SENSATEZ Y CAUTELA

POR: Dalia María Teresa De León Adams

No cabe duda de qué tras la pandemia, ahora brilla el talento de nuevos valores en el arte escénico. Me refiero a Ramiro Galeana Medellín quien es dramaturgo, actor director, quien por cierto esta haciendo gala de sus dotes creativos.

Le diré qué el grupo teatral “Per/versión Colectiva al cual él pertenece, acaba de iniciar la brevísima temporada con la puesta en escena SENSATEZ Y CAUTELA; una comedia negra, de misterio y terror, bajo un formato peculiar que le otorga su mismo grupo creativo al utilizar movimientos evidentes (pese a la ausencia de objetos) aunados con sonidos que simulan las acciones sugeridas al respecto, al espectador.

Así es como el Teatro El Milagro y Escena Doble anuncia su nueva temporada con un montaje escénico que inició el día de ayer lunes 19 de julio, teniendo contemplado concluir la próxima semana en día martes 27.

-“Escena Doble es una novel compañía que trabaja en la construcción de un nuevo lenguaje propio y contundente que permita el encuentro real con el espectador y promueva el diálogo e intercambio de ideas. Como resultado de esa búsqueda surge SENSATEZ Y CAUTELA Capítulo II. La Comedia de Enredos Mentales….

Respecto a su estructura dramática y contenido, SENSATEZ Y CAUTELA Capítulo II es un reflejo hilarante y mordaz de la irresponsabilidad y paranoia en la que se encuentra la sociedad.

Texto que proporciona la misma compañía, la cual sostiene que la obra teatral trata de “una comedia de enredos mentales”. Escrita y dirigida por Ramiro Galeana Medellín, quien basa su dramaturgia en textos de Pasolini, Gotberet y Genet logrando una trama ingeniosa en donde los dos únicos actores quienes aparecen en escena, le dan vida a cuatro distintos personajes.

Le diré que es un montaje con matices de terror y suspenso el cual atrapan de inmediato la atención del público presentando dos historias que se entrelazan para dar coherencia a un crimen cometido, en dos tiempos y lugares distintos, mostrándolas de manera paralela, con ciertas similitudes.

Así es como los actores Rogelio Obregón y Ramón Galeana Medellín representan a cuatro personajes de distinto género, lográndolo muy bien en base a la modulación de sus voces y de expresiones faciales, así como gracias a los movimientos corporales realizados, que de golpe definen en el escena a las diferentes caracterizaciones.

Grupo artístico que resumen la trama de ésta obra teatral con las siguientes palabras:

SINOPSIS: -“Un crimen se ha cometido. Santiago intentará justificar sus actos para encontrar al verdadero culpable y salir ileso. Por otro lado, en la estancia de Evangelina y la abuela, alguien llama a la puerta y la sospecha de quien podría ser inicia una cadena de situaciones risiblemente absurdas que culminan en un asesinato. Se trata de dos historias entrelazadas por hilos de sangre o sólo otra mentira que se repite hasta intentar convertirla en realidad.”-

SENSATEZ Y CAUTELA se presentará hoy martes 20 de julio y en la próxima semana el lunes 26 y martes 27 en el Teatro El Milagro.

NO SE LA PIERDA!!!!

SOBRE LOS DAÑOS QUE CAUSAN LAS DROGAS

POR: Dalia María Teresa De León Adams

Peculiar puesta en escena bajo el formato de Humorismo Negro qué entre otros elementos escénicos, intenta concientizar sobre algunos de los efectos de las Drogas.

El tema medular de la trama por supuesto es el mencionar la parte negativa de los efectos y consecuencia de los psicotrópicos, acorde con el título el cual generalmente encierra la parte medular de toda dramaturgia.

Cabe aquí mencionar qué una droga es considerada como el medicamento u otra sustancia que afecta el funcionamiento del encéfalo y provoca cambios en el estado de ánimo, la percepción y los pensamiento.

Algunos tipos de Drogas son mencionadas a través de una “Conferencia” que simula ésta obra teatral, en la cual por lo tanto se hace referencia qué las drogas pueden ser tanto sintéticas como herbales, legales o ilegales y qué el consumo de drogas pueden ser tanto de uso médico, como por uso personal, las cuales están clasificadas comúnmente en los siguientes tipos:

Estimulantes: Tabaco, cocaína, anfetamina, cafeína, MDMA; Depresoras: alcohol, cannabis, benzodiazepinas, GHB, opio, opiaceos; o Alucinógenas: LSD, setas mágicas, 2CB.

