configura una puesta en escena que, mediante materiales documentales, gesta un juego escénico para activar la memoria y llenar con actos poéticos los huecos que quedan entre los recuerdos. Así es como  los protagonistas se encargan de tejer la narrativa de su infancia, sus amores y sus exilios.-“

La música popular del momento es un plus al contenido de éste drama testimonial de género documental, en cuanto a que recurre constantemente a la sita de acontecimientos históricos reales, empero a un final de libertad para tan sólo sus personajes.

NOMBRES DE COMBATE se presenta en los días martes y miércoles a las 20:00 horas en el Foro “La Gruta” del Centro Cultural Helénico bajo la dirección escénica del mismo Martín López Brie realizado con base en el Sistema de Apoyos a la Creación y Proyectos Culturales (FONCA

DON JUAN TENORIO…Y EL PRECIO ES LA VIDA

POR: Dalia María Teresa De León Adams

Puesta en escena que se presentará tanto en el Espacio Abierto, como en la hermosa Capilla Gótica, del Centro Cultural Helénico. Texto original de José Zorrilla qué como una tradición, suele ser representada en vísperas de los tradicionales “Días de Muertos” en nuestra Ciudad de México. 

Bajo la dirección artística de Noé Alvarado se representará, respetando el verso clásico en los diálogos, así como la estructura romántica clásica de la trama, con la vestimenta sugerida secularmente al drama original.

De tal modo qué ni el texto, ni el montaje escénico serán representados bajo la tónica de ninguna moderna adaptación, como suele suceder en algunos otros proyectos escénicos que presentan algunos cambios en la estructura tradicional de éste drama. 

La trama, como Usted bien sabe, consiste en presentar la historia que surge entre dos grandes “Dandis” del siglo XIX, quienes tienen la reputación de ser los “Más grandes burladores de Mujeres.” 

Así da inicio la aventura de DON JUAN TENORIO quien, junto con su igualmente adinerado, joven y atractivo amigo Don Luis, se dan sita en un bar (otrora taberna) para hacer alarde de sus aventuras. Son dos hombres solteros y pudientes, quienes con base en algunos ardides, logran burlar la horra de muchas mujeres.

La obra presenta algunos de los pormenores que viven ambos jóvenes, quienes apuestan por cortejar a la joven y rica heredera Doña Ana de Pantoja, prometida de uno de ellos (es decir de Don Luis, el amigo de Don Juan) para mostrar cual resulta ser más apuesto y viril para la joven. La suerte o la astucia harán ganar a Don Juan, convirtiéndoles a ambos en rivales a muerte.

No podía faltar Doña Inés, la hija del Comendador; quien según el texto es una hermosa, virginal y agraciada novicia a quien Don Juan intentará también burlar, sin saber que caerá ante sus encantos.

El cielo, el purgatorio o, el infierno, son los posibles lugares que le esperan a DON JUAN tras morir a mano armada, al igual que sus propias victimas, quienes le juzgarán o redimirán, ante “el juicio del amor” o “del desconsuelo y la maldad” como contrapartida.

Los párrafos anteriores son la tónica a través de la cual gira la trama en torno a la cual se presenta la obra teatral de DON JUAN TENORIO, que como es bien sabido, es la obra clásica de José Zorrilla en donde la MUERTE juega un papel preponderante. 

El DON JUAN TENORIO bajo la dirección artística de Noé Alvarado, es un verdadero deleite visual, en cuanto a puesta en escena se refiere, logrado en un mágico lugar, con atuendos elegantes que bien van enfocados con el referente de inicios del siglo pasado y acorde a los atuendos tradicionales seculares, pertenecientes a la época de su creador, José Zorrilla, como inicialmente ya había mencionado

Empero a ello, no pierde el personaje protagónico de DON JUAN TENORIO su carácter atrevido, libertino hedonista, y de eterno amante del placer y la farándula. Aquel hombre atractivo y seductor que incluye en su listado a todo tipo de mujer, retando a muerte a los hombres con quienes encuentra desacuerdos; tónica que le ha hecho ser una de las obras teatrales más representadas en nuestro país, tanto con un perfil en el llamado teatro “clásico” o “serio”.

DON JUAN TENORIO es un hombre rico, pagado des sí mismo por su audacia e ingenio para seducir, quien mata con destreza; característica normal vista desde el punto de vista de la hombría que se pretendía ideal, en el siglo de Zorrilla, hecho que no debemos perder de vista respecto al personaje de DON JUAN TENORIO quien en época actual le convertiría en un vulgar y sangriento asesino; sin embargo, bajo la pluma de Zorrilla adquiere un matiz de “Dandi” dentro de una época y lugar en donde los duelos y el robo de la honra, estaban totalmente en boga.

José Zorrilla es uno de los íconos de la literatura no solo española, pues le trascendió su obra convirtiéndolo en un hombre Universal. Su DON JUAN TENORIO ha sido leído, traducido y puesto en escena en innumerables ocasiones y territorios, convirtiéndolo en un valuarte del romanticismo.

José Zorrilla nació en Valladolid en el año de 1817, y moriría en Madrid, en 1893. Cromo es bien sabido, pese a haber iniciado sus estudios de leyes en Toledo, abandonaría la carrera al advertir sus propios dotes como literato. 

 Hoy en día es bien sabido qué destacaría por su obra literaria en donde se incluyeron inicialmente obra poética, leyendas y dramaturgias, hecho que le hizo casarse con una actriz, Juana Pacheco, su segunda mujer, al igual que tener la posibilidad de conocer a gente muy afamada, entre los que se encontraban  Alejandro Dumas, George Sand, Alfred de Musset o Teófilo Gautier.

La obra DON JUAN TENORIO….Y EL PRECIO ES LA MUERTE se presentará en el Teatro Helénico. ¡Vale la pena que la disfrute!

SOMBRAS EN EL PARAÍSO

POR: Dalia María Teresa De León Adams

-“Es la historia de “Alma”, una enfermera que transforma una habitación en un minúsculo universo en donde intenta encontrar su libertad….

Una canción acompaña a Alma, una enfermera que transforma una habitación en un minúsculo universo en donde intenta encontrar su libertad.

Alma al paso del tiempo, ha acumulado más deseos que anécdotas, siempre al servicio de Doña Jose; dos mujeres condenadas a acompañarse en sus soledades.

Son las aseveraciones que encontramos como semblanza de la obra en la cartelera teatral y en el programa; justamente son la idea central, que conforman la trama de la puesta en escena de SOMBRAS EN EL PARAÍSO, la dramaturgia unipersonal que su autor, el también actor de cine, teatro y televisión, Alberto Rodríguez Estrella (Guadalajara 1962) reconocido en el medio como Alberto Estrella, escribiera para ser interpretada por la primera actriz, Ángeles Marín, bajo la dirección artística de Víctor Carpinteiro, con quien desde años atrás comparte el Foro “Circulo Teatral” hoy en día nuevamente vigente y moderno. 

SOMBRAS EN EL PARAÍSO es un texto escrito bajo el género teatral de drama; empero tiene algunos elementos de la corriente naturista, en el sentido en que expone las circunstancias de una mujer en soledad, totalmente sin tapujos, mostrando tanto sus frustraciones personales, como sus deseos sexuales insatisfechos, su carencia total de afecto, su vida privada de libertad ante el desaliento de cohabitar, cuidar, sanar e incluso soportar, a la persona quien la recogiera en calidad de madre, sin comportarse nunca como tal.

Eso y mucho más se expone mediante el recurso actoral de un monólogo, por cierto muy bien estructurado, e interesante, con el  que Ángeles Marín se desgarra en escena, dándole vida al personaje protagónico de Alma, una mujer ya madura a quien impusieran convertirse en enfermera.

Los diálogos, y digo “los,” porque en cierto momento escénico de la obra, la actriz, se transforma de pronto en un personaje diferente, lográndolo tanto con la modulación de la voz, como con la adecuación de movimientos corporales, que simulan ser el cuerpo longevo y enfermo Doña Jose.

La música es un plus en éste montaje escénico que sirve como una especie de remembranzas del pasado, que nunca sucedió. SOMBRAS DE EL PARAÍSO se presentará en dos funciones más en el Foro de “El Círculo Teatral” en días domingo, al filo de las 19:00 horas.

PANTEÓN DE FIESTA

POR: Dalia María Teresa De León Adams

A manera de homenaje por la ya cercana celebración del ”Día de los Muertos” en nuestro país, fue que el  día de hoy domingo 10 de octubre, se ofreció una única representación teatral intitulada PANTEÓN DE FIESTA clasificada para el deleite de toda la familia. 

Puesta en escena de la escritora de obras didácticas y dramaturgias, así como arpista Mercedes Gómez Benet (egresada del conservatorio nacional con mención Honorífica) e investigadora estética.

 Y bajo la dirección artística de Emmanuel Márquez, en el hermoso recinto del “Teatro de la Ciudad Esperanza Iris” el montaje escénico fue presentado de manera colorida, mítica y musical, teniendo a manera de temática, lo siguiente aseveración de la casa difusora:

-“Procopio ha muerto y no se ha dado cuenta. Ahora deberá pasar siete pruebas para llegar al Mictlán, el cielo que le corresponde. Para ello ha de entrar en cuevas con cuchillos, vientos helados, algunos animales peligrosos, montañas chocadoras e interminables trámites burocráticos.

También deberá cruzar un río caudaloso sobre el lomo de un perro xoloitzcuintle. Solamente así podrá liberar su alma y llegar a la fiesta final que estamos preparando para ustedes.

Siendo éste último párrafo justamente el mito náhuatl que en base a sus creencias las almas debía de cruzar el río para poder llegar al Mictlán mostrando su valentía al luchar con las bestias y seres que se les irían presentando. Los ahogados se alojarían en el Tlalocan en donde habitara el Dios del agua, Tlaloc.    

El grupo creativo que conforma éste montaje escénico se denomina “Ensamble Tierra Mestiza.” Este cuenta con el guitarrista Gerardo Tamez, el flautista y percusionista Carlos García, el violinista Teodoro Ángel Gálvez Mariscal y en el arpa con la presencia nada menos que de Mercedes Gómez Benet; todos ellos interpretando las piezas musicales y uniendo sus voces en los cantos. 

El elenco estelar está conformado por Andrea Castañeda, Alex Moreno del Pilar, Luz Amelia Holguín Galindo y Blanca Viridiana Tovar Retana, además de los diversos títeres o muñecos guiñol, que son tanto pequeños como de tamaño humano, los cuales los mismos actores manipulan en los diferentes tiempos escénicos en que se precisa su uso, para dar vida a éste montaje escénico. 

Mascaras también son integradas a este espectáculo visual y musical en donde los títeres interactúan con los actores a la vez en ésta peculiar historieta prehispánica, en donde la muerte es el personaje protagónico de la obra teatral. 

Así es como ésta puesta en escena logró integrar musicalidad y canto, con una narrativa basada en una combinación de distintas costumbres y culturas mexicanas, para darle forma a un texto en donde el PANTEÓN DE FIESTA se representa con una mezcla sonidos, colores y creaciones en el vestuario con apariencia de esqueletos y de animales al estilo prehispánico, acorde con la trama.

PANTEÓN DE FIESTA se presentará en diversas regiones de la República Mexicana y un Festival, razón por la cual el día de hoy fue su debut y despedida en el Teatro de la Ciudad Esperanza Iris.

TOC TOC 

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

Dramaturgia original del humorista francés y director de cortometrajes, Laurent Baffie (Montreuil, Francia 1958) que ha logrado permanecer en el gusto del público en nuestra Ciudad de México, logrando 400 representaciones el 7 de mayo 2021, bajo la dirección escénica de Lía Jelín y la producción de la Compañía “Mejor Teatro”, quien por cierto, a manera de Sinopsis ofrece la siguiente sita textual:

-“Seis personas con trastornos obsesivos compulsivos (TOC) se conocen en la sala de un afamado psiquiatra con el fin de solucionar sus problemas. Pero el psiquiatra no puede llegar a tiempo, ya que su vuelo ha sufrido un inesperado retraso y nunca acudirá a la terapia. Así, todos se ven obligados a compartir una espera que parece interminable. Y serán ellos los que tengan que llegar a sus conclusiones.”-

Le comento qué TOC TOC resulta ser un título muy peculiar; empero a ello es, totalmente ad-hoc a ésta comedia de humorismo perteneciente al género de la novela psicológica, poco tratada, digámoslo así, en el medio literario, pero que actualmente parece ponerse de moda.

Aseveración a la que aludo debido al hecho de que la temática o parte medular de la trama, versa en torno al llamado inconciente colectivo. La trama presenta a un grupo de pacientes que acuden a una cita coincidiendo un mismo día, en un mismo horario con un afamado psiquiatra debido a todos ellos padecer de lo que en psiquiatría se llama “Trastorno Obsesivo Compulsivo”. 

TOC TOC de ese modo resulta ser como un llamado a la puerta del especialista. Obra  divertida que también incursiona en el género de la comedia. Aborda de manera chuscas dicha temática tratado actualmente por el campo de la psiquiatría, que resulta ser la sintomatología que el estrés y el modo vivendus ha generado en un gran número de pacientes, como consecuencia del ritmo de vida agitado y estresante.  

Por dicha razón algunas personas padecen ciertos trastornos psicológicos, entendidas como manías, algunas de las cuales presenta ésta comedia divertidísima; esas conductas individuales que surgen de la psiquis llevando a los enfermos a repetir conductas peculiares.

En el caso de ésta puesta en escena, aparece un personaje que sufre del exceso extremo por la limpieza, otro quien siente miedo al cruzar líneas, la religiosa al extremo del fetichismo beato, el hombre quien vive simplificando numérica toda situación, una chica quien repite concientemente frases por miedo y, quien usa constante palabras altisonantes soeces para expresarse, sin poder contenerse. 

Por supuesto la trama tiene como referente una sala de espera dentro de una clínica psiquiátrica, en donde los pacientes se encuentran en espera del especialista. Sus interpretes son Lolita Cortés, Omar Medina, Efraín Berry, Pedro Prieto, Dari Romo, Meraqui Pradis, Sandra Quiroz y Paola Arrioja.  

Como dato complementario le diré que TOC TOC por si Usted aún no lo sabía fue estrenada en Paris en el Théâtre du Palais Royal en el año 2005. Su éxito la llevó a atravesar fronteras llegando a España Argentina, Brasil, Perú, Venezuela, Panamá, Chile, Costa Rica, Uruguay, Paraguay, Puerto Rico .

En México fue escenificada hace aproximadamente una década atrás con el importante productor Morris Gilbert, quien según asegurara TOC TOC logró en aquella ocasión cumplir mil doscientas representaciones. Número realmente titánico en el círculo o medio teatral. 

Hoy día el mismo productor Morris Gilbert se encuentra como uno de los dirigentes a cargo de la prestigiosa casa productora de “Mejor Teatro” y debido a considerar el éxito de TOC TOC en taquilla, el importante productos consideró una vez más su reestreno el año pasado en el Teatro Libanés. 

Funciones qué desgraciadamente fueron interrumpidas al igual que todas las demás funciones no tan sólo en nuestro país, sino en el mundo entero por causa de la pandemia del Corona Virus, como es bien sabido por todos. 

Actualmente su productor Morris Gilbert volvió apostar por la divertida puesta en escena de TOC TOC. Así nuevamente Usted puede asistir a verla, sólo que en ésta ocasión en el Foro Fernando Soler, en del Centro Cultural Manolo Fábregas, cubriendo dobles funciones programadas de viernes a domingos.

Reparto:;

Lolita Cortés, Omar Medina, Efraín Berry, Dari Romo, Pedro Prieto, Sandra Quiroz, Meraqui Pradis y Paola Arrioja.

THE  PROM

POR: Dalia María Teresa De León Adams

PROM por fin está a punto de estrenarse en el Teatro 2 del Centro Cultural antes

CCT, motivo por el cual la importante compañía difusora “Manojo de Ideas”

liderada por el Señor Carlos García y la Señorita Marilú Torrano, convocaron a la

prensa para compartir el Sitzprobe de THE PROM.

Por ello se puede leer en el boletín de prensa a través del comunicado, que

presentaron por escrito conteniendo los siguientes párrafos al respecto:

-“Octubre, 2021. Durante la creación y construcción de un musical de gran

formato, sin duda uno de los momentos más emocionantes antes del estreno, es

el denominado Sitzprobe, ese encuentro mágico en el que se reúnen por vez

primera el elenco y la orquesta de la compañía, para comenzar a trabajar en

los ensayos de los números musicales.

THE PROM, producción encabezada por Marte Calderón y Chema Verduzco

atraviesa por esa parte del proceso creativo, en el que todos se encuentran

llenos de emoción y expectativa, ya que luego de semanas de arduo trabajo las

piezas de ese hermoso rompecabezas comienzan a ensamblarse.

Bajo la Dirección de Alberto Albarrán, los trece elementos que conforman la

orquesta hacen lo propio y más para que a través de los 15 números musicales

que se escucharán en la puesta en escena, el público asistente vibre desde sus

butacas.”-

En el mismo evento se dio a conocer algunos de los pormenores de lo que será la

puesta en escena de PROM la cual se ha programado con la presentación al público

de dos Actos en el que aparecerá una gran orquesta en vivo, bajo la batuta de

director Alberto Castañeda teniendo como apoyo a dos pianistas, un bajo, un

baterista, dos trompetistas, un flautista, un violinista, dos Reed y, un Key.

Ellos amenizarán el montaje de PROM para dar paso a la interpretación de lo

actores y cantantes en escena entre los que se encuentran Brenda Santabalbina,

Daiana Liparoti, Anahí Allué, Gerardo González, Oscar Carapia, Mauricio Salas,

Guana, Majo Pérez, Beto Torres, Marien Caballero Galvé.

Ellos entre otros más que se presentarán en escenario, sumando para tal efecto un

total de más de 30 actores engalanados, luciendo elegantes atuendos, dentro de un

espacio escenográfico de gran calidad.

Le diremos qué la trama fundamentalmente esta basada en una historia de amor

llena de glamour que conquistó a la ciudad de Broadway en diciembre del 2020, en

donde actuaron Meryl Streep, Nicol Kidman, James Corden, Jo Ellen Pellman,

Ariana deBose y Adrew Rannels, todos bajo la dirección artística de Ryan Murphy

Ahora llega ésta revista musical a nuestra ciudad, con una nueva variante que

según la misma empresa teatral consiste en lo siguiente:

-“La trama de THE PROM, a diferencia de la versión norteamericana, pone en

situación a cuatro estrellas musicales de CDMX que buscan publicidad a través

de causas sociales. Los actores acuden al rescate tras escuchar la historia de

Emma, una joven de Salamanca, Guanajuato quien no podrá asistir al baile de

graduación de preparatoria de su actual pareja lésbica debido a los

pensamientos conservadores de su comunidad.

Pero es ahí en donde se abre paso la generosidad, el amor, el respeto y la

aceptación, y convergen en medio de música, romance, baile, y miles de leds de

colores que harán volar la cabeza de todos los asistentes.

PROM se estrenará a finales de éste mes de octubre con funciones dobles de

viernes a domingos en el Teatro 2, del Centro Cultural.

VIDA

POR: Dalia María Teresa De León Adams

Obra teatral que puede sonar en un tono irreverente pero qué en realidad, solamente muestra parte de las vivencias de su mismo autor, el Señor Alan Blasco, quien escribe en aras de exponer abiertamente su modus vivendi.

Es una obra realista de corte genérico biográfico, en la medida en que surgió en base a algunas de las experiencias del propio autor, ventilando su psiquis. Escritor quien mediante la trama literaria, libera tanto obsesiones, como su sexualidad de manera totalmente abierta.

Monólogo que tiene como referente el tiempo actual, en la región de Nuevo León Monterrey, en donde surgirá una historia tratada bajo la voz de su autor, tras de haber sido sorpresivamente galardonado por una de sus obra; hecho trascendental que cambiaría su propia VIDA.

Escrita y actuada por el mismo Alan Blasco quien es oriundo de la región de Veracruz , escribe su dramaturgia VIDA presentándola en el escenario bajo el recurso de un Yo narrador, protagónico, omnisciente, expresándose en primera persona. Así es como narra parte de lo que afirma, es su desgarradora historia, en donde él y dos personajes secundarios, son los protagonistas del drama.