Todo esto bajo un tono chusco y cotidiano introducido por el magnífico actor Antonio Trejo Sánchez, quien en escena funge como el conferencista e integrante de la familia Haimann, mediante un espectáculo de tipo unipersonal.

Como síntesis de ésta farsa la compañía difusora escribiría la siguiente Sinopsis:

-“Un maestro llega tarde a dar una conferencia sobre drogadicción, a lo largo de la exposición, divaga entre su frustración vocacional, su pésima situación financiera, resentidas críticas a su hermano y a la reciente muerte de su padre. Una conferencia cómicamente incómoda. Un mal conferencista. Un hijo frustrado con ser baterista. Él ni siquiera estudia medicina. El punto es ser feliz sin importar lo que digan los demás ¿no?”-

SOBRE LOS DAÑOS QUE CAUSA LA MOTA es, por una parte, una apología de la mediocridad, de los tibios y de los poco interesantes…”-

El personaje es un integrante de una familia de médicos apellidada Haimann. Así aparece un hombre aún joven, pero frustrado, inseguro e irreverente, quien pugna constantemente en contra de su hermano Alejandro, quien por el contrario según el mismo comenta, ha logrado metas tanto de índole económico, como amoroso.

Así da vida a un personaje que se presenta como un mal conferencista, quien innecesariamente revela detalles íntimos en torno a su propia vida y la de su familia.

PAGLIACIO, El gracioso de la calle del Relox

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

Obra infantil recreada en quien fuese considerado como el primer payaso mexicano, es decir el Señor José Soledad Aycardo (1821-1887) quien viviera en la Ciudad de México donde fundó su Circo al cual denominó “El Olímpico” ubicado en la calle Relox hacia finales del siglo XIX.

Así el grupo creativo “Los Estrowberry Clowns” a manera tanto de homenaje, como de reconocimiento al Señor Aycardo por su importante labor recreativa e introducción en el arte circense en nuestra ciudad, han montado ésta divertida puesta en escena totalmente para toda la familia, la cual tiene algunas semblanzas ilustrativas.

La sigla PAGLIACIO significa PAYASO en italiano, o CLOWN en fracés e inglés. Aseveración popular, aún cuando la misma Compañía que presenta la obra y que es ”Estrouberry Clown” comentara qué según la información recopilada para tal efecto artístico, en el México Prehispánico ya existían ciertos vestigios o tradición de dicha arte circense.

“Strowberry Clown” se fue consolidando poco a poco para poder ofrecer éste espectáculo familiar, el cual de acuerdo con la información del comunicado de prensa, se dio a conocer el siguiente testimonio:

-La puesta en escena no es solamente un ejercicio de imaginación. Se contó con la asesoría literaria e histórica de los investigadores Sergio López, Araceli Rebolledo y Miguel Ángel Vázquez del Centro Nacional de Investigación. Documentación e información Teatral Rodolfo Usigli, CITRU. “El Pagliacio, El gracioso de la calle de Relox” es una producción del INBAL, a través de la Coordinación Nacional de Teatro para Niñas, Niños y Jóvenes 2019, y la Compañía Los Estrouberry Clowns, que tienen como tradición ofrecer propuestas de calidad que acercan a nuevas generaciones al teatro, a través de las historias que los conmueven y hablan de la realidad que les rodea.

“Strowberry Clowns” es la compañía de artes circenses que se ha estado distinguiendo por su labor a partir del año 2015, momento en el cual fuera creada con el fin de ofrecer un espectáculos de calidad tanto a los infantes, como a los padres de familia que les acompañan.

PAGLIACIO, El gracioso de la calle del Relox cuyo texto es original de Fernando Hondall, inició temporada el 9 de noviembre en el teatro Julio Castillo del Centro Cultural del Bosque, bajo la dirección artística de Raúl Zamora, quien junto con la compañía ofrecen una puesta en escena en donde Usted se siente realmente dentro de una carpa tradicional, con un espectáculo en donde hay acrobacias, magia, música en vivo, e incluso una bestias guiñol a las que le dan vida dos colaboradores en escena con trajes confeccionados, como parte de uno de los números ofrecidos por dicha Compañía.

Por supuesto no podía faltar el tradicional payaso, el PAGLIACIO, El gracioso de la calle del Relox,”, como fuese conocido Don José Soledad Aycardo, por ubicarse como hemos mencionado, justamente en la calle del Relox hace casi dos siglos atrás. Viaje imaginario que la puesta en escena propone al público con un montaje escénico que –“enaltece nuestro legado cultural y nos debela nuestro humor tan dicharachero”- como la misma compañía mencionara.

Hoy en día el PAGLIACIO, El gracioso de la calle del Relox se presenta en el bello recinto del Teatro de la Ciudad “Esperanza Iris” celebrando con ello los 200 años de nuestro Primer Payaso mexicano, ofreciendo funciones matutinas los días sábados y domingos bajo la producción de la Secretaría de Cultura a través de la Dirección del Sistema de Teatros.

ANA SPINDOLA

POR: Dalia María Teresa De León Adams

¿Tal vez Usted se pregunte quien es ANA SPINDOLA? De ser así le comentaré qué Ana Gabriela Méndez Spindola oriunda de la Ciudad de México es una joven cantante, lo cual no es de extrañar cuando nos enteramos que nació entre una familia de músicos.

Comunicóloga por profesión, ANA SPINDOLA debido a su vena artística es además saxofonista y compositora, produciendo últimamente su próximo sencillo titulado “Déjame llorar por ti” con Pepe Escalante.

Le comento qué es sobrina de la Primera actriz Patricia Reyes Spindola, lo cual además le facilitó la posibilidad de egresar en la Escuela de destacada pariente para recibir cursos de actuación, baile y canto, cuando contaba con tan sólo 12 años de edad. Estudios que sostiene, le han ayudado mucho de base para lograr sus interpretaciones musicales.

Sin embargo su espíritu musical la llevó a realizar sus estudios en Música en el SUTM, e incluso a ser una de las participantes del programa televisivo “La Voz México”, quedando en el grupo del cantautor argentino, nacionalizado venezolano, Ricardo Montaner.

Poco tiempo después tuvo la oportunidad de lanzar su Primer Álbum instrumental demostrando tener talento con el uso del saxofón el cual aprendió a tocar cuando tenía alrededor de los 17 años.

Su álbum se llama “A solas contigo”, conteniendo música que la cantante considera ser música de sanación espiritual y evolución, en el sentido en que puede generar conciencia en su público escucha, e incluso ayudarles con ella a la meditación, pues para ella, la música va más allá de hablar de amor o desamor, cumpliendo una labor incluso social. Por dicha razón escribiría “El mundo eres tú” (en apoyo a los animales), “Déjalo ya” (como un canto nacido al sinrazón de una relación de maltrato físico o psicológico) o “Amar es amar” (en apoyo a la relación homosexual)

Cabe aquí mencionar qué ANA SPINDOLA es una mujer activista, pues ha luchado en defensa de los animales, convocando por ejemplo a una marcha cuya punto de encuentro fue el Parque México, así como en contra del maltrato a las mujeres, los derechos por la comunidad LGBTQ, e incluso por el combate al COVID.

Como próximos eventos tiene ya agendado para el día domingo 25 de julio un concierto que se llevará a cabo con “El Mariachi Charanda” de manera presencial. El día sábado 7 de agosto con el grupo “Calacas Jazz Band-Rosa” también de manera presencial y de manera Streamign para el sábado 14 de agosto con los músicos “Edel Juárez y Adrián Gil” (El Tigre).

Actualmente ANA SPINDOLA está a punto de sacar su nuevo sencillo que como inicialmente le comentamos, intitulándolo “Déjame llorar por ti” bajo la producción musical de Pepe Escalante, con quien esta desarrollando su segunda edición, incluyendo temas inéditos en donde incursionará en diversos generos musicales para brindar a su publico una diversidad de estilos, pese a que según afirmara, “lo suyo, lo suyo, es el “Rock Pop”.