Historia ejecutada de manera unipersonal, con el apoyo de fotografías y letreros que el mismo actor va colocando poco a poco sobre, unas rendijas de madera movibles, qué junto con su monólogo, reconstruyen los hechos a contar, armonizados de manera musicalizada, en algunas ocasiones en que las escenas la precisan.

Todo ello bajo un lenguaje totalmente coloquial, plagado de palabras altisonantes y localismos, que hacen que la historia bosqueje de alguna manera la sociedad en la cual el mismo personaje, está inmerso.

-“La obra a una sola voz nos narra la historia de Alan, un joven escritor que, tras una fuerte crisis económica, una depresión crónica y una sobredosis por drogas recibe la noticia de ser ganador de un premio nacional de literatura, dicho premio se entrega en la ciudad de Monterrey. Es ahí donde el personaje emprende el viaje y antes de la ceremonia festeja desenfrenadamente. A la mañana siguiente, Blasco despierta con una sensación extraña sin saber si es una resaca, un exceso de drogas o un ataque de pánico. A partir de ese momento su vida dará un giro insospechado buscando desesperadamente la salida. 

Una obra que habla desde las experiencias del autor en busca del significado de la vida y comenzarla a vivir de verdad. Una puesta que nos exhorta al aquí y al ahora…

Por primera vez quería tomar mi historia y a través de ella, quizás se miren los otros, menciona el autor, Blasco continuando…ahora no pretendo escribir mundos fantasiosos, personajes imaginaros, mundos paralelos, mujeres burguesas, consumismo, capitalismo, política, temas de protesta o laboratorios de escritura, sino al contrario, ahora tomo mis vivencias y las llevo sin tapujos a escena.-“

Lo anterior es expresado por la compañía difusora, para dar a conocer a manera de boletín de prensa, tanto la síntesis de la parte medular de trama, como los motivos que llevaron al mismo escritor y actor Alan Blasco, a presentar éste drama, qué empero a ser mayormente matizado con testimonios reales según la consideración del autor, recurre irremediablemente a la ficcionalización del final, en donde el mismo personaje narra aún post-mortum el final de sus experiencias, infiriendo un interesante desenlace, emotivo y pincelado bajo consignas filosóficas, en torno tanto a la muerte como a la VIDA. 

Puesta en escena interesante que invita a la reflexión, la cual se encuentra dirigida por Eduardo Córdova, y la cual podrá Usted ver, en el moderno “El Circulo Teatral” ubicado en la calle Veracruz 107, colonia Condesa, únicamente hasta el día 27 de octubre, en días miércoles a las 20:30 horas.

 AL PIE DEL TÁMESIS

POR: Dalia María Teresa De León Adams

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-“Sopas Bellatín y Raquel Saavedra se encuentran en una habitación de un elegante hotel de Londres. Aparentemente no se conocen y, sin embargo, tienen un pasado  Sopas. La conversación entre ambos contiene una historia que se esconde tras la otra, donde la realidad y la ficción se mezclan.”-

El párrafo anterior es la Sinopsis de la obra del escritor Mario Vargas Llosa publicada en el boletín de prensa que ofrece la Compañía Difusora a cargo de Sandra Narváez al aludir al montaje escénico de la misma, que hoy en día presenta el Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (INBAL).

Cita que encierra la parte medular de la trama de la sexta dramaturgia intitulada AL PIE DEL TÁMESIS del peruano Jorge Mario Pedro Vargas Llosa, escritor perteneciente al grupo literario latinoamericano que se denominara “El Boom” en la segunda mitad del siglo pasado, grupo integrado junto con Carlos Fuentes, Julio Cortázar, Gabriel García Márquez, Elena Garro, Luis Spota, Augusto Monterroso y José Donoso, entre otros escritores de renombre más. 

Conocido simplemente como Mario Vargas Llosa (Arequipa, Perú 1936) poseedor del Premio Nobel de Literatura, además del Premio Planeta y el Miguel Cervantes, entre otros reconocimientos.

Como cita complementaria le menciono que entre sus obras más conocidas se encuentran “La Ciudad de los perros” (1963), “Conversación n la catedral” (1969), “La tía Julia y el escritor” (1977 ), “La guerra del fin del mundo” (1981), “La fiesta del chivo” (2000) y “Travesuras de la niña mala” (2006).

Pero retomando la puesta en escena aquí de interés, le comento qué AL PIE DEL TÁMESIS es un montaje bajo la dirección artística de Antonio Castro que cuenta con las magníficas actuaciones estelares de Azucena Evans y Martín Altamoro. 

Antonio Castro, en una entrevista que le hicieron, comentaría sobre el estilo literario y la psiquis del autor al escribir, sosteniendo lo siguiente:

-“Uno de los temas centrales del teatro de Vargas Llosa es la imaginación erótica, el mundo de la fantasía que intenta romper las cadenas de la represión social. Sin embargo, este universo, lejos de ser constructivo, con frecuencia refleja la incapacidad des sus personajes para deshacerse de los estigmas culturales. 

La sexualidad que explora Vargas Llosa es la masculina, ebria de complejos y ataduras; el hombre latinoamericano enfrentando sus deseos y sentimientos en el esfuerzo desesperado por librarse de sí mismo.”-

La obra AL PIE DEL TÁMESIS presenta una trama difícil de contenido, en el sentido en que está escrita en constantes prospecciones y retrospecciones temporales que llevan a los dos actores en escena, mediante el diálogo, a diversos encuentros del pasado con diferentes circunstancias, ocultando lo verdadero y lo imaginario mediante situaciones adversas y benignas qué de pronto se mezclan, en un mundo de confusión.

Empero a ello, la historia lleva cierta ilación lógica en donde un hombre y una mujer se relacionan de una manera muy peculiar en base a un pasado compartido, que el escritor deja de manera ambigua, a consideración del lector o el espectador, en cuanto al desenlace sugerente a posibles desenlaces (al igual que toda la trama en general).

Estilo que de alguna manera es una constante entre todos los escritores del Movimiento Literario del “Boom” quienes buscaron mezclar lo imaginario, con lo real, como estilo literario.

AL PIE DEL TÁMESIS se presenta en el Teatro el Granero  Xavier Rojas con el diseño escenográfico de Adrián Martínez Frausto, el diseño de iluminación de Gerardo González Tornedo, el diseño sonoro y musical de Miguel Hernández y el vestuario de Neri Nuñez.

EL RETRATO DE ESTHER

POR: Dalia María Teresa De León Adams

Título muy ah-doc con la trama de la novela “Le Portrait d’Esther” (El retrato de Esther) de los escritores franceses Roman Bonnin y Pierre Jeanneau quienes junto con Emmanuel Rouillier lograron dar forma a lo que se ha diera en llamar “obra gráfica”.

La obra gráfica consiste en representar una escena novelada, o bien una dramaturgia, integrando las escenas o capítulos con algunas imágenes (mediante grafías) creadas con papel, cartulinas o láminas que ilustran de una manera aproximad a un cómic.

Y aún cuando la trama ventila esencialmente la búsqueda de una pintura ancestral para una familia francesa, en aras de reconstruir su pasado lineal parental, éste cuadro sirve de pretexto a los autores para narrar algunos de los pormenores que suscitaron realmente tanto con numerosas obras de arte, así como con algunos museos y directivos en aquel entonces.

Recintos que resultaron ser destruidos o por lo menos despojados de piezas de arte de máxima importancia para el patrimonio no tan sólo local, sino mundial, durante la toma de Francia en la Segunda Guerra Mundial. 

Ello para ser vendidas de manera clandestina, en tanto que destruidas las piezas artísticas que los nazis denominaron Obras degeneradas debido al juicio de valor qué les infiriera Adolf  Hitler, al no ser arte clásico, en otras palabras, a las obras de vanguardia internacional.

De dicho modo la trama también sirve de marco histórico, en un sentido que ilustran al público asistente o lector, mediante los diálogos y breves lecturas de libros al respecto con la temática a tratar. 

Así la obra hace referencia a dicho periodo histórico, como Usted se podría dar cuenta en ésta puesta en escena dirigida por Netty Radvany, de una manera muy creativa y clara.

El elenco estelar se encontró formado por la gran actriz Verónica Langer, quien se presentó como la madre de una joven la cual fue interpretada por la actriz Elena Gore y, el apoyo y la presencia en varias escenas de Toztli Abril, quien se integrara en la puesta en escena con breves participaciones, que en otra hora sirve un tanto a manera de tramoyista, pese a que los objetos representados también son movilizados por las dos actrices anteriormente citadas.  

Y escribí en tiempo pasado el párrafo anterior debido a qué por lo pronto, éste montaje escénico se llevó a cabo con tan sólo dos representaciones agendadas el 1º y 2 de octubre al filo de las 18:00 horas en el Teatro Principal de “La Capilla.

Funciones presentadas gracias a la Compañía “Ohtil Producción y el apoyo de La Secretaría de Cultura a través del CENART y del Proyecto denominado “Chapultepec” efectuado bajo “La Creación y Circuito de Títeres y Objetos”.

MUSAS

POR: Dalia María Teresa De León Adams

Dramaturgia, dirección y concepto escénico del gran maestro Abraham Oceransky (Ciudad de México 1943) cuyas cintas fílmicas destacadas son “Pubertinaje” y “Frida Kahlo” entre grandes aportes indudablemente al medio teatral. 

MUSAS resulta ser una puesta en escena perteneciente al género tanto biográfico, al mostrar algunos de los pormenores de la vida de dos grandes heroínas de la patria, como del género histórico al mostrar algunos de los acontecimientos fehacientes de nuestra Historia de México.

 Empero tiene mayor peso al hablar de las dos grandes MUSAS de su inspiración en cuanto al despliegue y desarrollo del movimiento independentista nacido de una conspiración hacia el año de 1810.

Es una dramaturgia muy bien documentada que trata específicamente de Doña Josefa Ortiz de Domínguez y de su contemporánea y también mujer políticamente activa Doña Leona Vicario.

Por supuesto que algunos de los personajes masculinos,  no podían faltar de ser narrados en éste montaje escénico lleno de creatividad y elementos estéticos como la introducción de un canto al estilo sacro, que va muy acorde al movimiento armado, con su letra que resulta ser una alabanza al movimiento conspiratorio.

Por supuesto algunas piezas icónicas de la época son sonadas brevemente, además de algunos pasos con sonidos fúnebres, al representar al personaje incesante de la muerte, durante éste largo y doloroso episodio patrio.

La figura femenina, a la cual el dramaturgo no deja de apreciar en Pro de la labor desmerecida en los episodios de la historia durante el proceso, le sirven de MUSAS a las cuales da trazo y figura con su pluma y a las cuales en su obra, otorga mayor peso escénico.

También el Cura Don Miguel Hidalgo I. Costilla es matizado mediante el recurso narrativo, con los dotes de cultura que le correspondieran a su elegante y poderosa figura, alejada de prejuicios racistas en aras de libertad que le costarían el hecho de ser fusilado (hecho que le llevara posteriormente a ser cercenada su cabeza); momento trágico de la ejecución descrito paso a paso en una de las escenas, a través del diálogo emitido entre las dos MUSAS.

La obra se presenta en el Teatro “El Galeón Abraham Oceransky” del  Centro Cultural del Bosque bajo el patrocinio de “La Secretaría de Cultura del Gobierno de México” y “El Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura” (INBAL).”

Y como argumente el maestro Abraham Oceransky: -“Siempre he pensado que el teatro no es el espacio físico, sino lo que sucede dentro”.

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VARIACIONES SCHRÖDINGER

POR: Dalia María Teresa De León Adams

Bajo la dramaturgia y dirección de César Chagolla y las actuaciones estelares de Indira Pensado, Luis Miguel Lombana, Jorge Rojas y Raúl Andrade, la puesta en escena VARIACIONES SHRÖDINGER se estrenó el día de ayer 29 de septiembre gracias al apoyo de la Coordinación Nacional de Teatro y la producción escénica de  “Phobos Teatro.”

Obra perteneciente al género teatral dramático, con contenido de denuncia social, en donde una familia ventila las miserias de su alma, aunadas al sufrimiento de la perdida del hijo predilecto, la  incomprensión de la familia, la desigualdad del trato materno, el escaso amor de pareja, la traición del hermano ante el amor de una joven mujer y, la locura que da el desaliento ante lo irremediable.

Todo esto y un poco más son los ingredientes de la trama de éste drama escrito sin ilación temporal, en donde la memoria y el tiempo bien pueden enredarse en la confusión, por no enfrentar la realidad padecida.

De dicho modo el escritor recurre constantemente a prospecciones y retrospecciones temporales, en donde incluso el hijo perdido dado por muerto, aún sin tener constancia de su cuerpo fallido, de pronto ante el dolor materno aparece en su cuarto cerrado un año atrás, comunicándose con su madre aparentemente post-mortum.

A manera de Sinopsis uno de los personajes llamado Gerardo, el hijo aparentemente ideal que no causa problemas muestras sus logros cifrados en un título que le otorga el estatus de abogado y el reconocimiento familiar. Él se enamora de la novia de su hermano, con quien piensa huir, encontrando ambos la muerte ante tal intento.

Personaje que aparece en escena constantemente mostrándose como narrador en Tercera persona de muchos de los pormenores del drama, utilizando frases recuentes al describir las escenas repetitivas que marca el texto, como lo es “Una mesa común y corriente, con cuatro sillas de madera, cuatro platos y tres vasos”- que describen el momento en el cual la familia integrada por los padres y los dos hijos varones (Gerardo y Adrián) coinciden para juntos compartir día a día la cena.

-“Soco sirve la cena cada noche ejecutando una rutina que parece congelada en el tiempo ante la desaparición de su hijo que, como el gato de Schrödinger, podría estar vivo y muerto a la vez.”-

Y esa es justamente el párrafo textual que la Compañía difusora a cargo de Raúl Medina expone en el boletín de prensa para dar a conocer el fondo temático de ésta puesta en escena totalmente emotiva, la cual cuenta con un gran desempeño por parte de los actores, destacando la actuación estelar de Indira Pensado quien se desgarra en el escenario, ante tal temática totalmente cruenta a tratar.

Trama desgraciadamente muy abordada hoy en día ante la problemática de las víctimas desaparecidas por distintas razones al parecer, motivo por el cual LA PARADOJA DEL GATO expone lo siguiente:

-“Si el desaparecido no se encuentra presente, ni hay pruebas de su muerte ¿Está vivo y muerto al mismo tiempo? ¿Cómo se avanza viviendo con la necesidad de encontrar respuestas?

VARIACIONES SHRÖDINGER se presenta en el Teatro Orientación del Centro Cultural del Bosque hasta el día 20 de noviembre de jueves a domingos.

CAMILLE  CLAUDEL

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

Respecto a ésta puesta en escena quisiera iniciar exponiendo un poco sobre la artista

plástica impresionista Camille Anastacia Kendal Maria Nicola Claudel nació en Fère-en-

Tardenois, Francia el 8 de diciembre de 1864. Fue una escultora considerada también

como perteneciente al movimiento artístico simbolista, muy reconocida post-mortem.

Respecto a su vida, ésta fue difícil por comportarse libremente ante sus inquietudes y

deseos, lo que la llevó a ser rechazada tanto por su familia, como por la sociedad entonces

llena de prejuicios en que le tocó vivir.

Sus obras maestras hoy en día se encuentran en la Galería de Arte en Bremen y en el Museo

Nacional de las Mujeres en Alemania. Entre sus obras más famosas se encuentran “Joven

con una gaviota”, “Las hambrientas”, “El gran vals”,”La edad madura” y “La pequeña

castellana.”

El encuentro con el destacado escultor August Rodin de 43 años con Camille Claudel a la

edad de los 19, terminó siendo una relación amorosa que duraría 15 años. De él recibió

gran influencia tanto en técnicas como en temática artística. Otro de los amantes de Camille

Claudel sería el también destacado compositor, Claude Debussy.

Todos estos pormenores y más son expresados con gran plástica actoral, bajo un toque de

elegancia, en la puesta en escena ejecutado por la actriz Yuriria Fanjul quien nació en

México dentro de una familia de artistas, realizó sus estudios en Londres. Yuriria Fanjul

aparece en escena caracterizando el rol protagónico CAMILLE CLAUDEL.

Ello bajo la dirección escénica del director Diego Vázquez la puesta en escena unipersonal

se presenta bajo un interesante monólogo de índole biográfico, aún cuando mantiene la

técnica de un drama propuesto bajo un doble final.

La talentosa actriz Yuriria Fanjul

LA PERSONA DEPRIMIDA

POR: Dalia María Teresa De León Adams

La depresión es un trastorno emocional que causa un sentimiento de tristeza constante y, una pérdida de interés en realizar diferentes actividades, que puede incluso llevar a la persona que lo padece, al suicidio.

La perdida de interés permanente que causa, puede provocar una serie de trastornos tanto emocionales, como físicos; trastornos que llevan a la falta de apetito y dificultad o exceso de sueño, falta de concentración, además de baja autoestima.

Las causas son muy diversas por lo cual, generalmente es sugerido ser tratado por un profesional, ya sea psicólogo o psiquiatra, siendo el segundo quien apoya sus consultas con la ingesta de fármacos que deberá ingerir periódicamente el paciente.

Y es en torno a ésta temática que como tema medular se apoya la obra teatral LA PERSONA DEPRIMIDA escrita por el estadounidense David Foster Wallace (Ithaca, Nueva York 1962-2008). 

David Foster Wallace fue un destacado profesor y escritor estadounidense, más reconocido por su novela “La broma infinita”, considerada por la revista Time como una de las 100 mejores novelas en lengua inglesa durante los años que fueron entre 1923 al 2006.

LA PERSONA DEPRIMIDA hoy en día se presenta bajo la adaptación del texto por el dramaturgo Daniel Veronese, y con la interpretación de la gran actriz Carolina Politi.

Y mediante el recurso escénico de un monólogo, la obra trata de un caso específico por lo que muy ad-hoc se intitula LA PERSONA DEPRIMIDA. La actriz se presenta y narra el caso de una mujer cuyo nombre nunca es manifiesto, quedando en duda si está basado en un caso real, o bien, es una mera ficción. 

Por otro lado la mujer narradora en calidad de Personaje omnisciente y omnipresente tampoco expresa el tipo de relación que la liga con LA PERSONA DEPRIMIDA sin embargo cuenta los pormenores sintomáticos de una paciente depresiva.

Por ello en el boletín de prensa se menciona lo siguiente al respecto: 

-“Disculpe si lo estoy distrayendo e su vida activa, vibrante, libre de angustia y ubicada a larga distancia….

Esta obra narra en tercera persona el devenir de una mujer con depresión patológica, la relación con su analista y con sus padres. Un vasto retrato sobre el estado anímico de una mujer. Una persona que se limita a describir las circunstancias que componen y conforman su angustia. La imposibilidad de compartir o manifestar ese dolor. Dolor que nos acerca a lo humano.”-

La Coordinación de Teatro “En Llamas Producciones” junto con “Timbre 4” presentan ésta obra en el Teatro Xavier Villaurrutia del Centro Cultural del Bosque los días lunes a las 20:00 horas

JULIETA TIENE LA CULPA

POR: Dalia María Teresa De León Adams

Dramaturgia original de Bárbara Colio, que presenta a tres mujeres totalmente diferentes tanto en edad, clase social, como en idiosincrasia qué empero, coinciden una noche en el estreno teatral de una de las obras clásicas del escritor inglés  Williams Shakespeare; es decir, de “Romeo y Julieta”.

La trama menciona un día lluvioso en donde tres mujeres se encuentran en el lobby de un lujoso teatro. Una de ellas de apariencia elegante y misteriosa, tras de haber comenzado la función llega sin boleto alguno y se sienta placidamente para sacar de una pequeña maleta, una botella de whisky que a hurtado del bar del mismo teatro.

La segunda es una mujer adinerada que lleva consigo dos boletos de primera clase, quien empero no ha ingresado a ocupar sus butacas tras la tercera llamada, en espera de un amigo al que aguarda y con quien telefónicamente no ha podido comunicarse por el bloqueo de las líneas.