WENSES Y LALA

POR: Dalia María Teresa De León Adams

Ovacionada como la Mejor Obra Teatral de la 1ª Edición de los Premios Metropolitanos, la puesta en escena WENSES Y LALA volvió a tocar escenario, siendo en esta ocasión en el Foro Shakespeare.

Así fue como éste martes 14 de julio en horario de las 20:00 horas, que la Compañía productora “Tres Tristes Tigres” comenzó la representación de una de su planeada Trilogía Escénica.

Al respecto de éste primer montaje escénico de WENSES Y LALA (el cual por cierto es una obra perteneciente al género romántico, original del escritor veracruzano Adrián Vázquez con gran historial académico y profesional) la compañía difusora a cargo de la Señorita Sandra Narváez menciona entorno a la dramaturgia comentaría de manera textual:

-“WENSES Y LALA, con más de 350 representaciones, es una puesta en escena donde actúa Teté Espinoza y su director Adrián Vázquez, la cual es todo un referente al teatro actual. “Es la historia de un hombre y una mujer, una comedia que no es cursi. WENSES Y LALA se alejan de la cursilería, es la historia de dos seres que viven en algún paraje perdido de México. “Es ante todo una comedia donde se inserta una historia de amor”, comenta el actor-director-dramaturgo.”-

La obra WENSES Y LALA ya había sido anteriormente representada en diversos foros como lo son el del Teatro Xavier Villaurrutia del Centro Cultural del Bosque con el INBA, en la Sala A de La Teatrería y en el teatro BANAMEX Santa Fe de la Plaza Comercial Zentrika en co-producción de “Mejor Teatro” .

La obra ha sido elogiada por la crítica periodística tanto por su esplendida actuación, como por su texto muy bien estructurado, llenando la Sala principal del Foro Shakespeare en donde ayer se presentara.

La obra como inicialmente menciono, es original de Adrián Vázquez quien además de haberla escrito, la dirigir y actúa en compañía de la actriz Teté Espinoza, quien aparece en escena protagonizando la obra, como su pareja sentimental dentro en éste melodrama.

A manera de Sinopsis la dramaturgia cuenta con una trama en donde el amor va surgiendo a través de la amistad que es narrada bajo un lenguaje coloquial utilizado por cada uno de los personajes protagónicos, a partir de la infancia. Presenta a dos niños quienes ante la adversidad, se enfrentan solos en el mundo, tras del trágico fin que tienen cada uno de sus progenitores, hecho que les llevará a unir sus destinos en soledad. La adolescencia llega, con ella la pasión; sin embargo no podía faltar el rol antagónico, es decir un hombre en disputa intentando coartar el amor jovial de la pareja, quien sin embargo nunca aparece en escena.

La historia es narrada a detalle por los dos únicos personajes en escena, logrando desde hacer reír, hasta llorar y conmover a gran parte del público asistente, con sus diálogos sencillos utilizando localismos al parecer veracruzanos, acorde a la provincia en que se sugiere, surgiendo así éste drama de matiz romántico.

Todo ello enmarcado con cantos ocasionales que brindan los personajes durante el tiempo escénico, presentado en un solo cuadro escenográfico en donde solamente se presentan como apoyo escénico una banca, desde donde la pareja cuentan los pormenores de sus vivencias de manera amena y fresca.

El amor triunfal no impiden un final desgarrador para algunos, en tanto que bello para otros espectadores, pues es tan sólo cuestión de enfoque. WENSES Y LALA hoy día parte del repertorio que la Compañía “Tres Tristes Tigres” se ha dado a la tarea de llevar a escena en el Foro Shakespeare, junto con el montaje de las obras teatrales de VISCERAL y LOS DÍAS DE CARLITOS en una única función híbrida.

PREMIOS ARPA Entrevista con Nathan Ironside.

POR: Dalia María Teresa De león Adams.

Amigos, me gustaría iniciar ésta nota tratando de hablar inicialmente respecto a los ya próximos PREMIOS ARPA los cuales inicialmente fueron instituídos en el año 2002 por la “Academia Nacional de la Música y las Artes Cristianas”. Canciones interpretadas básicamente en idioma español, pese a ser un evento de carácter internacional.

Le comento qué el primer año en que fueron otorgadas dichas preseas, fue justamente un año posterior a su creación, es decir en el año 2003, siendo la última ocasión en 2019 precisamente debido a la pandemia del Corona Virus que bloqueó prácticamente todo tipo de evento de manera mundial.

Éste año y con la debida precaución, los PREMIOS ARPA ya casi en puerta, tiene contemplado otorgar reconocimientos a varios grupos y solistas musicales creativos, quienes se han dado a la tarea de homenajear a Dios mediante su credo religioso Cristiano.

Uno de los compositores es el pastor australiano Nathan Ironside cuyo eslogan es Vivo+Despierto+Respondiendo Ahora, quien desde los 15 años de edad ha estado produciendo cerca de 50 producciones musicales.

En éste evento Nathan Ironside participa con su canción “Persigues Mi Corazón”, canción que forma parte de su Álbum llamado“ El Despertar Light” el cual fuera producido en el año 2016.

Por cierto, “Persigue Mi Corazón” es una pieza musical que fusiona tanto al género tanto Pop Alternativo, como a la Balada y al Rock Alternativo; géneros que le sirvieron para finalmente dar vida a una de sus producciones discográficas.

Nathan Ironside la interpreta en calidad de vocalista junto a su amigo y también músico, el pastor Marcos Barrientos, incluyendo en ésta una letra en español en la cual se menciona su amor y adoración a Dios.

Letra la cual según él mismo expresó, surgió de la experiencia personal que sostiene haber tenido con Dios, quien durante su estancia en Londres, le tocó el corazón con su fuego, haciéndole saber que él había nacido para qué con su música, elevara sus alabanza y amor a Dios.

Esto cuando corría el año 2008 y él ya fungía como productor musical, además de ser intérprete y también creativo en dicha arte. Hoy en día radica con su mujer Mary en la ciudad de Medellín, Colombia, formando parte del Ministerio como Mentor y Pastor.

Actualmente se prepara para difundir su nueva creación con su canción llamada “Aire” con la cual continuará incursionando en diversos géneros o estilos qué como mencionara van desde un Hip Hop, hasta un rock alternativo, o Baladas en inglés y español, para con ello de igual manera dar gloria y alabanzas al Señor.

Pero volviendo a los PREMIOS ARPA éstos serán una especie de membresías otorgadas en base a la votación de la ”Academia Nacional de Música Cristiana” a los músicos cristianos que se presentarán mediante una ceremonia de premiación que se efectuará en el “Teatro Centenario Coyoacán” el próximo viernes 9 de julio con motivo de la XVI (16ª) entrega de los PREMIOS ARPA.

También se presentarán los grupos y solistas “Montesanto”, “Los Descalzados”, “Barak”, “Job González”, “Blanca”, “Damaris Guerra” y “Hillsong Worship”.

A dicho evento Usted podrá presenciarlo vía Streaming https://bit.1y3ipLrFK o bien, de manera presencial el día 09 de julio a las 18:00 horas, adquiriendo su entrada mediante los MEGABOLETOS en venta, en la taquilla del “Teatro Centenario Coyoacán”.

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EL BANQUERO ANARQUISTA

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

El banquero anarquista de Fernando Pessoa

Original del afamado escritor portugués Fernando Pessoa la puesta en escena EL BANQUERO ARNARQUISTA se presentó en breve temporada tanto de manera presencial del 4 al 14 marzo en el Teatro “El Milagroa manera de formato One Line, bajo el arreglo del gran dramaturgo mexicano Luis Mario Moncada de quien le comentaré de paso, fuese galardonado con el “Premio de La Juventud” en 1985, además de fungir como director en varios recintos teatrales importantes como es el Centro Cultural Helénico.

Recordemos qué el escritor de la obra EL BANQUERO ANARQUISTA como a-priori he mencionado es el afamado escritor Fernando Pessoa, nato en Lisboa, Portugal en el año de 1888, quien fuera reconocido por sus heterónimos, es decir, por sus múltiples personalidades que adoptara a través de su vida, infiriéndole rasgos peculiares a sus obras y por ende, registrándose como un autor poseedor de diversos apelativos.

Unos de los nombres que registrara fueron el de Alberto Caeiro. Alexander Search, Álvaro de Campos, Bernardo Soares y Ricardo Reis. Su alcoholismo le llevo a sufrir de la cirrosis hepática que le causó una muerte un tanto prematura.