La tercera es una jovencita. Es la vendedora en la taquilla de los boletos a cuya función no ha podido entrar, pese a su gran interés, a esa la que considera la representación más trascendental a la cual previamente había sido rechazada del casting para ocupar el papel protagónico, cuyo dramaturgo de la adaptación del texto shakesperiano, es su amante casado.

La obra contiene un texto Pro feminista muy bien estructurado, con escenas tanto dramáticas como divertidas, pero sobre todo, muy intensas en cuanto a la interpretación de los tres personajes protagónicos interpretativos. 

Actuando indudablemente las tres actrices con gran talento y plástica actoral, los 100 minutos aproximados de la obra pasan volando. Ellas son Verónica Merchant, Carmen Mastache y Sofía Sylwin; siendo las dos primeras dos reconocidas actrices en el medio artístico, si embargo no desmerecieron la actuación de la joven actriz Sofía Sylwin. 

Sobre éste montaje escénico se puede leer en la cartelera teatral lo siguiente:

-“¿Realmente quisieras ser como Julieta Capuleto y morir por amor? Son las historias que hemos leído, como nos las han contado; te invitamos a cruzar la puerta del teatro, y descubrir otras versiones posibles. Julieta tiene la culpa, un teatro escrito ahora, para la vida de ahora.-“

Y aún cuando en cierto modo la trama gira en torno a la obra de “Romeo y Julieta”  cuyos diálogos de manera breve son representados y citados de manera muy fragmentada, el texto de JULIETA TIENE LA CULPA alude totalmente a la época actual, contando con algunos elementos agregados de obras que se han vuelto clásicas en el repertorio teatral, como por ejemplo “Un tren llamado deseo” de Tennessee Williams que Marion Brando estelarizara en el año 1951 catapultándolo como una gran figura del cine estadounidense junto con Vivien Leigh y Kim Hunter.

En fin, en mi opinión ésta es una gran puesta en escena que vale la pena presenciar. JULIETA TIENE LA CULPA se esta presentando en el Teatro Principal del Centro Cultural Helénico bajo la dirección artística de Bárbara Colio en días lunes, martes y miércoles.

CODICE TENOCH y BIKINI

POR: Dalia María Teresa De León Adams

Dramaturgia escrita por Luis Mario Mocada, presentada bajo el motivo de conmemorar el marco de los 500 años de haber acaecido lo que se llamaría “La Resistencia Indígena”; suceso acontecido en el año 1521, en el entonces México Tenochtitlan, acorde con lo documentado en el CÓDICE TENOCH.

El texto está escrito a manera de farsa y bien podría considerarse como una obra tanto biográfica, por su trama bien documentada en cuanto a la parte histórica que recrea, como de estilo un tanto costumbrista, al mostrar parte de la idiosincrasia y forma de vida prehispánica.

En cuanto a la parte de ficción, los personajes reales históricos se muestran al contar pormenores y diálogos evidentemente imaginados por el propio dramaturgo, quien en su obra da mayor peso a la parte bélica, mezclando mitos chamánicos y predicciones, que hacen un deleite a ésta obra.

Por tanto, en el boletín de prensa se expone el siguiente párrafo a colación del contenido de ésta puesta en escena:

-“Esta es una farsa ubicada en el México de los años ochenta. Una familia disfuncional tiene que enfrentar un suceso impostergable: la muerte de su madre, Soledad. Los tres hijos: Carmen, Liliana y Martín se reencontrarán después de varios años para después cumplir la última voluntad de su madre, llevarla al mar.

CÓDICE TENOCH y BIKINI empero, es un pequeño encuentro con nuestro pasado indígena que muestra las relaciones tanto de alianza, como de guerra establecidos antes de acontecer la época colombina.

Le informo qué CODICE TENOCH –Un soldado en cada hijo_ y BIKINI -Requien in pacem- son las dos producciones que hoy en día presentan ésta puesta en escena, ofreciendo un montaje espectacular lleno de actores, vestuarios , maquillajes y peinados vistosos, con una escenografía llamativa y un tanto movible que hacen el montaje escénico muy atractivo.

Todo ello acompañado por músicos en vivo, quienes tanto musicalizan en aras de recrear la época que la obra teatral, la cual tiene como referente las área que delimitaran la Gran Tenochtitlán, Azcapotzalco, Texcoco y Tlatelolco en el año 1521; además de ser dicho grupo de música orquestal de apoyo escénico, en cuanto que producen los sonidos que matizan oportunamente, las circunstancias sugeridas en escenas descritas bajo la pluma del autor, tanto bélicas, como amorosas, de desamor, de magia chamánica o traición y desesperanza.

En cuanto a la dirección escénica, esta por demás decir que es magistral, pues No resulta nada fácil unificar las interpretaciones, con los sucesos históricos, la introducción oportuna de la música y, el montaje escénico en general.

Por consiguiente fue que el público, tras terminada la función se mantuvo en mayoría de pie, brindándoles un caluroso aplauso muy merecido a toda la producción en general, la cual cuenta, por sí todo esto fuera poco, con los actores estables de la Compañía Nacional de Teatro (CNT) la cual es reconocida en el medio por la calidad de sus actores y de todo el equipo teatral.

A manera de Sinopsis decidí agregar la breve información que al respecto del CÓDICE TÉNOCH se ofrece en una página Web de la Internet, que por supuesto, resumen las 3 horas con 15 minutos de duración de ésta puesta en escena:

-“CÓDICE TÉNOCH es una saga teatral que aborda desde una perspectiva shakesperiana los sucesos políticos y sociales que propiciaron el nuevo orden social y económico conocido como Triple Alianza, coyuntura qe marca el surgimiento del Imperio Azteca en el Valle de México.

Las tres obras que la componen abarcan 35 años de historia, desde fines del siglo XIV hasta 1431, año en que se confirma a Nezahualcóyotl como Señor de Texcoco y se determina la quema de los códices que testimoniaban la historia antigua.

1. Ixtlixóchitl detona la ruptura del pacto que regulaba las relaciones entre los dos grandes reinos del siglo XIV: Azcapotzalco y Texcoco; suceso que hará pie a las guerras del Valle de México.

2. Tezozómoc aborda el periodo de la ocupación de Texcoco y el posicionamiento político de los pequeños reinos vecinos, que se debaten entre uno y otro bando.

3. Itzcóatl representa la irrupción del pequeño reino tributario de Tenochtitlán, que se convertirá en fiel de la balanza y aprovechará la coyuntura para hacerse con el dominio de la región.

CÓDICE TÉNOCH se presenta en el Teatro Julio Castillo del Centro Cultural del Bosque bajo el patrocinio del Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (INBAL), La Secretaría de Cultura Federal y La Compañía Nacional de Teatro (CNT).

FELICIDADES A TODOS !!!!

MANUAL PARA MUJERES INFAMES

POR: Dalia María Teresa De León Adams

Obra controversial que se recrea en un fragmento de la vida tanto profesional como amorosa de la afamada escritora francesa Simone de Beauvoir (Paris 1908-1986); ello mediante el recurso de la representación escénica unipersonal. 

Mujer emblemática quien viviese desde el alba del siglo XX, durante la época de la Primera y Segunda Guerra Mundial. Criticada por tanto la comunidad masculina como femeninas e incluso por la iglesia, ante el machismo recalcitrante, tras el cual escribía en contra. 

Simone Lucie Ernestine Marie Bertrand de Beauvoir fue una polémica filósofa, profesora, escritora, biógrafa, ensayista y novelista europea. Una luchadora incansable en Pro de la igualdad de derechos de la mujer. 

Considerada como totalmente irreverente, inteligente e intelectual, sería una de las precursora del feminismo que indagara mediante sus escritos. Vivió una vida libre ante los prejuicios de la entonces Francia conservadora y, justamente ésta es la temática en torno a la cual gira la obra teatral MANUAL PARA MUJERES INFAMES.

El montaje escénico a mi juicio, está basado principalmente en una de sus obra intitulada “El segundo sexo” la cual fuera escrita en el año de1949. Entre otras de sus destacadas obras que hablan al respecto se encuentran “La mujer rota”(1967) y “Memorias de una joven formal” (1958).

Pero retomando la puesta en escena de MANUAL PARA MUJERES INFAMES ésta se representa bajo la dirección escénica de Luciana Silveyra, bajo una enfoque propositivo, con la espléndida interpretación de la actriz Carla Müller.

El texto está escrito por Karin Valecillos, quien da gran peso escénico a la vida intima de la escritora Simone de Beauvoir, mostrando finalmente a una mujer vulnerable ante el amor, pese a su idiosincrasia despojada de todo prejuicio.

Es así como la presentación de éste monólogo, representado mediante el recurso escénico de la narración mediante un “Yo protagónico” en primera persona interpretado por la actriz Carla Müller (quien caracteriza a la Simone de Beauvoir enamorada) no podía faltar diálogos en torno a su relación con el escritor estadounidense Nelson Algren (Detroit 1909-1981) ni por supuesto, con su compañero, amante y mentor, el filósofo existencialista, dramaturgo, novelista, crítico, biógrafo y activista político, Jean Paul Charles Aimard Sartre (Paris 1905-1980) quien por cierto, entre sus obras literarias se dedicara a escribir acerca de la misma Simone de Beauvoir, titulando a su libro, justamente con su nombre de pila de “Simone de Beauvoir”; además de haber escrito libros obviamente sobre otros temas como serían “El ser y la nada”, “Marxismo humanista” y “La náusea” entre otros.

Finalmente comentaré respecto a éste montaje escénico qué surgió a manera de proyecto, en el año 2016. Esto cuando la actriz Carla Müller estando en Caracas, Venezuela manifestó a la dramaturga Karin Valecillos su interés por interpretar a una mujer que reflejara sus inquietudes tanto como mujer, que como artista, con la finalidad crear una obra que sirviera para concientizar a las mujeres de la actualidad, mostrando el valor que tenemos por el hecho mismo de “SER MUJERES. 

Así y tras de haberse escrito MANUAL PARA MUJERES INFAMES hoy en día se presenta en el teatro “Xavier Villaurrutia” con la Compañía Teatral “4x4 Producciones” bajo el patrocinio del  El Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (INBAL) hasta l día 17 de octubre de jueves a domingos.

RETORNO SOFÍA ROSARIO

POR: Dalia María Teresa De León Adams

Obra experimental de José Alberto Gallardo escrita y dirigida en base a constantes prospecciones y retrospecciones temporales. Los personajes  mediante dicho ritmo escénico van hilando el tiempo viviendo aún ya fallidos, e incluso estando vivos, entre un teje y suelta de la memoria, personajes que viven en el exilio, pero siempre llevan en el alma grabado un pedacito de su pasado que les lleva a cuestionarse incesantemente el ¿quiénes han sido? y, el ¿quienes continúan siendo? 

De pronto  en el RETORNO SOFÍA ROSARIO los personajes protagónicos se encuentran en distintas fechas, retrocediendo en el tiempo y volviendo al presente, un presente aún ya ausente. 

Referencias de algunas de sus experiencias cuestionadas ya posmortum, para preguntar dudas sin resolver tanto al escribirse, visitarse o, mediante una llamada en el exilio.

Como tal vez Usted podrá notar RETORNO SOFÍA ROSARIO es una obra difícil de citar o resumir, interpretada por dos grandes actrices, como lo son Rosa María Bianchi y Dobrina Cristeva.

Ellas con gran maestría logar dar vida a diferentes personajes, cambiándose para ello en el escenario con diversas prendas de vestir y accesorios, a la vez que se apoyan en la entonación y modulación de sus voces, y constantes cambios y movimientos corporales qué aunadas a sus expresiones faciales, nos hacen notar su versatilidad interpretativa. 

De dicho modo y mediante diversos diálogos, hacen posible el recurso mágico del teatro, en donde la imaginación nos puede llevar de mano de un buen actor, a vivir infinidad de experiencia expresadas por él y su dramaturgo.

Y como a priori mencionara, su escritor es el mexicano José Alberto Gallardo, quien además funge como director artístico de ésta trama. Le diré qué José Alberto Gallardo (egresado de la UNAM) ha dirigido ya 24 puestas en escena, siendo 16 de su propia autoría, pues cuenta con 34 dramaturgias escritas.

En cuanto a las actrices, Rosa María Bianchi (Buenos Aires 1948) nacionalizada mexicana, como Usted sabe, ya ha sido galardonada con el Premio Ariel por su actuación en el largometraje de “Nicotina.” Ha actuando tanto en el teatro,  como en la televisión, y por supuesto en el cine.

Finalmente la actriz Dobrina Liubomirova Stoylova Anguelova, más conocida en el medio artístico como Dobrina Cristeva (1968 Sofía Bulgaria), también ha incursionado en los tres medios artísticos y actualmente produce.

RETORNO SOFÍA ROSARIO no podía contar con mejor elenco estelar, dado a que además de ser dos grandes actrices, han vivido en carne propia el exilio que la situación política represiva de sus países les obligó a partir, dejando su hogar para  cobijándose en nuestro México. 

Y justamente ese es el caso de los personajes de éste melodrama, los cuales enfrentan circunstancias similares que ha abierto una gran herida en el alma, bajo la pluma de José Alberto Gallardo, que me ha dejado pensando en que quizás, su texto en cierto modo se recreó en la vida real de sus dos intérpretes.

La obra teatral RETORNO SOFÍA ROSARIO se presenta en el foro principal del Teatro “La Capilla” y finalizará su última función el próximo día lunes a las 20:00 horas, a través de la Compañía Teatro de la Brevedad y Dobrina Cristeva.

NOTRE DAME

POR: Dalia María Teresa De León Adams

-“Regresa a los escenarios el unipersonal basado en la vida de una escritora apasionada, promotora cultural, mecenas, defensora de los derechos de la mujer, y activista política en el México de principios del siglo XX. De una mujer sin precedentes, sensible y compleja, de la mexicana Antonieta Rivas Mercado, en la puesta en escena Cita en Notre Dame…

Esta puesta en escena se realiza una profunda investigación,  y un estricto  entendimiento de Antonieta, y de las emociones generadas a partir de la relación con su familia,  y diversos personajes destacados de la época,  que le dejaron una profunda huella en su breve e intensa existencia,  con el fin de encontrar puntos de empatía.  Roxana Andrade, actriz que interpreta a Antonieta, ahonda con detalle en los diversos ambientes y épocas que abarca la obra, desde 1900 hasta 1931.”- 

Así se expresó la casa difusora con respecto al reinicio de funciones (el día 10 de septiembre) de la puesta en escena NOTRE DAME de la dramaturga y productora Roxana, quien escribiera ésta obra teatral perteneciente al genero biográfico muy bien documentada por cierto, junto con el también escritor Vicente Ferrer.

Obra teatral que también podría ser considerada como una obra costumbrista, en la medida en que ventila tanto la idiosincrasia secular, como algunos acontecimientos históricos, además de otorgar un acercamiento a los grandes gastadores de la época, como lo fueron Francisco I. Madero, Diego Rivera, Miguel Rodríguez Lozano, José Vasconcelos, Federico García Lorca, Xavier Villaurrutia, Salvador Novo, Carlos Chávez, quienes entre otros más conociese de cerca. 

NOTRE DAME es un montaje escenográfico bajo la dirección escénica de Gema Aparicio el cual está montado a un solo cuadro. Cuenta con la propuesta escenográfica de Carolina Jiménez quien acorde con una iluminación a media luz (iluminación Alejandro Ainsile) le da un aspecto brumoso qué aunado con el hielo seco, hace que la obra teatral cumpla con su cometido dándole apariencia de antigüedad, acorde a la época vivida por la afamada Antonieta Rivas Mercado en los albores del siglo XX.

Y recordándola un poco, le diré que Antonieta Valeria Rivas Mercado Castellanos  reconocida como Antonieta Rivas Mercado, nació el 28 de abril de 1990 en el entonces Distrito Federal. Fue tanto actriz como mecenas de hombres ilustres y escritora de libros como los son “La campaña de Vasconcelos” y “Correspondencia, entre otras obras más. También creó el Patronato para la Orquesta Sinfónica de México, fundada por Carlos Chávez en 1928.

Fue gran promotora cultural, la creadora del primer teatro experimental en México llamado “Teatro Ulises” proponiendo el estilo actoral del dramaturgo, poeta y crítico francés, Jean Cocteau (Maisons- Laffite 1989-1963); empero a todo ello se le aplaude más hoy en día por su labor como defensora de los derechos de la mujer y activista política, sucesos que la convertirían indudablemente en un ícono en la cultura en nuestro país. Y así encontramos publicado en una página Web lo siguiente acerca de Antonieta Rivas Mercado:

 -“ Por un breve tiempo, Antonieta fue directora teatral de la Escuela de Teatro, Música y Danza, actividad que abandonó probablemente por su atareada vida y su creciente enemistad con Carlos Chávez (en ese entonces director del colegio). Daba clases de teatro e hizo el montaje de Los de abajo, de Mariano Azuela. En esa temporada conoció a Vasconcelos y simpatizó con sus ideas políticas, antes de relacionarse con él. En su casa lidereaba reuniones proselitistas: preparaba a los jóvenes y les daba viáticos para que replicaran las ideas vasconcelistas en el interior de la república. Posteriormente, como compañera sentimental y de campaña, desempeñó un papel importante para la organización de su carrera política”-

Finalmente le comento que todo ello, aunado a su vida familiar y sentimental, además de su muerte prematura acontecida a tan sólo sus 31 años de edad, son narrados por la actriz Roxana Andrade en el rol de Antonieta Rivas Mercado, quien metiéndose bajo su piel, logra revivir al personaje con gran soltura y naturalidad.

NOTRE DAME está por concluir sus funciones por lo cual solamente podrá Usted asistir los próximos días sábado 25 y domingo 26 de septiembre en el Teatro “María Tereza Montoya” en la Ciudad de México.

ALASKA

POR: Dalia María Teresa De León Adams

El día de ayer lunes 13 de septiembre 2021 nuevamente se dio inicio a la temporada de representaciones de la obra ALASKA, la cual había sido presentada ya en marzo del año pasado en el mismo Foro “La Gruta” del Centro Cultural Helénico por segunda ocasión. 

Obra teatral original del dramaturgo mexicano Gibran Portela que ha vuelto al escenario  con su texto controversial y totalmente vigente que gira en torno a la temática del engaño, el oportunismo, la mentira, el amor y la obsesión, bajo la dirección escénica de Lisha Montero.

Y como expresa textualmente la Compañía “Los Operantes y Caracoles Teatro”:

-“Con un tono ácido la pieza ahonda en lo complejo de las relación humanas, al tiempo que cuestiona al espectador sobre aquello que buscaría guardar y proteger a toda costa. La puesta en escena también habla sobre la vulnerabilidad de no saber amar, dialogar y escuchar, de ahí su indudable vigencia y el porqué es una de las joyas predilectas del teatro mexicano contemporáneo.”- 

Muy acorde con los momentos de violencia de genero, la puesta en escena ALASKA se presenta como un grito ante la injusticia y el abuso en nuestra sociedad hacia muchas mujeres que padecen dentro de una ideosincrasia machista en la cual son violentadas incluso en el seno de sus propias familias. 

Dramaturgia que además va más allá tocando temas que preocupan en el presente a diversos sectores del mundo entero; problemáticas que se están gestando cada vez con más intensidad y obviedad ante la evidente carencia de valores éticos. 

En torno a ello, éste montaje escénico lleva implícito a manera de consigna el reconsiderar temáticas actuales como lo son el bulín, el abuso sexual en ambos géneros, el oportunismo recalcitrante y, por supuesto, las relaciones de amor o amistad manipuladas hacia extremos caóticos.

Le comento qué ALASKA ya había sido galardonada con el Premio Nacional de Dramaturgia Joven “Gerardo Mancebo en el 2008” obteniendo el Premio Nacional de dramaturgia “Emilio Carballido” en 2012 y con, presea “La Jaula de Oro” recibida por haber sido considerada como el mejor guión en 2014.  Su temática por supuesto continúa siendo tan vigente como preocupante..

-Dos amigos en una relación bastante peculiar, Jimi y Miguel abren una tienda de cajas fuertes luego de regresa de una incierta temporada en ALASKA. Martina, quien al principio se presenta como una indecisa clienta, pronto comienza una relación amorosa con uno de ellos, hecho que descolorará a los tres personaje extralimitándolos. Con un tono ácido, la obra aborda en lo complejo de las relaciones humanas, cuestiona al espectador sobre aquello que buscaría guardar y proteger a toda costa.

Miguel es sumamente retraído, evade su realidad imaginando que juega al golf, deporte que le proporciona sosiego. Martina es una mujer de apariencia anodina con un insoportable olor a repelente de mosquito al tiempo que repele también a las amistades. Ellos dos establecen una extraña relación amorosa que no puede soportar Jimi, amigo de Miguel, un hombre de carácter irascible que los desacredita continuamente. La ríspida atmósfera detonará cuando uno tome la decisión de romper ese círculo.-

Así se expresaba la Compañía Difusora del Centro Cultural Helénico a cargo de la Señorita Gaddi Miranda al respecto de la dramaturgia, dirigida por Lishia Montaño quien logra inferirle un toque de naturalidad a las escenas. 

Como parte del elenco se encuentran los actores Fabián Varona, Salvador Carmona y Tania Noriega quien funge como productora y actriz, alternando con Lorea Montemayor. Todos ellos actuando con gran plástica actoral logrando inferirle gran emotividad a cada uno de los personajes en éste drama en donde bien podría triangularse el amor. 

ALASKA se presenta todos los días domingos a las 18:00 horas hasta el 17 de septiembre en el Foro “La Gruta” del Centro Cultural Helénico”. 

EL PREDILECTO

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

EL PREDILECTO es un drama original de Alan Blasco, escrita a manera de farsa, que enmarca el abuso y oportunismo qué desgraciadamente no es exclusivo de las clases pudientes y poderosas, pues suele filtrarse como una ráfaga fatídica en cualquier lugar, en cualquier tiempo y, en toda clase social. 

Comúnmente quienes ejercen el poder en cualquier ámbito, por más insignificante que éste parezca, suelen devaluar la integridad de quien o a quienes logran subordinar. 

Justamente ésta es la temática en torno a la cual gira la trama de la obra teatral intitulada “EL PREDILECTO, título que enmarca perfectamente la parte medular del drama a presentar.

Es una puesta en escena en donde se juega con la figura retórica de un monarca y  dos lacayos entre los que eligirá a su posible futuro consejero, razón por la cual los entonces aún lacayos permiten ser abusados en extremo, con tal de poder obtener dicho cargo dentro del reino. 

Cada uno posee una diferente razón ante la idea de llegar a ser EL PREDILECTO del rey. El personaje de Samuel, es un hombre joven aristócrata venido a menos, quien con tal de lograr mantener su lujosa anterior vida, hará lo posible por ser el seleccionado por el rey; por otro lado el segundo lacayo es un hombre quien ante la imposibilidad de poder mantener a su mujer e hijas, pretenderá obtener el cargo de “consejero real” en la corte.

La dramaturgia de Alan Blasco presenta a un monarca homosexual narcisista, caprichoso, irreverente, e incapáz de gobernar, (caracterizado por el actor Javier Ibarreche) quien en aras de encontrar un poco de amor y satisfacción sexual, tan sólo encuentra como respuesta falsas lisonjas, además de una fingida obediencia, por parte de sus más cercanos súbditos, a quienes somete de manera inhumana.

En el rol protagónico de uno de los dos lacayos el mismo Alan Blasco actúa junto con el actor Murias Reynoso. Los tres actores poseen gran histrionismo escénico el cual demuestran en el escenario.  

Ellos se presentan bajo la dirección artística de Enrique Aguilar, quien logra hacer de éste melodrama una obra de estilo fársico con dejes de humorismo negro, pese a la temática que se aborda de manera cruda, razón por la cual bien podría ubicar a la dramaturgia dentro del género naturalista, pues muestra sin tapujo alguno, los extremos del oportunismo que se gesta al asumirse el poder y los extremos a los que puede llegar una persona al competir con alguien.

La compañía define a manera de sinopsis la obra teatral con el siguiente párrafo textual:

-“En un tiempo no definido un país está en guerra por petróleo. Un rey demente y debilitado ocupa el trono mientras dos lacayos acuden al palacio para pelear la vacante del “consejero real”. Uno busca el cargo para poder alimentar a su hambrienta familia, el otro para poder recuperar un estatus perdido por la crisis financiera. El rey, con múltiples cambios de ánimo debe tomar una sencilla decisión: ¿quién de los dos se quedará con el cargo? Es entonces cuando los lacayos se disputan a muerte el anhelado puesto.”-

Le diré qué es una puesta en escena en un cuadro y un sólo tiempo escénico que consta aproximadamente de 80 minutos. EL PREDILECTO es una obra de denuncia que muestra las diferentes caras del oportunismo que brota del poder, que bien puede ser llevado a diversos ámbitos, incluso dentro de la misma familia a quien a veces creemos que nos abriga incondicionalmente ¿y será siempre cierto? 

Y, qué decir del ámbito de la política, o en el momento de competir por un puesto laboral cualquiera, o al alojarse en una casa ajena con él, la, o los dueños del inmueble.

-“El predilecto de Alan Blasco es un texto agudo que a partir de la farsa realiza una crítica precisa y necesaria a los tejemanejes y las dinámicas que, aquellos que desean un lugar de privilegio en los escaños del poder. Utilizan para lograr hacerse de una posición que les permita formar parte de la hoy privilegiada clase política que más allá de buscar el beneficio del pueblo, ambiciona una tajada del pastel que los dotara de los recursos para diferenciarse de la clase media que predomina en nuestra nación y de la cual la mayoría formamos parte. ¿qué hilos se mueven a espaldas de nosotros los civiles comunes y corrientes? ¿qué oscuros intereses yacen por debajo de la superficie? ¿qué papel jugamos nosotros los ciudadanos de a pie? Alan Blasco pone el dedo en la llaga y nos provoca a la risa ante situaciones que no deberían pero que ante lo irreal y zúrrela no queda de otra más que hacer catarsis a través del humor que es, a mi parecer, la mejor de las herramientas para exorcizar nuestros demonios y absolver los pecados de quienes abusan y aquellos que lo permitimos- 

Este es el párrafo que fuera escrito por el director escénico, el Señor Enrique Aguilar, tiempo atrás, cuando ésta misma obra fue representada en uno de los dos teatros que conforman el “Bellescene.

En ese entonces formuló dichaa critica o juicio de valor en torno a la temática a tratar en ésta puesta en escena, presentada a manera digamos “de consigna social” por el escritor y actor Alan Blasco.

EL PREDILECTO es la historia en concreto, que sucumbe en la figura de un Rey, quien ejerce su poder autoritario y denigrante pensando tan sólo en ser atendido y agradado, al saberse sólo y mal amado, olvidando ante su egocentrismo a su pueblo empobrecido.

Obra teatral que invita a la reflexión y que bien pude tener muchas lecturas interpretativas debido a la trama tan vigente y tan presente desgraciadamente en muchos rincones del mundo.

Y cabe aquí finalmente cuestionarnos ¿Hasta dónde es capaz de subordinarse o dejarse someter y humillar, una persona quien por cualquier razón desea conservar una relación, ya sea laboral, familiar, amorosa, o incluso religiosa?   

EL PREDILECTO se presenta de manera presencial en días domingo a las 18:00 horas en el “El Teatro “La Capilla” hasta el día 17 de octubre.

LOS HABLADORES 2021

POR: Dalia María teresa De León Adams.

Como Usted sabe LOS HABLADORES 2020 es un compendio de monólogos escritos por el dramaturgo y director artístico David Olguín, bajo la propuesta escenográfica de Gabriel Pascal.

Y digo, ¡como Usted sabe¡ pues ésta obra teatral ya había sido presentada en 2020 en el Teatro “El Milagro. Constando de 4 programas, cada uno presentado generalmente con 6 diferentes actores, encontrándose el día de ayer los actores Laura Melo, Diego Jaúregui, Manuel Domínguez, Mauricio Pimentel, Georgina Tábora y Mariana Villegas.

Propuesta escénica que como acabo de mencionar fue representada el día de ayer sábado 11 de septiembre, solamente que en ésta ocasión en el Teatro Principal del Centro Cultural Helénico.  

LOS HABLADORES 2021 iniciaron con monólogos de una duración aproximada de entre 15 a 20 minutos cada uno, con temas diferentes los cuales son presentados  bajo la propuesta escenográfica de Gabriel Pascal, quien a través del recurso multimedia ubica en la parte central posterior del foro, una pantalla grande en donde aparece tanto el nombre del autor, como el título del monólogo a representar y al finalizar es amenizado con música. 

En el primer número que abarca la narración de un ladrón, en plena epidemia del Corona Virus, aparece el actor Manuel Domínguez interpretándolo. Éste es quien describe las vicisitudes enfrentadas al respecto en varios de los asaltos cometidos bajo un tono cruento que el público toma con humorismo negro.

El segundo monólogo es caracterizado por la actriz Laura Melo quien da vida a una mujer totalmente ofuscada, quien comenta acerca de su padre recién fallido al cual tuviese en muy poca estima. La popularidad que su padre adquiere, tras de su fallecimiento le provocará un gran trastorno, pues tanto la prensa como los comentarios de varios de sus parientes y conocidos, han convertido a su padre, en un muerto muy afamado. 

En la tercera exposición uni-presencial aparece el actor Mauricio Pimentel. Su personaje es de un hombre de origen muy humilde quien ante el miedo de adquirir el Coronavirus tras plena pandemia, decide tratar de evitar el contagio ingiriendo para ello varias cantidades de cloro. Su problema inicial es ¿el qué marca adquirir? para tal efecto.

En la siguiente representación, es decir la cuarta, aparece una mujer con dotes de lideresa interpretada bajo el rol protagónico de la actriz Mariana Villegas, quien ante la pandemia toma medidas extremas en contraposición además, de su jefe laboral.

El quinto monólogo es representado bajo el titulo LA CHANCLA QUE YO TIRO el cual resulta ser muy ad-hoc con el texto estelarizado por Georgina Tábora. Dicho monólogo aborda una temática en la cual, una mujer de clase media comparte sus experiencias amorosas con el público utilizando el recurso de un diálogo, mediante el cual da su peculiar punto de vista respecto a lo que considera estético, mostrando su preferencia por los hombres de alta estatura alta, dado a su condición pequeña y a los prejuicios por ende, adoptados por su altura. Tras la narrativa la mujer mezcla frases en francés, con el español que utilizan habitualmente todos los personajes e inclusive, canta en el escenario una de las melodías interpretadas por la finada y afamada Édith Pfaff titulada “Non, je ne regrette rien” (No me arrepiento de nada, en español) en dicho idioma.

Finalmente para cerrar con broche de oro, se presenta el actor Diego Jaúregui interpretando a un hombre ya maduro homosexual, quien tras la muerte de su madre a quien promete en el ocaso de su vida proteger a su millonaria tía Lupita, se irá a vivir con ella, sin darse cuenta que ello le constaría muchos conflictos con ella y las críticas incesantes de sus familiares.

LOS HABLADORES 2021 seguirá amenizando al público con nuevas puestas en escena unipersonales las próximas tres semanas. Se presentan en el Teatro Helénico en días sábados hasta el 3 de octubre.

BEAUTIFULL JULIA

POR: Dalia María Teresa de león Adams.

Obra teatral que dibuja la realidad qué desgraciadamente los jóvenes hoy en día enfrentan en éste mundo lleno de violencia, la cual se infiltra en las grandes selvas de asfalto como se han ido convertido nuestras ciudades. En ellas sólo el más fuerte puede lograr sobrevivir al “bulling” ante la inclemencia de la agresividad, la injusticia y el constante abuso que surge por parte de los victimarios, quienes someten a sus múltiple víctimas. 

Ésta es precisamente la temática a tratar en la puesta en escena de BEAUTIFUL JULIA. Le contaré que el Sistema Nacional de Creadores de Arte del Fondo Nacional apoyó a facilitar el proyecto y la creación de este libreto, original de Maribel Carrasco; obra que se presentara inicialmente en el teatro Xavier Villaurrutia, bajo el subsidio del INBA Tras del éxitos obtenido en su breve temporada la obra teatral juvenil  BEAUTIFULL JULIA  a partir del 5 de junio del 2019 reinició el ciclo de temporadas, pero en dicha ocasión en el Foro “Sor Juana Inés” de la UNAM.

Hoy en día ésta creación del grupo creativo “Los endebles” llega al Foro “La Gruta del Centro Cultural Helénico teniendo como tema medular –el instinto y la identidad de género durante la adolescencia, como ellos mismos manifiestan.-

Respecto a la trama, a manera de sinopsis “Los Endebles” escribirían tiempo atrás al respecto, de manera textual al respecto, expresándose con el siguiente párrafo, para dar a conocer la temática medular en torno a la cual se desarrolla ésta obra teatral:

-“Daniel lucha por sobrevivir, demostrando que puede defenderse porque es fuerte de la manera en que todos los demás creen que se es. y se Tiene que ser fuerte lastimando a otros, ejerciendo esa fuerza brutal para violentar y así poder mantenerse al margen de la exclusión, pero con el temor de enfrentarse a sí mismo. Para ello tendrá que ser capaz de sofocar su instinto, ya que de no hacerlo, podría ser realmente peligroso.¡ Julia lo observa atenta!”-

Con su obra BEAUTIFUL JULIA Maribel Carrasco logró conjugar un drama totalmente vigente en el cual dibuja la psiquis de una niña, quien por habitar el cuerpo de un joven, constantemente sufre de abusos por el sólo hecho de ser diferente al resto de sus compañeros. 

El rechazo de éstos jóvenes quienes sufren comúnmente estando en su núcleo familiar, así como la difícil tarea que ellos enfrentan al no poder reconocerse sin culpas y baja autoestima, su esencia real, aunado con un sentimiento de vergüenza, toma sentido en algunos de los personajes de éste interesante drama.

El amor es otro de los tintes de la trama, el cual se presenta con la candidez de la primera vez, cuando se da el despertar de  la adolescencia con el maravilloso  sentimiento que hacen vibrar por la persona amada, teniendo el alma a flor de piel.

Le comento por si aún no lo sabe qué Maribel Carrasco (como a-priori mencioné, es la autora de BEAUTIFULL JULIA) nació en Cuautla, Morelos en el año de 1964 . Es escritora, actriz y diseñadora tanto de muñecos guiñol como de vestuario. Cuenta con un taller de dramaturgia para creadores artísticos. Sus dramaturgias has sido presentadas en Canadá, España, Italia y Colombia, además de participar en festivales y encuentros nacionales e internacionales de dramaturgia; hecho que le está colocado en el gusto del público.

La dirección corre a cargo del maestro Boris Schoemann, director, actor y traductor francés (Paris 1964) quien actualmente funge como directivo del Teatro “La Capilla” y “Salvador Novo” y es quien logra con ésta puesta en escena un trabajo febril y sorprendente que adquiere tintes sutiles, empero a lo cruenta de la temática a tratar. 

Esto lo logra con el apoyo escenográfico de Jesús Giles, quien utiliza el apoyo multimedia de una gran pantalla la cual muestra escenas alternas a la representación actoral; escenas que se acompañan con la musicalización oportuna  de Fede Schmucler.

En la obra teatral BEAUTIFUL JULIA actúan Fernanda Echeverría, Rebeca Roa, Baruch Valdez/ Rodrigo Olguín, Alfredo Veldañez y Ulises Galván. Actualmente se presenta como le comenté en el Foro “La Gruta” en días sábados y domingos a las 13:00 horas finalizando temporada el 21 de noviembre del año en curso.

EL AMO DE LA CASA

POR: Dalia María Teresa De León Adams

-“A raíz de la ausencia de su mujer, Pepe, un hombre educado a la antigua, se verá obligado a asumir la responsabilidad de la educación de sus dos pequeños hijos además de llevar una casa, juntos aprenderán las labores domésticas y tal vez algo más.

Así es como se expresan las compañías patrocinadoras “Díaz de Teatro Producciones” y “Ovejas Negras” con respecto al contenido de ésta dramaturgia Luis Miguel Osorio, quien además, por cierto, es el director artístico de ésta puesta en escena.

Contando con las actuaciones estelares simultáneas de Vicente Ferrer y Mauricio Estrada, el montaje escénico de EL AMO DE LA CASA inició el día de ayer, jueves 9 de septiembre su temporada de representaciones en uno de los dos foros del Teatro “Bellescene” en la Ciudad de México.

El texto esta escrito a manera de monólogo con el que el actor protagónico Vicente Ferrer dio inicio caracterizando el personaje de Pepe. Éste muestra lo difícil que resulta cubrir las labores domésticas para muchos de los hombres educados a la antigua forma tradicional, quienes al no estar acostumbrados a las labores domésticas ni al cuidado de sus hijos, sufren.

La trama dramatúrgica nos presenta a un hombre quien de pronto ante el fallecimiento de quien fuera su esposa María, se encuentra ante la incertidumbre del cómo hacer para tener que educar sólo a su dos hijos, aunado al hecho del tener que llevar a cabo todas las labores domésticas. 

Ante la imposibilidad de hacerlo, contratará a una mujer para atender el servicio de su casa y con ello solucionar lo que pensó sería tarea fácil pero, tras la imposibilidad de poder cubrir los pagos a su empleada doméstica, opta por pedirle matrimonio para con ello, obligarla de alguna manera a hacerse responsable de su hogar de manera gratuita.

Así es como en pocas palabras comienza la trama de ésta obra teatral en donde se descubre la psiquis del personaje, quien acostumbra constantemente hablarle a la fotografía de su mujer fallecida ubicada en una mesita de su sala de estar.

Los hijos son representados por dos pequeños muñecos de peluche, a los cuales el mismo actor protagónico mueve de un lugar a otro en distintos momentos escénicos, con los cuales entabla pequeños diálogos, simulando con ellos la voz de sus pequeños hijos.

Con una duración aproximada de 90 minutos la historieta se representa en un solo cuadro escenográfico, en el cual se ubica un sillón mediano, la mesita con la fotografía, una cocineta con algunos utensilios, una mesa de comedor, un taburete y una lavadora qué en total, dan la apariencia de una casa humilde.

Suficiente apoyo escenográfico para recrear la narración en primera persona de un Yo, protagónico, en ésta puesta escénica unipersonal, que en opinión a la casa difusora de Sandra Narváez el mismo Luis Miguel Osorio:

-“El director comenta sobre como EL AMO DE LA CASA muestra a través del amor y de la cooperación, incluso del sacrificio se pueden transformar estereotipos culturales, por más arraigados que estos se encuentren..

Pepe es un personaje atemporal con el que indudablemente en algún momento de la obra, identificamos a nuestro padre, abuelo o a nosotros mismos y a la vez, al igual que él a superar comportamientos negativos.”-

EL AMO DE LA CASA se presentará hasta el próximo día 16 de octubre en el Foro “Bellescene” con funciones en días sábados a las 19:30 horas.

LA PRIETTY GUOMAN

POR: Dalia María Teresa De León Adams

Volvió al escenario LA PRIETTY GUOMAN con su propuesta de Teatro-Cabaret, ahora en el Forro del “Teatro de la Ciudad Esperanza Iris” celebrando su quinto aniversario con ésta divertida obra.

Es un espectáculo escrito, actuado y dirigido por César Enríquez, quien en compañía con el pianista Álvaro Herrera, ofrecen lo que su creativo considera -un discurso jocoso, valiente y empoderado a reflexionar sobre los tabúes de la sociedad.-

En un tono un tanto irreverente y atrevido César Enríquez se posesiona de su personaje, un chico trans quien expone abiertamente a la mujer que siempre ha llevado bao la piel, de la cual hace alarde. 

Narra algunos pormenores con respecto al rechazo de su identidad, con su familia durante su niñez, narrando la manera del cómo envalentonándose, hizo posesión de su verdadera naturaleza, con orgullo.

La trama describe un viaje tumultuoso a la Unión Americana, entre otras aventuras más, haciéndolo con simpatía, para lo cual hace uso de un lenguaje totalmente coloquial con abundantes palabras altisonantes, las cuales al público hacían reir.

Al respecto del contenido medular de ésta obra, se lee a manera de Sinopsis, en el boletín de prensa:

-“Espectáculo hilarante y divertido que entre anécdotas y parodias de canciones de reconocidas divas como Celia cruz y Madonna hará frente a los crímenes por homofobia, transfobia y misoginia provocados por la intolerancia en la sociedad mexicana actual. Es cáustico, punzante y extremadamente divertido, con el que se busca sacudir al espectador sobre el día a día de hombres, de mujeres, de la comunidad trans y todo aquel ser humano que vive discriminación cuyos efectos son provocados por la perdida de derechos y la desigualdad para acceder a ellos, orillando al aislamiento, la violencia e incluso la muerte.”-

En el escenario a un cuadro con duración aproximada de 90 minutos, aparece a manera de tramoya un automóvil, que es usado por el actor protagónico en varios momentos escénicos.

El montaje escenográfico muestra una silla y un piano que el músico Álvaro Herrera utiliza para interpretar en vivo, algunas melodías que LA PRIETTY GUOMAN canta y, que han sido icónicas en el repertorio de Madonna, Celia Cruz, Lucero y Juan Gabriel, entre otros astros de la música contemporánea. 

Ello haciéndolo a manera un poco de parodia, sin embargo se podría decir que la canción que abandera a la PRIETTY GUOMAN es precisamente “Pretty Woman” lanzada en 1964 con el interprete estadounidense Roy Orbison. Tema musical de la película que lleva el mismo título “Mujer bonita” bajo la adaptación de Pigmalion que catapultara a la actriz hollywoodense Julia Roberts en el año de 1990 (junto a Robert Gere), a la cual por supuesto, también parodia César Enríquez.

Para tal efecto utiliza en el escenario tres distintos vestuarios, siendo el inicial una larga y llamativa bata, para poco después retirarla y aparecer en un atuendo femenino provocador y finalmente, un vestido largo de gala. 

El colorido de su atuendo va acorde con sus pelucas de cabello largo rizado en tono castaño, en tanto que la segunda en tonalidad rosada, el uso de botas altas con doble tacón y una flor en el pelo.  

Finalmente le comento que LA PRIETTY GUOMAN ha participado en diversos festivales y ha sido llevado a teatros como en el Centro Cultural Helénico, en el Xavier Villaurrutia del INBA, en el Teatro Esperanza Iris, en el foro principal de La Capilla en la Ciudad de México, además de presentarse en el estado de Guadalajara y España.

UN VIAJE EN-CANTADOR

POR: Dalia María Teresa De León Adams

Existen obras qué aún siendo muy buenas, nos ofrecen pocas palabras para describirlas, como es el caso de UN VIAJE EN-CANTADOR en donde el grupo creativo entusiasta, utiliza empero diversos elementos actorales, en su nueva puesta en escena.

Tal vez sea por no ser como comúnmente resulta, un montaje escénico en que tiene gran peso, el texto contenido por múltiples diálogos que van construyendo las escenas a presentar. 

En el caso de UN VIAJE EN-CANTADOR la musicalización y canto de bellas melodías internacionalmente conocidas, pertenecientes a diversos géneros y épocas, son las que se posesionan en el escenario, dandole forma a la creatividad escénica.

El tango “El día que me quieras” que catapultó a Rodolfo Valentino (Castellaneta, Italia 1895-1926), “La vie en rose” que consagrara a la internacionalmente famosa baladista francesa Edith Piaf (Paris 1915-1963) entre otras bellas canciones, son interpretadas y aplaudidas por el público asistente, quien pasamos una bella experiencia escénica, sin que se apreciara para nada, a manera de concierto musical.

Ello ocurre aunado a pequeñas narraciones; dos particularmente que se van contando tras cada número musical, teniendo ambas sin embargo, continuidad.  De dicho modo con la narrativa y haciendo volar la imaginación, nos transportaron de pronto a la bella, romántica y legendaria ciudad de Venecia, Italia.

Desde ahí la mente se integra con la descripción de góndolas, que se guían a través de un torrente de vino tinto. Paralelamente aparece el cuento o anécdota en torno un gran elefante y el minúsculo ratón; dos grandes seres amistados por ser tan parecidos pero, tan diferentes en forma y constitución física.

Tres jóvenes artista en escena aparecen, dos de ellos cantando, en tanto que el tercero recurre a la técnica del mimo, para con éste recurso escénico ilustrar los números musicales entonados de manera alternante a una voz masculina, en tanto que en otras ocasiones por la interpretación femenina qué en algunos de los números musicales casi finales al espectáculo, se unen para compartir una misma melodía. 

El número dansístico también forma parte de éste espectáculo escénico, presentado en un cuadro escénico en donde tan sólo aparece como recurso escenográfico, una plataforma elevada al fondo del escenario, en tanto que abajo hacia el frente, se ubican tres sillas.

Y casi por concluir UN VIEJE EN-CANTADOR de pronto ocurrió el sismo que dio lugar el mismo día de ayer 7 de septiembre durante la función, por lo que parte de los espectadores nos marchamos en espera de saber sobre nuestros seres queridos.

UN VIAJE EN-CANTADOR -el concierto clown sobre la diversidad del mundo y de quienes lo habitan- como la misma compañía de “Cuerpos Fugitivos” lo denominan, se presenta en el Teatro “La Capilla” en la ciudad de México en días martes.

Ello bajo la dramaturgia y dirección de Gerardo Estrada, quien además funge como uno de los actores y cantantes en ésta puesta en escena, junto con Andrés Tonacatecuhtli, el intérprete en la lengua de señas. 

Proyecto patrocinado por el Sistema de Apoyo a la Creación y Cultura del FONCA, el ANTI, Los Endebles y la Secretaría de Cultura que se presentará en breve temporada hasta el día 28 de septiembre.

FIESTA MEXICANA

POR: Dalia María Teresa De León Adams

-“La Filarmónica de las Artes celebra con su público las fiestas patrias en el Teatro Ángela Peralta con dos conciertos que el público no deberá perderse por su emotividad, el primero, Salsa Espectacular y el segundo evento Fiesta Mexicana, una mezcla para recordar al Divo de Juárez Juan Gabriel en su quinto aniversario luctuoso y 50 años de carrera, acompañado de canciones representativas de la música regional mexicana.-“

Es lo que Usted podrá disfrutar, según el Showcase y conferencia de prensa ofrecido por la difusora de Sandra Narváez, en el hermoso Antiguo Palacio de Coyoacán, en donde pudimos disfrutar de una probadita musical de lo que será el próximo festejo a colación de la fiesta patria.

Y como Usted bien sabe, el movimiento de Independencia de México (1810) fue la consecuencia de un proceso político y social resuelto por medio de las armas, que puso fin al dominio español en los territorios de la entonces Nueva España y,  a cuyos héroes (Miguel Hidalgo y Costilla, Ignacio Allende Unzaga, la corregidora Josefa Ortiz de Domínguez  su esposo el Corregidor, José María Morelos, Mariano Matamoros, Leona Vicario y finalmente Agustín de Iturbide)  debemos la abolición del yugo de la corona española, según se hizo constar en el Acta firmada el 28 de septiembre de 1821, que establecería a nuestro México, como región Independiente del Imperio peninsular.

Pero volviendo a la FIESTA MEXICANA le comentaré que la Orquesta Filarmónica de las Artes, cuyo director es el Señor Enrique Abraham Vélez, ya se había presentado en el Teatro Ángela Peralta, ofreciendo cinco funciones en el pasado mes de junio, entre otras en espacios al aire libre.

Los arreglos musicales estarán a cargo del arreglista residente Emmanuel Vázquez, teniendo como productora a la misma Filarmónica de las Artes en co-producción con Dunkel Arts y Diego Careaga.

EN HORA BUENA!!!

LA PLAZA DE JUAN Y JUANA

POR: Dalia María Teresa De León Adams

Para toda la familia, como suelen ser los eventos montados por “El Carro de Comedias de la UNAM” generación 2017 LA PLAZA DE JUAN Y JUANA se presenta para el deleite familiar, bajo la batuta de Álvaro Cerviño y Novohispunk.

Puesta en escena perteneciente al género teatral de la comedia de enredos, basada en la dramaturgia “La Verdad Sospechosa” de Juan Ruiz de Alarcón, considerada como su obra magnánima.

Fue escrita entre 1618 y 1621, antes de la muerte del rey Felipe III de España y editada en el año de 1634. Ha sido llevada a múltiples escenarios del mundo entero. Recordemos qué Juan Ruiz de Alarcón y Mendoza (España 1581-1639) fue un escritor novohispano, quien perteneciera al denominado Siglo de Oro Español, en el periodo barroco. 

LA PLAZA DE JUAN Y JUANA además contiene algunos elementos de la prosa dramática de Sor Juana Inés de la Cruz intitulada “Los enredos de una casa”. Monja jerónima ilustre, cuyo nombre real fuera Juana Inés de Asbaje Ramírez de Santillana (Nepantla 1648-1695) la cual, por cierto, es representada someramente en uno de los tiempos escénicos de la obra.

 Se introducen ritmos de son jaracho, así como música de banda, con lo cual la compañía teatral logra otorgarle un toque fársico muy divertido, que Álvaro Cerviño acompaña de manera oportuna con algunos de los diálogos, a los cuales les otorga un toque risible.

Otra peculiaridad es la de agregar al texto versificado de Juan Ruiz de Alarcón y Sor Juana Inés de la Cruz (como fuese a la usanza secular) algunas frases y palabras de uso coloquial de hoy en día, así como vocablos que son parte de la tecnología moderna.

La adaptación del texto por parte de Álvaro Cerviño, por supuesto respecta la trama en general en la cual se presentan a dos parejas, victimas de los enredos ocasionados por uno de los personajes protagónicos.

-“En palabras de Álvaro Cerviño: La adaptación de  estas dos obras consistió en rejuvenecerlas y ponerlas al día. Son versiones actuales en las que se ha respetado la esencia del texto, expresando los versos de una manera moderna, fresca y con conjugaciones del español actual mexicanizado, para que la historia fluya de manera más amena hacia el público, en especial hacia los jóvenes que creen en el amor.”

Son dos comedias ubicadas en la época contemporánea, despojadas del aire acartonado y académico con el que a menudo se las ha etiquetado.” 

Según advirtió la compañía difusora del Centro Cultural Helénico, en cuyo teatro principal se está representando la obra teatral LA PALAZA DE JUAN Y JUANA a partir del día de ayer, sábado 4 de septiembre y, dicho sea de paso, ya se había montado en el espacio escultórico de la UNAM años atrás, en el 2017, formando además parte de un Festival.

Y como asegura la Compañía:

-“Todo mundo miente: ya sea para salir de un simple enredo, para engañar descaradamente a todo un país o, inclusive con el fin de lograr un amor anhelado. para esta pieza, Juan Ruiz de Alarcón creó al mentiroso por excelencia, descarado, compulsivo, encantador y en el que hasta la verdad más absoluta resulta sospechosa.”-

KASSANDRA

POR: Dalia María Teresa De León Adams

Dramaturgia original del escritor uruguayo Sergio Blanco, bajo el histrionismo actoral de Emiliano Ulloa. Es una moderna propuesta actoral presentada en el idioma inglés, en la cual se da cabida a temáticas medulares como lo son el destierro, la vulnerabilidad, la guerra y el exilio, aún cuando son tratadas de manera somera.

La trama rompe irremediablemente con la estructura clásica del mito griego, para posesionarse bajo la piel de KASSANDRA caracterizada por el actor Emiliano Ulloa de una manera descarnada, en el sentido en que asume la homosexualidad del personaje, llevándolo a hablar sin tapujos respecto al gozo de su sexualidad, comprometida y llevada tanto por impulso, como por obediencia, en los sucesos acaecidos en la mítica tierra de Tebas, bajo designios del Olimpo.

El texto de Sergio Blanco narra el amor de KASSANDRA así llamada por su homosexualidad en dicho texto, la cual abraza. Ventila el amor a su hermano Héctor, que le lleva a vivir una relación incestuosa y muy libre con su ausencia. 

Todo ello bajo el recurso del genero teatral del monólogo o del espectáculo unipersonal, que logra llevar al personaje de KASSANDRA a ser el Yo narrador, en primera persona, de lo hechos acontecidos en la historia mítica.

Así el personaje cuenta algunos de los pormenores del amor florecido por su hermano Héctor. Por supuesto que no podía faltar la anécdota referente a su otro hermano llamado Paris, quien ante la seducción nacida entre él y la reina Helena de Troya, penetra en su tierra, en donde fallece irremediablemente Héctor. 

Así KASSANDRA llora a su gran amor por Héctor, llamándolo “my boyfreind”. Continúa narrando los pormenores del mito griego, pero otorgándole mayor peso escénico a lo que en base a la adaptación de Sergio Blanco, sería el sentir de su KASSANDRA prostituida.

Todo ello bajo la dirección artística de Luis Eduardo Yee, quien propone presentar al personaje protagónico en un mundo actual, convirtiendo de dicho modo ésta obra, en vigente, renovable y ante todo cuestionable. 

Se presenta el monólogo en un inglés que el mismo Eduardo Yee denomina como “precario”, hablado de una manera un tanto pausada, lo cual permite que el público lo entienda fácilmente.

Con respecto a ésta puesta en escena, podemos leer en el comunicado de prensa las siguientes aseveraciones al respecto de éste montaje escénico:

-“Sergio Blanco (Tebas Land, La ira del Narciso) retoma el mito griego de Casandra, quien pidió al dios Apolo, le concedieran el poder de la clarividencia para predecir el futuro. Apolo enamorado de la joven al ser rechazado por la misma, la maldice. De ese modo, Casandra conserva la clarividencia y pierde el don de la persuasión: nadie creerá en sus vaticinios.

Bajo esa premisa, el dramaturgo y director teatral que radica en Paris, propone una Casandra contemporánea: una chica trans, prostituta y migrante, que vende productos de contrabando afuera de un bar clandestino. Un personaje femenino lleno de matices que habita el cuerpo masculino con inconformidad y habla un idioma que no es el suyo.”-

KASSANDRA se ha presentado en escenarios en escenarios latinoamericanos y europeos. Actualmente bajo la producción de “Matriohska Red Creativa” usted la puede ir a ver al “Foro Shakespeare” de la Ciudad de México en días lunes y martes.

MADRID, CHERNÓBIL

POR: Dalia María Teresa De León Adams

Montaje escénico recreado en la obra “Voces de Chernóbil” (1997). La obra galardonada con el Premio Nobel de Literatura, de la escritora Svetlana Alexándrovna Alexievich nacida en Ucrania soviética en 1948, más reconocida en el medio intelectual como Svetlana Alexievich, quien la escribiese justo en el año de 1997.

MADRID, CHERNÓBIL  es una adaptación escrita por los dramaturgos y actores originarios de España, Fernanda Valencia y Guillermo Logar. Ambos integrantes de la compañía denominada “The R. Mutt Society” y quienes comentaran recientemente a la prensa en México qué tras un intento por tratar la temática acerca de la problemática que se gestara a través del accidente radioactivo en Chernóbil, de pronto la trama fue fraguando poco a poco un paralelismo con la aparición y expansión masiva de la enfermedad mortal masiva, producto de la aparición del llamado Coronavirus. 

Dos temáticas cruentas a tratar en nuestro mundo lastimado ante la detonación de ambas problemáticas que han venido a cambiar severamente el “modos vivendus” del ser humano en la actualidad, gestando con ello, algunos cambios en nuestro medio ambiente aparentemente benéficos para la fauna.

La trama en ésta puesta en escena retoma primero a Chernóbil; es decir  al accidente nuclear ocurrido el 26 de abril de 1986 en la central nuclear Vladímir Ilich Lenin, localizada en la región norte de Ucrania, la cual pertenecía en ese entonces a la Unión Soviética, situada a tan sólo 3 kilómetros de la ciudad de Prípiat.

Por otro lado la trama aborda el nuevo virus gestado o aparecido en el continente asiático, es decir, específicamente en la China, propagado con una velocidad inaudita por todo el globo terráqueo. 

De pronto las calles se vieron totalmente desoladas. La gente tuvimos que quedarnos en casa para resguardarnos. Imágenes fílmicas y fotográficas son mostradas durante gran parte del tiempo escénico de ésta obra teatral, mediante un equipo multimedia que muestran por supuesto el accidente en Chernóbil.

Paralelamente se recrean algunas avenidas de Madrid, Nueva York y la Ciudad de México, tres ciudades que se vieron totalmente desoladas ante el miedo al contagio mortal. Tomas ausentes de tránsito de vehículos y de personas. Las mascaras antigases y los cubre-bocas entonces aparecen con gran protagonismos en las escenas fragmentadas en cinco capítulos.

Puesta escénica controvertida y actual, perteneciente al género de la narrativa y povest que aborda la realidad, matizando con ello la obra con brotes de documental.

Aparecen entonces pequeñitos entrevistados que pese a su corta edad, muestran ser partícipes de las medidas precautorias tomadas por los gobiernos y el mismo pueblo al respecto, concientes ya del problema.

Hospitales repletos de enfermos aparecen, a la vez que los dos actores, Fernanda Valencia y Guillermo Logar aparecen simulando montar a la vez la meta-escena de una próxima obra interrumpida, ante el inminente cierre de los teatros.

MADRID, CHERNÓBIL  es esto y más. Es una obra teatral que muestra la creatividad de Fernanda Valencia y Guillermo Logar, así como lograr hacer del arte escénico, un medio para la reflexión.

MADRID CHERNÓBIL  se presenta en muy breve temporada ésta semana del 2 al 5 de septiembre en el Teatro “La Capilla”.

SUKHA. La insurgencia del gozo.

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

Una pieza que desde la danza, el teatro y la videoinstalación, nos invita a reflexionar en torno a la idea del gozo como una forma de re-existir en un mundo donde la promesa de ser felices se basa en el consumo desmesurado y, por si fuera poco, el miedo se erige como la mejor forma que el sistema ha encontrado para controlarnos….

SUKHA –palabra en sánscrito que significa “el estado de verdadera y permanente felicidad”- es una apuesta por enunciar el deseo de transformación desde una alternativa de gozosa. Esta pieza defiende a la alegría, el baile, la música y el canto, como formas de combatir al esclavismo, la violencia y la opresión a las que nos ha sometido el sistema.

Es así como se expresa la compañía difusora a cargo de la Señorita Gaddi Miranda para la presentación de la puesta en escena SUKHA. La insurgencia del gozo. El espectáculo de la compañía “UDÂNA Plataforma de Creación Escénica” dirigido por la creativa colombiana  Sandra Milena Gómez, quien parte de la premisa existencial de que “en medio del dolor y la barbarie, la potencia de existir y la fuerza de nuestra voz, pueden hacernos libres”.

Espectáculo representado en un cuadro, con la música original y el diseño sonoro a cargo de Andrés Solís, quien además es uno de los co-fundadores de la compañía UDÂNA. 

Le comento qué en éste montaje escénico se funden algunas tradiciones indígenas, africanas y europeas, para con ellos amalgamar algunos sonidos análogos, a la vez de fundamentar algunos argumentos, de índole filosófico-existencial en torno al gozo.

Ello lo logran mediante bailes oriundos de Colombia, como son el ritmo de bachaca, vallenato y bullerengue, incluyendo además un baile, con ritmo flamenco casi al finalizar la puesta en escena. 

Así la música y el baile son los ingredientes medulares de éste peculiar montaje escénico, en donde participan compartiendo el escenario Darling Lucas, Bárbara Danae Garcés y Sandra Milena Gómez bailando.

Ellas bailan durante casi todo el tiempo escénico, introduciendo pequeños diálogos que acompañan mediante la presentación multimedia de imágenes, transmitidas a través de una gran pantalla ubicada de manera central en el fondo del escenario, en donde aparecen en algunos momentos escénicos, frases y párrafos acorde a la temática a tratar sobre el gozo.

A manera de utilería, las bailarinas introducen como parte de la tramoya, algunas luces o lamparitas y veladoras que contrastan con el juego de iluminación presentado a media luz, que se utiliza en el foro teatral; además de contar con algunas plantitas manipuladas también por las tres artistas.

Finalmente le comentaré qué SUKHA. La insurgencia del gozo ha sido presentada en diferentes Festivales y, en teatros de Colombia, La India, Los Estados Unidos y ahora en México. Usted la podrá ver en los días jueves en el Foro “La Gruta” del Centro Cultural Helénico, hasta el día 28 de octubre.

ALGO DE UN TAL SHAKESPEARE

POR: Dalia María Teresa De León Adams

Publicitado el foro a partir del día de ayer viernes 27 de agosto, como el mejor lugar para ver ALGO SOBRE UN TAL SHAKESPEARE la obra del talentoso dramaturgo, actor y director Adrián Vázquez comenzó su segunda temporada de representaciones con el pie derecho (con mucha mierda acorde a la jerga teatral).

Y según los comentarios doctos de la compañía difusora de Sandra Narváez correspondientes al boletín de prensa, con los cuales estoy totalmente de acuerdo, ALGO SOBRE UN TAL SHAKESPEARE es:

-“Una obra de teatro que desde su primera temporada en el 2014 ha sido muy bien recibida por todo tipo de público ya que hace un acercamiento y respetuoso irreverente de la literatura de Williams Shakespeare. La puesta en escena hace un recorrido lúdico por algunas de las obras del más grande escritor dramático de la lengua inglesa de todos los tiempos.

Es una obra ágil, contada a dos voces, con sólo una mesa de cocina como recurso escenográfico. Algo de un tal Shakespeare, es una puesta en escena que explora diferentes lenguajes escénicos (Manipulación y transfiguración de objetos/narraturgia/metáfora del objeto/mima corporal en algunas de las obras más representativas de El bardo de Stratford (Romeo y Julieta, Macbeth y Titus Andrónicus). 

En mi opinión Adrián Vázquez transforma con habilitad el contenido eminentemente trágico de éstas obras, consideradas de las más emblemáticas de William Shakespeare (Stratford-upon-Avon, Reino Unido1564-1616 ) bajo un divertido humorismo negro, al adaptar y sintetizar los textos bajo un lenguaje coloquial, con algunos matices sutiles de contemporaneidad, convirtiéndolas en una obra farsica.

En cuanto a la actuación de Adrián Vázquez resultó ser un deleite total para el público quienes gozamos de la habilidad del dueto que se presenta junto con la actriz Sara Pinet (egresada de la UNAM generación 2005-2009 quien goza de un curriculum laboral muy amplio y prometedor). 

Los dos actores en escena muestran su agilidad en la realización de movimientos corporales, modulación de voces y, por supuesto en el histrionismo basado en la versatilidad con la cual caracterizar a los diversos personajes que precisa ésta trama, con toques de ilustración.

De dicha manera, a la vez de escenificarse éstas tres distintas obras de Williams Shakespeare, se otorgan datos fehacientes que van desde la historia muy resumida de Inglaterra tras del la época del Medioevo, para con ello lograr ilustrar efímeramente las circunstancias históricas Isabelinas, en las que tan afamado escritor inglés viviese, dándole forma como resultado, a éstas icónicas tragedias.

Y si aún Usted no ha escuchado o visto alguna de las dramaturgias de Adrián Vázquez, le comento qué tras de haber sido egresado con el título de director, actor y dramaturgo, en la Universidad veracruzana, ha certificado talleres de Arte Escénico, así como programas.

Por supuesto ha sido director escénico en varias ocasiones, además de ser el creativo de exitosa obras teatrales como lo es por ejemplo “Wenses y Lala.”  Dramaturgia la cual le ha brindado diversos reconocimientos en el medio teatral. 

Finalmente le comento qué como actor ha participado en diversas series con actores importantes como Mel Gibson, Matt Damon y José María Yazpik y aunque tiene dotes de actor, su pluma lo excede.

ALGO SOBRE UN TAL SHAKESPEARE es producido por la Compañía Teatral Los tres tristes tigres” (de la cual es director) y se presenta gracias al patrocinio de La Producción Nacional de Teatro LISR EFIARTES ASUR en el Foro Shakespeare.

EN HORA BUENA ADÍAN VÁZQUEZ!!!

EL TESTAMENTO DE MARÍA

POR: Dalia María Teresa De León Adams

Es evidente que la figura de Jesús Cristo ha sido totalmente trascendental, no tan sólo para los feligreses o creyentes cristianos, católicos, evangelistas, protestantes, testigos de Jehová, etcétera, sino incluso para musulmanes y judíos, quienes si bien, no lo consideran como deidad, le reconocen como profeta o un ser especial.

Escuchar sobre la vida de Jesús por tanto, resulta algo común, aún venido de la boca de los ateos, quienes lo mientan para hacer referencia a su nula fe. En el arte también ha sido esculpido en piedra, mármol, o en madero, y muchos pintores han hecho gala de su destreza con el pincel, reflejando su imagen.

En el círculo cinematográfico y teatral su vida y muerte han sido temática llevada al escenario, pero el intentar conocerlo mas de cerca a través de la madre de Jesús, ya es otra tarea.

Justamente, aún cuando desde luego EL TESTIMONIO DE MARÍA sea evidentemente un enfoque salido solamente del imaginario del escritor Colm Tólbin, quien en base a la ficción, le da voz a la madre de Jesús en su novela, el texto no deja de ser por sí sumamente interesante.

Le comento qué en la ciudad de México EL TESTAMENTO DE MARÍA a manera de dramaturgia teatral ha sido montada en 13 distintas ocasiones, siendo la última en el foro “La Gruta” del Centro Cultural Helénico.

Obra traducida al español por Humberto Pérez Mortera, bajo la dirección escénica de Itari Marta y con la actuación estelar de Luly Garza, quien se desgarra en el escenario al protagonizar a María testificando los pasajes más desgarradores de la muerte de Jesús el Nazareno.

A manera de monólogo, el texto es escenificado presentando los que pudieron haber sido los pormenores de la personalidad de Jesús, el cual es enfocado desde una perspectiva totalmente humana, sin desmerecer, su enfoque divino.

En un tiempo aproximado de 90 minutos, la trama toma poco a poco el matiz cruento pero elocuente de la vía crucis de Jesús, como un líder de quien se narrara que curaba y hacía milagros.

Todo ello dentro de un cuadro escenográfico que simula ser tan sólo la vivienda de María; personaje protagónico quien narra mientras se entrega a la tarea de cocinar, uno a uno los pormenores de la crucifixión.

En cuanto a la psiquis del personaje, la actriz Lucy Garza encarna a María bajo distintas gamas emocionales que le permiten desarrollar su gran histrionismo a través del formato unipersonal. 

Así, distintos pasajes reconocidos por la Biblia como lo es su encuentro con Lázaro, a quien resucita, por mencionar alguno, son pormenorizados por la actriz en momentos con angustia, en tanto que en otros con enojo e incluso con miedo y frustración, de una madre judía.

No en vano podemos leer en cartelera teatral la siguiente aseveración sobre éste montaje escénico:

-“ Atrevido y premiado monólogo, de emociones fuertes y complejas en el que una maría de Nazaret atormentada por la culpa al final de su vida decide confesar de una vez por todas la verdad sobre lo ocurrido a su hijo en Jerusalén.

Más de cien representaciones. Nominada a mejor monólogo por las dos asociaciones de críticos mexicanas.

EL TESTAMENTO DE MARÍA se está presentando en el foro “La Gruta” los días sábados hasta el 16 de octubre 2021.

MARIELA PERDONA

POR: Dalia María Teresa De León Adams

¿Quién no ha perdido un marido, un hermano, un hijo, o en fin alguna persona muy querida o estimada dentro de un régimen asolado por el conflicto armado, autoritario y recalcitrante? Justamente de eso tratan la primera y segunda parte de la obra teatral MARIELA PERDONA presentada por la Compañía “Máquina Poética”.

Puesta en escena unipersonal estelarizada por la actriz, dramaturga y directora colombiana Claudia Tobo, cuya  formación en artes escénicas comenzaran en “La Casa del Teatro Nacional” en Colombia, además de ser la creativa y directora de la compañía teatral “La Máquina Poética”.

Obra escénica que es aborda mediante un monólogo emotivo basado en la cotidianidad de una mujer, quien durante la guerrilla colombiana pierde a su marido. Un hombre sencillo fusilado ante la negativa de cultivar droga en su campo cafetero y cuyo cadáver, desea al menos poder recuperar para enterrar su cuerpo.

También padece la perdida de su hermano desaparecido ante tal conflicto desatado en su país, a quien llora sin saber de su paradero, si vive o ha muerto al igual que muchos otros conocidos.

Aunado a todo ese dolor, sufre junto con todo su pueblo a quienes conoce y la conocen sin saludarse, por temor a represalias de la guerrilla. Así es como vive Mariela una vida llena de austeridad y negación a la libertad.

Empero a lo cruento de la temática a tratar, la obra es tratada bajo dos efectos, uno obviamente con la crudeza, tristeza y desesperanza a flor de piel padecida; en tanto que otros momentos escénicos, el monólogo es abordado bajo matices de humorismo y amabilidad desarrollado por el personaje de manera versátil.

La psiquis del personaje salta de una emotividad a otra durante el tiempo escénico de aproximadamente 70 minutos, en un escenario planeado en un solo cuadro que muestra algunos objetos que reflejan la austeridad de la mujer protagonizada. 

Así es como la actriz Claudia Tobo aparece en escena dándole vida a MARIELA, personaje de ficción el cual constantemente establece diálogos pequeños con el público, al que cuestiona en varias ocasiones, o bien, invita a colaborar de diversas maneras como pidiendo la hora a un espectador, por ejemplo, o el pedir que alguien del público encienda una pantalla de plasma para mostrar con él, algunos paisajes de su tierra natal Colombia, la cual se ha desangrado a través de 50 años de conflicto armado, agresión, sometimiento y por supuesto de una infinidad de arbitrariedades.

Recordemos qué el conflicto armado de Colombia ha sido a partir de la década de los 60’s en el siglo pasado y desgraciadamente aún no ha concluido. Guerra considerada asimétrica la cual perdura tras de haber sido detonada ante los conflictos internos gestados entre (1928-1958) por los partidos “Liberales” en oposición a los “Conservadores” enfrentándose como resultado la extrema izquierda contra grupos paramilitares de extrema derecha. Posteriormente se sumarían Cárteles del Narcotráfico bajo el apelativo de “Bandas Criminales (Bacrim) y Grupos Armados Organizados (GAO)

MARIELA PERDONA tras de concluir temporada en el Teatro Principal de “La Capilla” el día 27 de marzo, tiene programada varias representaciones en uno de los Teatros del IMSS y, posteriormente se presentará en el “Circulo Teatral”

LOS DESARRAIGADOS

POR: Dalia María Teresa De León Adams

A manera de homenaje al inminente hombre de teatro Xavier Rojas, la Compañía Nacional de Teatro (CNT) y el Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (INBAL) presentan el día de hoy martes 12 de agosto en el marco de las 19:00 horas, una única función por la conmemoración de los 100 años de su natalicio. 

Me refiero a la obra teatral LOS DESARRAIGADOS que a manera de lectura dramatizada se presentará justamente en el foro que lleva su nombre, es decir, en el Teatro “El Granero Xavier Rojas” que forma parte del Centro Cultural del Bosque. Recinto artístico el cual, dicho sea de paso, fuera el primero en ser construido en el CCB, corriendo el año de 1956.

Recordemos qué Xavier Moreno Monjaráz, conocido en el medio teatral como Xavier Rojas, nació un 17 de agosto del año de 1921 y aún es recordado por su labor como dramaturgo y director  escénico.

Es por dicha razón qué desde el día de ayer lunes 16 de agosto, se diera una función preliminar a la prensa, quienes acudimos para presenciar la función LOS DESARAIGADOS de Jorge Humberto Robles Arenas, bajo la dirección escénica de Daniela Parra.

Esto en el marco de la campaña efectuada por la Secretaría de Cultura del Gobierno de México, cuyo nombre lleva #Volver a verte. Tal vez ahora Usted se pregunte el ¿por qué galardonar a Xavier Rojas con una puesta en escena que no fuera de su autoría?

Que se escogiese la obra LOS DESARRAIGADOS tiene una respuesta sencilla. Simplemente porque fue con dicha dramaturgia, que el foro teatral “El Granero, Xavier Rojas” abriera por primera vez sus puertas, en 1956.

LOS DESARRAIGADOS según su compañía difusora:

 –“Es una obra costumbrista con una visión lejana del universo actual. Puede quedar como una monolítica pieza empolvada de museo. Pero cuando llegamos a la escena de ¿Papá, ya no tome! O de ¿Déjenme, déjenme, estoy en mi casa se alcanza a escuchar las voces de la Época de Oro del cine nacional, y no es para menos, ya que la obra fue estrenada a mediados de los años cincuentas.”-

Lo que también es cierto, es qué continúa reflejando diversas problemáticas entre la llamada sociedad chicana, con respecto a la mexicana y la estadounidense, pues “los chicanos” continúan siendo la sociedad totalmente de LOS DESARRAIGADOS quienes no se sienten, ni son vistos, ni mucho menos son tratados, como pertenecientes a las tierras fronterizas. 

La lectura es efectuada por parte del repertorio estable del CNT quienes entonan y modulan sus voces con gran emotividad, brindando a la lectura ese toque histriónico que sólo los actores de gran talla logran matizar, como en éste caso. 

De tal modo que el público realmente reaccionamos ante la psiquis a flor de piel de cada uno de  los personajes, olvidamos en diversos momentos escénicos que se trataba de una lectura, cayendo así en la seducción que posee una puesta en escena ya bien montada.

Concluyo mencionando qué la lectura dramatizada de LOS DESARRAIGADOS será de acceso gratuito para un público adolescente o adulto; pero recuerde que tan sólo el día de hoy se presentará en el Teatro “El Granero Xavier Rojas a las 19:00 en el Centro Cultural del Bosque.

1521: LA CAIDA

POR: Dalia María teresa De León Adams.

Viniendo a colación con los quinientos años, de haber acontecido la conquista en 1521 de las tierras mexicas bajo la batuta de Hernán, Cortes quien arribase a tierras mexicas (1519) por mandato de la corona de España regida por el rey Carlos V, es qué David Olguín, dramaturgo y director artístico de la puesta en escena 1521: LA CAÍDA se diera a la tarea de presentar diversos monólogos acerca de LA CAÍDA de la gran Tenochtitlán (altépetl azteca 1325-1521) lugar en el cual, dicho sea de paso, se construiría la Nueva España como sede del virreinato peninsular español establecido.

El Señor David Olguín, como corresponde a un hombre culto e inquieto por el acontecer de su pueblo, basó sus estudios en los pormenores a-priori y a-posteriori de dicho crucial encuentro, entre dos civilizaciones y razas diversas que unieron sus destinos justo en 1521.

De dicho modo bajo la pluma de David Olguín, veintiún exquisitos monólogos surgieron como producto de los diversos testigos seculares del acontecer histórico manifiesto. 

Me refiero con dichas palabras a que el autor, bajo el intento de precisar a los distintos personajes de dicho episodio histórico, se introduce bajo la piel para tratar de indagar más allá de lo evidente y, con ello, construir la psiquis de cada uno de ellos a manera de ficción.

Así es como cobra vida en el escenario Mademoiselle Lézard quien intenta indagar acerca del brote de epidemias o de enfermedades sufridas; o bien, la voz profetizante de un elocuente chaman o brujo mexica quien pronostica la inminente caída de su pueblo; o la novia de un hidalgo español cuyo compromiso ante tal hallazgo se ve en peligro de rompe, o finalmente el juicio emitido por el pensamiento de una yegua llamada “Rabona” cuyo jinete fuese el español Don Cabeza de Moro.

Éstos cinco monólogos forman parte de la primera representación teatral en uno de los foros del Teatro “El Milagro” en cuyo programa encontramos de manera escrita:

-“A 500 años de la caída de la gran Tenochtitlan, contamos desde los augurios de la llegada de los españoles hasta la rendición de los mexicas el 13 de agosto de 1521. Veintiún voces en contrapunto-personas-personajes históricos y de ficción-dioses y animales- conforman el fresco de aquel encuentro brutal. Su drama intimo, hecho de carne y hueso y anhelos y torturas interiores, acciona en un devenir colectivo. ¿Conquista o rebelión de pueblos originarios contra el imperio que los sojuzgaba? ¿Encuentro o genocidio? ¿Vértigo sagrado o la más estúpidas de las supersticiones? ¿Hasta que por fin vino alguien a descubrirme? ¿Lo que pasó está pasando? Reflexión, ideas, pasiones y vidas reales e imaginarias caminan en el filo de la espada y en los filos de la obsidiana. Aquí hay, pero ante todo vida y diálogo y confrontación con el presente. La historia se encarna en escena. El presente de la acción nos hace imaginar que aquello pudo ocurrir de otra manera y ante todo, que en 1521 se puede recordar y pensar de manera distinta en nuestros días.

Le comento qué 1521: LA CAÍDA en su primera parte, se programaron para ser representados (bajo el rublo de unipersonal) del 12 al 15 de agosto; la segunda parte del 19 al 22 de agosto; la tercera del 26 al 29 de agosto y; la cuarta parte del 2 al 5 de septiembre.

Monólogos amenizados con la música de autores “Anónimos del siglo XVI y de diversos cancioneros seculares de manera fragmentada, que hacen que el espectáculo unipersonal adquiera la ambientación idónea, bajo la propuesta escenográfica y de iluminación de Gabriel Pascal, así como el diseño de vestuario y utilería de Laura Martínez Rosas.

En la obra actúan Laura Melo, Jorge Ávalos, Gutember Brito, Antonio Craviotto, Silvia García, David Hevia, Daphne Keller, Patricia Loranca, Sofía Gabriel Luna, Grissel Ocampo, Emmanuel Pavia, Elizabeth Pedroza, Mauricio Pimentel, Kira Rodríguez, Omar Silva, Elías Toscano, Raúl Villegas, Stefanie Weiss y Sergio Zurita.

PAISAJES ELECTRICOS

POR: Dalia María Teresa De León Adams

-“Caracoles Teatro –de mano de Jockeys- regresa al foro La Gruta con PASAJES ELÉCTRICOS, una obra interestelar circunscrita dentro del género de la Ciencia Ficción. Gibrán Portela y Penélope Alfeirán son los artífices de un texto donde el cosmos y la inteligencia artificial entretejen una historia alucinante que apasionará a los espectadores.”- 

Con éstas palabras se referiría la compañía difusora del Centro Cultural Helénico dirigido por la Señorita Gaddi Miranda con respecto a la nueva puesta en escena que se acaba de estrenar en el foro La Gruta de dicho centro.

Curiosamente hace unos días en un noticiero se decía qué Las consecuencias por los daños que le hemos causado a la naturaleza ya no constituyen una mera advertencia, sino que se está convirtiendo en una realidad. 

Noticia por supuesto realmente alarmante, en el sentido en que por mencionar algo, los polos de la tierra se están descongelando, produciendo como consecuencia maremotos y la huída de los animales locales en su hábitat natural. Algunas especies de animales marinos, así como en los bosques y llanuras poco a poco se están extinguiendo; y la tierra al sobre calentarse provoca irremediables terremotos e incendios, producto de los cambios climáticos. Y así, etcétera, etcétera se puede citar muchos efectos más.

Comentario que hago a-priori, pues justamente es la temática en la cual se enfoca la puesta en escena de PAISAJES ELÉCTRICOS. Pieza teatral dirigida por el Señor Sixto Castro Santillán.

Una obra que ha sido escrita bajo el rubro aún de Ciencia Ficción, pero que habla justamente de la amenaza que poco a poco podríamos enfrentar y padecer por la falta de conciencia en preservar nuestro mundo, al no tomar todos cartas en el asunto.

En otras palabras, es un montaje escénico a cargo de la obra inédita de Gibrán Portela y Penélope Alfeirán quienes abordan como tema medular, el gran deterioro qué según el texto, ya sufriera nuestro planeta Tierra convirtiéndose totalmente en inhabitable. La consecuencia es la desaparición de las especies vivientes y por ende  de casi toda la humanidad.

La trama advierte como algunos de los poco sobreviviente que terminan alojándose en un espacio fragmentado por secciones y máquinas con inteligencia artificial, las cuales deciden y ordenan en medio de un tipo de vida en donde los humanos, dejan de convertirse en ellos mismos para ser algo diferente, con aptitudes y oportunidades diferentes y totalmente limitadas.

El recuerdo de la frescura y aroma de las flores, los manantiales, las montañas y los mares, son un recuerdo heredado. Una búsqueda y un anhelo en las mentes de los pocos sobrevivientes y sus descendientes. 

La puesta en escena tiene como apoyo multimedia la trasmisión de los comentarios de dos actores, quienes aparecen en dos pantallas televisivas, siendo uno de ellos Antón Araiza.

Y no podía faltar en esta trama de ficción, una Voz en Off que sugiere ser una de las Máquinas de Inteligencia Artificial que controlan por “Series” a los humanos sobrevivientes. Todo esto junto con una Mega Fotografía centrada en el fondo del escenario junto con dos rampas, son lo que hacen posible el tiempo escénico de 70 minutos en un cuadro.

PAISAJES ELÉCTRICOS como comentario final le diré, es la obra teatral que por primera vez en el Centro Cultural Helénico, llegó a la radio.

FEROZ

POR: Dalia María Teresa De León Adams

Fábula recreada en el cuento clásico infantil de CAPERUCITA ROJA que fuera transmitido de manera oral en parte de Europa. Posteriormente sería famoso con la pluma de Charles Perrault y finalmente con el talento de los Hermanos Grimm ria conocido en gran parte del mundo. 

Y con la Compañía “Belacqua” la obra teatral infantil de FEROZ (la cual forma parte de la Campaña “#Volver a Verte”, programada por la Secretaría de Cultura del Gobierno de México) esta siendo representada en un escenario de la Ciudad de México. 

La trama del cuento fue adaptada por la escritora María José Pasos y hoy en día está siendo dirigida por Nara Pech y Ulises Vargas, en el Teatro Orientación, teniendo como actrices en el escenario a Gina Martínez y Susan Tax, quienes caracterizan a diversas mujeres entre otros personajes más, junto con el apoyo musical en escena de un joven, quien utiliza diversos instrumentos de aliento y de cuerda para amenizar el montaje.

Con Nara Pech y Ulises Vargas la dramaturgia de FEROZ le da un giro de trescientos sesenta grados al tradicional cuento de la Caperucita Roja, cambiando con ello la consigna de la historia, con la finalidad de hacer reflexionar al público al respecto del abuso infantil que actualmente se padece en nuestra sociedad.

De dicho modo el Lobo FERÓZ termina siendo tan sólo un simbolismo en la trama del cuento representado en el escenario, traducido como “el miedo” y “la culpa” que aparecerán en el mundo onírico de la pequeña Caperucita. 

Ella ante tal circunstancia se imposibilitará a cantar. Y al adentrarse en el bosque para visitar a su abuelita, de pronto contará con el apoyo y los consejos de un colibrí y un pantano, quienes argumentan qué Caperucita deberá controlar y enfrentar dichos sentimientos. 

Con la fortaleza que la pequeña obtiene al librar su mente de miedos y culpas contenidos en la falta de comunicarlos, ello le hará recobrar su canción perdida, convirtiéndose entonces en una Caperucita FEROZ, por su valía.

Uno de los personajes más conocidos en el imaginario mundo de los niños, sin duda alguna ha sido “El Lobo FEROZ”, personaje quien tras varios engaños entra en la casa de la abuelita de “Caperucita roja”,  la pequeña que es conocida bajo dicho apelativo tras de usar rutinariamente un atuendo que incluía una caperuza colorada.

El malvado Lobo FEROZ tras digerir a la abuela se disfrazaría de la anciana, metiéndose en su cama, para con ello poder engañar a su pequeña nieta Caperucita Roja y, tras de varias mentiras, saltar sobre ella deglutiéndola de un solo bocado.

Frases que se utilizan en el cuento serían icónicas e inolvidables, como lo fueran: Pero abuelita, ¿por qué tienes esas orejas tan grandes? Y el lobo responde: ¡Para oírte mejor!; ¿Por qué tienes esos ojos tan grandes? ¿Para verte mejor! Y ¿Por qué tienes esos dientes tan grandes? ¿Para comerte mejor!

Sin embargo no podía faltar en la historieta la mano amiga que la rescatara del Lobo, quien por supuesto sería un fuerte y alto leñador quien con tan solo un golpe en el vientre de la bestia con su hacha, logra sacar tanto a la abuela como a Caperucita Roja. 

En la puesta de FEROZ también surgen tanto las frases icónicas como el personaje del rescatador (el leñador) pero en contraposición con el cuento clásico de “Caperucita Roja”, el lobo solamente aparece en los sueños de la pequeña, como simbolismo onírico, en tanto que el leñador es remplazado por el colibrí y el pantano. Dicho en otras palabras, en la puesta en escena de FEROZ, el lobo es el simbolismo oculto en el sueño, del miedo y la culpa. 

En escena las dos actrices (Susan Tax y Gina Martínez) manipulan a un títere de guante grande, quien es nada menos que la Caperucita. Esta será caracterizada como una niña alegre y cantadora. 

A juicio de la Compañía Belacqua ésta fábula es representada en el escenario teatral de la siguiente manera y, con los siguientes objetivos :

-“Mediante objetos y una conocida fábula: el cuento de hadas de Caperucita roja, niñas y niños conocerán cómo nos enfrentamos a nuestras emociones cuando algo malo nos ocurre y ante situaciones que son difíciles de decir. La puesta en escena propone una versión de la narración tradicional para recordar a las y los espectadores lo poderosa que puede ser su voz, y cómo prevenir sucesos en los que sus cuerpos y sus emociones son violentados.

La obra pretende crear lazos de confianza entre intérpretes y el público mediante objetos inspirados en la naturaleza de los textiles y el trabajo de las tejedoras. De esta forma la historia se desdoblará entre telas para deshacer nudos y tejer encuentros.”-

FEROZ se presenta en el teatro “Orientación” del Centro Cultural del Bosque los días sábados y domingos a las 12:30 horas.

BODAS DE SANGRE

POR: Dalia María Teresa De León Adams

Candente puesta en escena en MARKE TEATRO dirigida por el talento de Ioné Cervantes quien introduce música de orquesta en vivo, que tocan al ritmo del son latino para el despliegue de la coreografía y la presencia en el escenario, de un multi-elenco estelar.

Obra colorida con gamas de sensualidad al ritmo de la música del caribe, que según su director artístico, tienen como propósito el conectar más al público con esta obra de la literatura universal, con nuestra esencia cultural.

Tragedia qué como es bien sabido, fuera escrita tanto en verso como en prosa por el afamado escritor español Federico García Lorca, en el año de 1931, aún cuando ésta fuese editada hasta el año de 1933. 

Fue escrita originalmente para ser montada en 3 actos y 7 cuadros. Empero a ello, la puesta en escena en MARKE TEATRO es en 2 actos y 1 cuadro, los cuales resultan totalmente ser totalmente suficientes para recrear el drama, dándole un toque de más acercamiento con nuestra herencia latina.

BODAS DE SANGRE es reconocida como uno de sus más emblemáticos dramas de Federico García Lorca, junto con “La casa de Bernarda Alba”. Otras de sus creaciones fueron las obras “Doña Rosita la Soltera”, “Mariana Pineda”, “El público”,  “La zapatera prodigiosa” y “Yerma”

Lorca nació en la provincia de Fuente Vaqueros, España en el año de 1898. Fue poeta, dramaturgo y prosista. Su homosexualidad lo llevó a ser ametrallado por las fuerzas fascistas armadas del General Franco (1892-1975) en la región de Granada en el año de 1936. Sin embargo hoy en día, es considerado como el poeta y escritor más emblemático de la lengua española, del siglo XX.

En la trama de BODAS DE SANGRE se presenta el asesinato de Nijar y su rival de amores Leonardo, justo el día de su boda. Algunos de los pormenores que desataron el drama fueron ficcionalizados por Federico García Lorca para formar parte en la obra, mismos que se hacen presentes actualmente en la puesta en escena dirigida por Ioné Cervantes en la ciudad de México en MARKE TEATRO, director escénico quien ubica la trama bajo un estilo totalmente caribeño.  

BODAS DE SANGRE es una obra ubicada dentro del género de la poesía dramática; se sabe que una noticia en la prensa local española, la cual asegurara qué una mujer se fugó el día de su boda, con su antiguo novio, fue un acontecimiento que detonó el la mente de Federico García Lorca los hechos imaginarios de los que pudieron ser los pormenores de la huída de dicha pareja sentimental.

Con ello se fraguaría una serie de circunstancias poco vividas en la España Franquista, como lo serían la libertad de acción, el simbolismo de la muerte y la venganza andaluza, o bien, el quebranto de la idiosincrasia de la sociedad local imperante.

CUIDADO CON EL PERRO

POR: Dalia María Teresa De León Adams

Tema un tanto controversial, en cuanto a que permite cuestionarnos sobre la posible existencia de vida después de la vida. Algo así tal vez, como una muerte sin muerte, una regresión o prospección temporal, o bien, una reencarnación.

Temática inquietante que alguna vez ha venido a nuestro pensamiento, o por lo menos, hemos escuchado mencionar al intentar precisarla como una obviedad de la continuidad de la existencia humana, en la boca de otras personas. 

Incluso también cuando filosofamos sobre el sentido de la vida, queriéndole dar sentido a la existencia; o bien,  tras la muerte de un ser querido a quien nos negamos que de súbito ya no esté más con nosotros y desaparezca por completo del confinamiento del universo material, o abstracto.

El tema empero es tratado de manera muy sutil en éstos dramas escénicos, a través de distintas historias a tratar con personajes totalmente distintos y, con un inicio y final que se ligan sutilmente una con otra, en distintos momentos escénicos de la trama.

Narrada en ocasiones en tanto que en otras actuada, por los cinco actores que aparecen en distintos cuadros escénicos, las historias son tratadas bajo un enfoque surrealista, donde por ejemplo, una muerta puede ser omnipresente e incluso opinar pos-mortem con respecto a sus seres aún con vida.

 En otra escenificación un ser en gestación, narra su experiencia dentro del vientre de su madre, con quien se ata y percibe en estado onírico ,y en posible estado de vigilia, las dos mujeres se encuentran.

Otra de las historia breves a presentar es la de dos personas quienes perteneciente a un grupo étnico oriental, ventilando un poco su cultura e idiosincrasia mediante un diálogo. 

Quizás finalmente aparee un padre carente de calidad fraternal, quien sin tomar conciencia de ello, pierde a su hija.  Y dije quizás pues tanto inicial como finalmente se representan a dos hombres totalmente distintos, quienes ventilan las circunstancias de una misma experiencia; es decir qué en primera y tercera persona dentro de la narración se caracteriza una misma historia, con distintos personajes y en distinto escenario.

 Con una de ellas casi se da inicio. La experiencia y circunstancias son narradas por un hombre aparentemente voyerista, mismo que en el segundo caso es el ejecutor de los hechos a tratar con una pequeña niña morena, extranjera, que al parecer, es la misma. 

Le comento qué la obra teatral CUIDADO CON EL PERRO ofrecer al público múltiples lecturas, siendo otra, la del trato misógino recalcitrante hacia muchas mujeres, que aún hoy día existe en gran parte de la sociedad. 

A éste respecto “El Colectivo A 51”, es decir, la compañía productora de éste interesante montaje escénico, expone la siguiente apreciación a través de su casa difusora con el siguiente párrafo:

-“Esta producción del Colectivo A51 aborda las diferentes violencias hacia las mujeres, tanto las ocultas como las tangibles, en distintos lugares del mundo. El montaje pretende visibilizar una problemática silenciada de la que no nos sentimos responsables. “-

CUIDADO CON EL PERRO es la dramaturgia escrita por la también actriz y directora Eva Redondo Llorente. Obra teatral  que se acaba de estrenar en el Teatro “El Galeón”, bajo la dirección escénica de Mahalat Sánchez. 

Ellas dos son unas talentosas mujeres, quienes recientemente están uniendo esfuerzos para darle forma a los pequeños dramas que conforman la puesta en escena de CUIDADO CON EL PERRO en los cuales el personaje femenino es el eje motor, de cada una de las tramas.

 Sin embargo se reconoce también el talento de los dos actores que aparecen en escena y quienes son, José Cremayer y Miguel Corral. Ellos ofrecen versátiles caracterizaciones al igual que sus compañeras en escena, las actrices Ana Lucía Ramírez, Teté Espinoza y Estefanía Norato.

CUIDADO CON EL PERRO está producida por la Secretaría de Cultura del Gobierno de México y el Instituto Nacional de Bellas Artes.

MUTANDO

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

No cabe duda que la creatividad continúa a flor de piel, pese a los difíciles momentos que hemos estamos viviendo con una pandemia a nivel mundial. Empero a ello, la sensibilidad artística sigue hurgando en cada esquina para regocijo de muchos seres sensibles al genero del “Rock and Roll”.

Es por eso que el día de hoy dedico el presente texto para intentar hacer gala de uno de los potenciales musicales que se gesta en nuestra tierra mexicana. Con ello me refiero al músico OZ DE LEÓN con su nueva creación discográfica que esta presentando hoy en día con el título de MUTANDO.

Y si aún Usted no ha escuchado hablar de OZ DE LEÓN, ni ha sido partícipe de su talento musical, le comento qué es un compositor oriundo de la Ciudad de México, quien ha destacado en el escenario como guitarrista, además de ser el fundador de la banda de rock denominada “La Castañeda”.

Actualmente es el director “EtherLab Estudio”, lugar que ha sido el gestor de los discos de su autoría, como lo son “Interno Acústico”, “Doble Llama”, XXX Años de Locura en Vivo” o bien, en vivo “25 Aniversario”, además de haber brindado su apoyo a diversas bandas musicales para la producción de sus discos.

Su última producción titulada MUTANDO cuenta con algunas de las versiones de temas inéditos bajo la autoría de “La Castañeda” y forma parte de su tercera producción discográfica personal. 

La primera la intituló EL SENTIDO, cuyo sub-sello fue “La Solitaria”; disco que editara en el año 1994 el cual contiene piezas musicales tales como “El pescado”, “El entorno”, Libertad”, “El detective”, “Noche de Tregua”, “Cielo” “Tierra”, “Los Botones” y “Cayendo”.

La segunda producción fue un sencillo de música de rock, cuya interprete es Zaira Franco con ciertos matices de jazz, new age y World music. La intituló SOÑADOR, editada en el año2015 y al cual añadió un video clip que se encuentra en youtube     

Finalmente le diré que en MUTANDO participan los músicos Abraham Gómez ”W”, David Pérez Quezada (Radio Kaos), Zaira Franco, Galo Contreras (Crista Galli), Ana Camelo (Ekos), Aldo García, Estibaliz Rojas (Erzebeth), Alex Nubla y Felipe Maldonado. 

LOS DÍAS DE CARLITOS

POR: Dalia María Teresa De León Adams

Graciosa, fresca, entretenida y con un toque de ingenuidad, eso y más es lo que caracteriza a la puesta en escena LOS DÍAS DE CARLITOS del dramaturgo Adrián Vázquez, quien caracteriza además estupendamente a su personaje protagónico de Carlitos, dando vida a la vez a otros personajes tanto femeninos como masculinos, más con gran talento histriónico.

Bajo la autoría y dirección de Adrián Vázquez, el montaje escénico resulta ser todo un deleite, si Usted desea reír durante todo el tiempo que es escenificada esta obra, en donde Carlitos cuenta su peculiar nacimiento y algunos de los días vividos durante parte de su infancia y adolescencia en su hogar y en la escuela.

Carlitos es un chico tímido quien comparte su niñez con su hermano mayor Antonio con quien constantemente pelea a golpes y, por quien es castigado violenta por su madre. Ella es una mujer chantajista e intransigente con sus dos pequeños.

Le comento qué la narrativa se basa en una serie de episodios o sucesos breves, que el mismo actor va contando de manera chuscas y suspicaz, arrancando con ello las carcajadas del público asistente, cuando caracteriza el rol protagónico de Carlitos, el personaje que va deshilando las historietas y quien describir diversos sucesos los cuales interpreta.

Y así se expresa al respecto la compañía difusora de Sandra Narváez en el boletín de prensa:

-“LOS DÍAS DE CARLITOS es una puesta en escena que muestra el talento y la vivacidad de un gran intérprete como lo es Adrián Vázquez, dando vida a once personajes decisivamente contrastados que cobran vida a través del virtuosismo interpretativo del actor quien despliega una rica gama de matices al dar forma y vida a sus diversos personajes en la experiencia cotidiana.”-

Adrián Vázquez ha llevado su espectáculo unipersonal de LOS DÍAS DE CARLITOS a Festivales como lo son “Teatro a una sola voz”, al “Festival del Día del Teatro”, al Festival de Otras Latitudes”, a la “Muestra Nacional de Teatro”, a la “Muestra nacional de la Joven Dramaturgia” y al “Encuentro de Monólogos del Sureste”.

Le diré como información complementaria qué Adrián Vázquez además ha excedido el talento al medio cinematográfico, en donde a participado en películas como lo son “Atrapen al gringo” (en el año 2012), “Todo mal” (en 2018), “Pura Sangre” (en 2016), “Placa de acero” (en 2019), “Polvo” (en 2019) y “Cosas imposibles (en 2021). 

Por si fuera poco en una página Web se encuentra lo siguiente con respecto a la  biografía de Adrián Vázquez:

Egresado de la Universidad Veracruzana con Licenciatura en Teatro en Dirección, Actuación y Dramaturgia, Adrián Vázquez también realizó más de 20 programas de certificación y talleres relacionados con el Arte Escénico y la Actuación. Durante su carrera dirigió más de una decena de proyectos teatrales, incluyendo su puesta en escena más importante, Wenses y Lala; obra que se presentó por más de cuatro años y recibió premios por dirección, interpretación y dramaturgia mexicana. Como actor, apareció en reconocidas series como Crónicas de Castas, Sincronia y Falco, en la gran pantalla en Atrapen al Gringo (2012) con Mel Gibson, Elisyum (2013) con Matt Damon, Pura Sangre (2016), Todo mal (2018) y Placa de Acero (2019). También trabajó en la ópera prima de José María Yazpik, Polvo (2019), actuando como Toto, papel que le valió una nominación a la Mejor coactuación masculina en los Ariel 2020.

Solo me resta decir: ¡FELICIDADES ADRIÁN VÁZQUEZ!

EJECUTOR 14

POR: Dalia María Teresa De León Adams

Un día de pronto todo cambia dejando a todo un pueblo en la total oscuridad que implica, el estar inmerso en una guerra en donde súbitamente un grupo de hombres armados arrojan bombas y disparan por doquier sin tomar en consideración, a quien asesinarán en uno de los que han sido denominado “conflicto racial”.

¡Mujeres, niños y hombres mueren por igual! ¡No hay remedio alguno! Esconderse e intentar sobrevivir, es la única consigna en un mundo que se muestra totalmente irracional, donde vasta solamente un pretexto para conflictuar a las masas.

El horror, la tristeza y la desesperanza se apodera de las masas aún sobrevivientes. ¿Vivir un poco más? significa meses, semanas o acaso minutos. Lo cruento de la guerra y el sentido de sobrevivencia se ven reflejados en ésta cruenta dramaturgia original del prestigiado escritor egipcio nacido en el Cairo Adel Hakim (1953-2017)  

Éste es un breve parámetro de lo que considero, engloba la trama de éste cruento drama escrito a manera de monólogo. Le diré qué forma parte del “Teatro a una sola voz 2021” como parte de “La 16ª Edición del Festival de Monólogos” en los espacios administrativos de la RECIO (Red de Espacios Culturales Independientes y Organizados de la Ciudad de México).

Obras planeadas para ser escenificadas en espacios como lo son “El Hormiguero”, “La Teatrería”, “El 77” y, justamente el día de ayer, en el Teatro “El Granero, Xavier Rojas” del Centro Cultural del Bosque. Lugar en donde dio inicio el día de ayer lunes 2 de agosto justamente con la puesta en escena del monólogo EJECUTOR 14.

Siete espectáculos unipersonales serán planeados, contando además cada uno de ellos, con un intérprete en vivo del LSM, es decir un traductor del lenguaje de señas mexicano, el cual comparte con el actor protagónico el especio extremo en el escenario, realizando su labor.

En el caso de EJECUTOR 14 es en territorio del Medio Oriente, entre dos grupos raciales los cuales son los semitas contra los aromitas. Pueblos vecinos en conflicto racial militar, en el momento en que uno de ellos ha sometido al otro. El drama actoral muestra parte de los horrores que se vivieron en la realidad, aún cuando el escrito, sea un texto de ficción.

El montaje escénico cuenta con un juego de iluminación que mayoritariamente es de muy baja intensidad de luz, lo cual hace que la ambientación sea la idónea para la temática a tratar, la cual como a-priori comienzo tratando de esbozar, es una manera de vivir, o más bien sufrir los terrores de una guerra, que bien podría ser cualquiera.

Le comento qué esta obra teatral, de manera medular da gran peso escénico a la presentación de un hombre aparentemente común, quien por azares de la vida terminará convirtiéndose en un verdugo. 

De dicho modo, la psiquis está plasmada a flor de piel en éste personaje caracterizado de manera muy emotiva y con gran plática actoral por el único actor en el escenario, es decir por Osvaldo Sánchez quien además funge como el narrador de éstos cruentos relatos. 

Ello en un escenario en donde tan sólo se observa una silla desde la cual el personaje inicialmente se encuentra hablando y, de una mesa de madera con una cobija que el mismo actor manipula a manera de objetos de tramoya, para dar paso a diferentes tiempos o momentos escénicos.

Puesta en escena presentada por las compañías “TeatroSinParedes” y “MonoTeatro” bajo la magnífica dirección escénica de David Psalmon, quien además se dio a la tarea de traducir dicha obra al español.

FELICIDADES A TODOS!!!!

LA VIDA EN CHAKA

POR: Dalia María Teresa De León Adams

Obra musical con contenido operístico post barroco. Se encuentra recreada de manera digamos un tanto atípica, en el sentido en que la trama transcurre dentro de una escenografía en la cual, se simula a una zona humilde mexicana, lo cual la hace un tanto peculiar si tomamos en cuenta qué estamos acostumbrados a presenciar un número operístico, en un ambiente barroco medieval europeo. 

Sin embargo es justo lo que la hace muy ad-hoc con la dramaturgia a tratar, la cual  recrea un barrio colorido popular, acorde con las letras de las interpretaciones musicales muy simpáticas y divertidas, con la utilización de un leguaje totalmente popular, con uso ocasional de palabras altisonantes que le dan un toque de comedia a la trama.

El mensaje implícito es de moralidad un tanto religiosa, pues el montaje escénico lleva como consigna el intento por concientizar al público con respecto a lo negativo e innecesario que resultan los asesinato callejeros, los cuales algunas ocasiones son cometidos por grupos bandoleros en aras de delinquir.

Presentada por la “Compañía Cenart Carrusel Teatral” la obra mantiene un rasgo escénico que infiere a la puesta en escena, un toque de comedia farsica, en donde se le da cabida a “La Santa muerte” y a “San Judas Tadeo”.

Montaje escénico con el cual se acumulan más de diez años de labor artística del llamado “Teatro de los sótanos” del CENART, en cuyo recinto culturalha , por supuesto se ha estado presentando LA VIDA EN CHAKA con tan sólo cuatro funciones por ofrecer. Por cierto el día de hoy está programado cocluir.

Le comento que éste montaje escénico forma parte de la trilogía del repertorio de la Compañía “Teatro de los Sótanos” en calidad de sus obras emblemáticas, que se iniciaron a partir del día 15 de julio. Trilogías intituladas  “Por temor a que cantemos libres”, “El país de las metrallas o ratatatatataplán” y LA VIDA EN CHAKA. Esto con la intención de lo que llamaron El ciclo “Carrusel Teatral”. 

Con respecto a LA VIDA EN CHAKA, obra  del género “cabaret” para el México de la colonia (pobre) según la propuesta escénica, argumentan al respecto lo siguiente:

-“Montaje multidisciplinar de la tutoría y dirección de Felipe Rodríguez que combina teatro en verso, cabaret y ópera. La propuesta aborda la violencia física, intrafamiliar, sexual, de género y emocional, así como aquellas circunstancias que detonan la agresión por causas sociales y económicas.

La historia se desarrolla en un barrio popular donde aparece la Santa Muerte enfurecida porque los humanos la usan para justificar sus crímenes.

 Tras de encontrarse con San Judas Tadeo, un teporochito, muy depuesto y rebajado, decide vengarse de todo el mundo. Así veremos cómo tres jóvenes chakas, el Brandon, la Britani y el Brayan, metidos en un enredo pasional, se confrontan con ambos santos para cuestionar sus instintos violentos.”-

La función LA  VIDA EN CHAKA se presenta finalmente el día de hoy, domingo 1º de agosto en el Foro del CENART a las 18:00 horas.

MATRYOSHKA Red Creativa

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

Alejandra Aguirre, una joven directora escénica, en entrevista comentaría su experiencia en el  Centro Universitario de Teatro (CUT) en donde caería en la cuenta de qué para realmente ofrecer una buena función teatral, era indispensable poder contar con una buena producción. 

Razonamiento en el cual se sostendría tras de haber recibido un Diplomado en “Empresa Social” que le haría ver lo importante del valor económico en lo que consideraría una buena puesta en escena y el arte en general.

Entusiasta, pese a los inconvenientes, decidiría unir y sumar esfuerzos con otras compañeras, quienes entre ellas se brindarían común apoyo. Y, así fue como poco a poco iría surgiendo el concepto que ella denominaría, en base a un “Proyecto Hermanas” MATRYIOSKA; aludiendo con ello a las muñequitas rusas que se cobijan una dentro de la otra y así, sucesivamente hasta la más pequeñita.

Hoy en día la Red de Mujeres cuenta con 64 integrantes, las cuales forman parte del interesante proyecto Amuleto Bazar & Encuentro Cultural, Tercera Edición, una Red Creativa que colabora con “Flores y Pañuelos” y El77 Centro Cultural Autogestivo. Lugar en donde dicho sea de paso, el arte está también presente con la exhibiciones de algunas pinturas, por ejemplo.

Amuleto Bazar & Encuentro Cultural, Tercera Edición son un grupo que suele impulsar algunas marcas mexicanas, conjuntamente con algunas actividades de índole artístico como lo son el teatro, la música y la danza, además programar algunos talleres de diversa índole y performance.

Alejandra Aguilar, quien como a-priori mencionamos, es la creativa del grupo MATRYOSHKA tiene programado junto con el “Proyecto Hermanas” incursionar próximamente dentro de un Festival Cultural.

Tiene en puerta la representación de dos obras teatrales como son la puesta en escena de “Casandra”, muy posiblemente en el Centro Cultural “El Hormiguero” y, con el montaje escénico de la obra “La certeza del amanecer” en el Centro Cultural Helénico y el Teatro Magaña, según la disposición de dichos recintos culturales.

Le comento qué la pandemia no hizo mella en Alejandra Aguilar, ni en su espíritu creativo, simplemente cambió los elementos y la agenda de fechas a disponer para lograr sus objetivos. 

EN HORA BUENA ALEJANDRA AGUILAR!!!

EL EJERCITO ILUMINADO

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

Llega al escenario del Helénico EL EJÉRCITO ILUMINADO cuya obra aparecería en formato de libro físico en el año 2006. Dramaturgia del escritor mexicano David Toscano, quien por cierto sería galardonado con el Premio Xavier Villaurrutia.

Autor de otras obras como lo son “Estación Tula (1995), “Santa María del Circo” (1998), “El último lector” (2004), “La ciudad que el diablo se llevó” (2012) y “Olegaroy (1917).

Y justamente el día de ayer martes 29 de julio, fue que se dio inicio a las representaciones de su obra EL EJÉRCITO ILUMINADO bajo la dirección escénica de Alberto Ontiveros, quien por cierto estuvo presente al final de la función, recibiendo un caluroso aplauso del público presente, junto con todo el reparto estelar.

Le comento que es una obra un tanto chuscas y de cierto contenido de humorismo negro que la convierte en una obra farsica muy divertida y creativa, con ciertos dejes de historicismo patrio que el autor infiere a sus personajes.

En ella se habla, como bien aparece esclarecido en un párrafo publicado en la sección de Google al respecto, el siguiente párrafo textual sobre EL EJÉRCITO ILUMINADO:

-“Un grupo de retrasados mentales liderado por el gordo Comodoro, cual héroes de la patria, se lanza a recuperar Texas. De David Toscana, el autor de Estación Tula y Los puentes de Königsberg. ¿Adónde van?, preguntaría el oficial de migración.”-

Son cinco niños, quienes junto con su profesor y líder a quien denominan “El general Matus” irrumpirán su ciclo escolar motivado por su audaz y patriota maestro, para intentar atravesar el Río Bravo y poder combatir en contra del ejercito norteamericano, sin embargo solamente llegarán al cruce del arroyo “El camarón”. Y en dicho sitio de la Internet aparece la siguiente hipnosis:

-“Cinco niños discapacitados viven una gran aventura para recuperar Texas como parte de la República Mexicana. Más de 100 años después de la pérdida de gran parte del territorio nacional, Azucena, Milagro, el gordo Comodoro, Ubaldo y Cerillo se preparan para cruzar el río Bravo y volver a izar la bandera de México en los Estados Unidos.

Pero los intrépidos niños no van solos, El ejército iluminado, como se hacen llamar, es comandado por Ignacio Matus, profesor de historia y viejo maratonista. Antiyanki de corazón, Matus tiene más de una deuda pendiente con el vecino del norte; la más añeja de ellas le ha palpitado en el pecho los últimos cuarenta y cuatro años de su vida, los que ha pasado obsesionado con la idea de que un corredor estadounidense le arrebató la medalla de los Juegos Olímpicos de París.

La novela está situada en 1968 y arranca el día que despiden al profesor Matus de la escuela por “despertar en los alumnos inclinaciones a la violencia”.”-

La puesta en escena de EL EJÉRCITO ILUMINADO mezcla entre drama y comedia termina siendo un deleite espiritual por su gracioso contenido temático, su buena adaptación al texto, sus magníficas interpretaciones de los personajes, su adecuado uso de tramoya y por supuesto, por la calidad de su dirección.

EL EJÉRCITO ILUMINADO se presenta bajo la producción de la Secretaría de Cultura a través del Centro Cultural Helénico en corta temporada la cual esta planeada hasta el día 8 de agosto.

OMBLIGOS BRILLANTES

POR: Dalia María Teresa De León Adams

Es una nostálgica y bella obra infantil, con mensajes plagados de valores. Fue escrita por Marcelo Castillo y está siendo dirigida por la también actriz Dulce Martínez, la cual por cierto, aparece en el escenario caracterizando el papel protagónico junto con un personaje infantil. 

Dulce Martínez es quien narra de los sucesos en el cuento. Aparece en el rol de Mariana, una niñita quien puede hablar con su gatito cuyo nombre es Domingo interpretado por el actor Mike Jiménez, un personaje sabio y peculiar el cual aparece en la mayor parte de la historieta. 

Mariana ha perdido recientemente a su adorada abuelita, con quien mantenía un estrecho lazo de amor familiar, sin embargo, gracias a su sabia mascota es que logrará encontrar consuelo a tan sensible perdida, así como algunas respuestas a la sufrida ausencia de su abuela.

Domingo es un personaje peculiar, pues posee el Don de la inteligencia. Habla y reflexiona con un alto sentido filosófico con el cual ayuda a su pequeñita amiga a resolver situaciones familiares y, sobre todo, a comprender el fútil y breve paso de todo ser viviente en éste mundo. 

El personaje es interpretado por el joven actor Mike Jiménez quien además inicialmente aparece como un niño a quien le es contada la historia por su amiga Mariana; posteriormente el mismo actor será quien interpretará al personaje del  hermanito menor de Mariana.

En cuanto al título de la obra OMBLIGOS BRILLANTES, éste resulta ser  totalmente ad-hoc  a la trama de la historia, pues acorde con la trama “el ombligo” resulta ser una especie de liga etérea, secreta y estrecha, que liga a los integrantes de una la familia; es  un “hilo de luz” que une, aún en estado post-mortem. La temática gira en torno a esa relación especial que alguna vez hemos tenido con nuestro congéneres.

Por supuesto que el tema de la muerte y la solidaridad son dos ingredientes importante en el desarrollo de este cuento infantil, en donde los actores Dulce Martínez y Make Jiménez actúan en el performance con mucha empatía con los niños.

Para ello modulan la voz y sus movimientos corporales y faciales, logrando que el espectador se conmueva con ésta dramaturgia breve pero muy emotiva, plagada sobre todo de constantes moralejas como es el de la aceptación de la muerte como un acto natural, pese al dolor implícito que lleva.

Por ello su Compañía creadora “Plumbagos Teatro “comenta al respecto lo siguiente:

-“OMBLIGOS BRILLANTES aborda el tema de la perdida de un ser querido en un lenguaje sencillo para que los demás pequeños puedan comprender que los lazos con sus ancestros y seres queridos siguen latiendo en nuestro camino”.-

El pensamiento filosófico en torno a la reflexión de qué “mientras unos mueren, otros nacen” invita al público a su consideración en torno al sentido de la vida, sugiriéndose la posibilidad de un constante renacer, así como de la transformación del ser humano en energía. 

Y por supuesto no podía faltar en escena “el fetiche o amuleto” que posee el don de conceder un deseo, para cerrar de manera metafórica éste cuento infantil, dándole una especie de toque mágico al cuento.

Finalmente le mencionaré qué la compañía “Plumbagos Teatro” tras de haberse suspendido a fines del año 2020, se vuelve a presentar bajo la misma tónica filosófica siguiente:

Así es la vida, no podemos estar siempre aquí, un día todos tendremos que partir”. Con ésta frase el gato Domingo invita a su mejor amiga Mariana a descubrir qué sucede cuando nuestros seres amados parten de éste mundo. 

Si bien la muerte es un tema difícil de enfrentar y comprender a cualquier edad, resulta aún más complicado explicarlo a los pequeños. Es por ello que el grupo “Plumbagos Teatro” lleva a escena el texto de Marcelo Castillo a través de la mirada de una niña pequeño, nos habla sobre el proceso de duelo y las despedidas a las que nos enfrentamos a lo largo de nuestra vida, apostando por la premisa de que la conexión que existe entre los seres que amamos no depende del tiempo ni del espacio. 

OMGLIGOS LUMINOSOS la podrá disfrutar Usted solamente en días sábados a las 12:30 A.m. en el Teatro “La Capilla” de manera presencial, bajo el patrocinio de La Secretaría de CULTURA, FONCA, Los ENDEBLES, ANTI y por supuesto, Teatro LA CAPILLA.

ÉPOCAS. Con Glen Magaña.

POR: Dalia María Teresa De León Adams

Muy probablemente cuando Usted esta tweeteando se ha podido conectar por Faceboock con Glen Magaña, o bien, al navegar por Internet, se ha encontrado con La pluma de @HomoEspacios, el sombrero de #EspaciosVintage .

De no ser así, aquí cabe mencionar ¿quién es Glen Magaña, el autor de dichos espacios digitales? Como respuesta le diré que se trata de un mercadólogo, melómano, escritor, creativo, todo eso, y más.  

Glen Rodrigo Magaña es un hombre quien como siempre, se encuentra abriendo horizontes de consulta e investigación en diversos rubros del conocimiento, quien ha incursionado en diversos medios de difusión. 

Uno de sus últimos trabajos, así como logros, son los de haber estado cooperando al presentar unas de las cápsulas que se han transmitido recientemente en un medio televisivo educativo.  

Es decir qué han estado saliendo al aire en televisión abierta, las cápsulas que abordaron diversas temáticas y que se sintonizaron en el canal 22 en los días 20, 19, 21 y 22 de julio, al filo de las 19:55 

Cápsulas bien documentadas y de gran interés para la gente culta, bajo la autoría de Glen Magaña, las cuales fueron editadas bajo el rublo de –“Tic-toc… años relevantes en la cultura, ciencia y otros acontecimientos históricos”-

Y justo los días 19 y 20 de julio, el día lunes 21 y el día de ayer, martes 22 de julio en el canal 22 se fueron transmitiendo las siguientes temáticas propuestas por Glen quien simplificó de la siguiente manera:

-“Dixieland en rosa mexicano (19 de julio): Breve reseña y el reciente álbum de Calacas Jazz Band”-.

-“Música fílmica afroamericana (20 de julio): hablemos de las bandas sonoras de los rollos Ma Reineys’ Black Botton (EEUU 2020). The Unit States vs. Billie Holiday (EEUU 2021) Soul (EEUU).

-“Paris 1889 y 1932 (21 de julio): Viajaremos en el tiempo para conocer algo de historia de la afamada “Dama de hierro” y la síncopa gitana”-.

-“Chicago 1927 (22 de julio): El disco con el folio 12590 de Paramount grabado por “La Madre del blues” que inspiró una puesta en escena y recientemente en una adaptación para la pantalla grande.”-

Transmisión en línea: https://canal22.org.mx/?jwsource=cl 

FELICIDADES GLEN MAGAÑA!!!!!!!!

DETRÁS DE MI LA NOCHE

POR: Dalia María Teresa De León Adams

La reconocida actriz Verónica Langer (Buenos Aires, Argentina 1954) interprete de

cine, televisión y teatro, juntó con Noé Dramaturgo, traductor, ensayista y docente.

Ha recibido las distinciones Premio Nacional de Ensayo Teatral 2007 (INBA-

CITRU-Paso de Gato) y Permio Chilango-FMX 2010Morales, se dieron a la tarea de

crear una dramaturgia calida y emotiva mediante la cual se narra a través del

personaje de una mujer madura de origen austriaco, la vida de sus antepasados,

hasta la tercera generación.

Así con dicho texto, se ven un poco reflejados diversos avatares sufridos por una

familia judía en su diáspora, iniciada en los albores del siglo pasado con las guerras

mundiales como lo fueron la Primera y Segunda Guerra Mundial, en donde

fallecerían muchas víctimas a causa del antisemitismo.

Familia qué tras su huída de la tierra vienesa para salvaguardar sus vidas e

integridad humana, en donde por cierto inicia la narración, confronta además el

fascismo español, para luego llegar a América y ubicarse en la entonces

prometedora tierra que sería la Argentina; tierra qué sin embargo, con el paso del

tiempo albergaría a una dictadura recalcitrante instalada por el PRN tras el

derrumbe del peronismo.

Razón por la cual el personaje protagonista de ésta narración, llegaría a tierra

mexicana, instalándose aquí definitivamente; sin embargo la fuerza del pasado y la

sangre, le llevarían nuevamente a Viena, ciudad en donde las remembranzas del

pasado le esperaban.

La puesta en escena de tal manera se va tornando en un monólogo ilustrativo, pues

como Usted podrá considerar, algunos de los hechos históricos trascendentales

acontecidos en la historia universal fueron presenciados por la familia del

personaje.

La puesta en escena esta montada en un solo acto y tiempo escénico, en donde se

presenta una especie de cocina, en donde el personaje poco a poco va preparando

un pastel que terminará de hornear al concluir el drama, junto con la construcción

de una maqueta en donde va colocando algunos objetor de origen austriaco y,

paralelamente va haciendo gala de parte de la cultura vienesa y de sus grandes

baluartes como lo fueran el afamado músico Johannes Chrysostomus Wolfgangus

Theophilus Mozart (Salzburgo, 27 de enero de 1756-Viena, 5 de diciembre de

1791), más conocido como Wolfgang Amadeus Mozart y, Sigmund Freud, médico

neurólogo austriaco de origen judío, considerado el padre del psicoanálisis y una

de las mayores figuras intelectuales del siglo XX.

La puesta en escena tiene la peculiaridad de presentarse de manera bilingüe en

muchos de los momentos escénicos durante los cuales la actriz muestra sus

conocimiento y manejo del idioma alemán (lengua oficial en Austria, como Usted

sabe) lo cual le infiere a la obra un mayor logro, en cuanto a la ambientación de la

temática a tratar.

Aunado a ello se presenta una serie de imágenes y fotografías que enriquecen la

narración, gracias al uso multimedia en donde através de una pantalla colocada en

el centro superior del escenario, se muestra al público quienes las pueden observar

junto con la ocasional música y sonido tradicional vienés.

Todo ello bajo la dirección general de Juan José Tagle, quien logra reunir todos

éstos elementos creativos en escena y, por supuesto, a la gran actuación de

Verónica Langer y su texto bien estructurado.

Espectáculo unipersonal que Usted podrá presenciar en el foro “La Gruta” del

Centro Cultural Helénico hasta el día 10 de agosto en los días lunes y martes bajo la

producción de la Secretaría de Cultura y el Gobierno de México.