Le comento qué hace poco tiempo tras de abrir nuevamente los teatros que habían sido cerrados como Usted bien sabe por la pandemia del Corona Virus, la puesta en escena de EL BANQURO ANARQUISTA de Pessoa se presentó a manera de monólogo, el cual fue ejecutado por el actor David Hevia quien demostró grandes dotes actorales en el escenario al caracterizar el rol protagónico de EL BANQUERO ANARQUISTA con gran maestría y emotividad.

El texto está lleno de retoricismos en torno a diversas connotaciones con respecto a lo que podemos entender por anarquismo, que el mismo autor introdujo a propósito para con ello llevar al público a las múltiples contradicciones que dicho término lleva implícito, lo cual permite que el actor cuestione de dicho modo al espectador con respecto a la temática a tratar, haciéndolo coopartícipe durante la función.

Respecto al vestuario, el personaje se encuentra ataviado elegantemente, en aparente contradicción al intento de abolir las desigualdades de clases y el abuso capitalista, es decir, a la postura que comúnmente opta el personaje para manipular mediante diálogos de indole sofistas a sus oyentes.

Esta es una contradicción que el mismo escritor propone en aras de la reflexión; sin embargo, el actor en cierto momento de la obra aparecerá también ataviado con ropas de apariencia proletaria, mostrando su espíritu aparente pro-populista de libertad y equidad, para con ello poder convencer.

Por ello la empresa difusora a cargo de la Señorita Sandra Narvaez expresa hoy en día al respecto, el siguiente párrafo textual:

-“Un hombre elegante y adinerado presume ser uno de los anarquistas más radicales; en 60 minutos exprime al máximo la retórica Pessoa y confronta el ruido de nuestros ágoras virtuales, llenas de especialistas de la nada que compran y compartn discursos que no entienden para presumir en redes sociales.

EL BANQUERO ANARQUISTA forma parte de lo que algunos llaman cuentos de raciocinio, otros “sátira dialéctica”, característicos de la escritura de Pessoa, quien desarrolló un cuento que se interna por los grandes problemas políticos de su tiempo y, en realidad de todos los tiempos, en que se toca la libertad individual, el Estado, las servidumbres de la acción política y la naturaleza de las leyes.”-

En cuanto a la escenografía de la obra de EL BANQUERO ANARQUISTA le diré qué en el montaje aparecía una silla y una mesita sobre la cual se ubicaba una botella de champagne y un gran puro. Artefactos de utilería que se presentan a propósito a manera de una perspectiva simbólica sobre la trama, que matiza al banquero rodeado de lujos y éxito económico que comunmente el hombre rico adquiere haciendo gala de dichos objetos lujosos de placer, como símbolo de opulencia?

Pus bien, finalmente le diré qué la obra teatral de EL BANQUERO ANARQUISTA tras de haber sido presentada en uno de los foros del Teatro “El Milagro” con el actor David Hevia, bajo la adaptación de Mario Moncada, ahora dentro de poco nuevaente se exibirá nada menos que en el hermoso recinto del Teatro de la Ciudad de México “Esperanza Iris” teniendo planeado cubrir la breve temporada del 8 de julio al 18 de julio de jueves a domingos.

¿QUIÉN DIJO QUE DIOS DIJO?

POR: Dalia María Teresa De león Adams

¡Un diablo muyyy diablo! y, por supuesto irreverente. Le diré qué el Demonio, Chamuco, Satanás, el Ángel caído, el Ángel Negro, el Pitucho o simplemente Diablo, es el personaje protagónico de éste montaje escénico unipersonal que aparece como narrador en la novela “Cartas desde la tierra” escrita por Mark Twain, Ermin Cruz y Jesús Díaz.

Obra que al ser puesta en escena lleva el titulado de ¿QUIÉN DIJO QUE DIOS DIJO? la cual, a consideración de su compañía productora sus escritores han sido quienes han “Crearon un espectáculo que contiene gran sentido del humor con un toque de amargura y pesimismo.”-

En mi opinión es una dramaturgia escrita en base a la contraposición de juicios, emitidos en torno a algunos de los pasajes bíblicos más recurrentemente mencionados o controversiales que aparecen tanto en la iglesia Judaica, Católica o Islámica.

Pasajes como lo son, El Origen del Hombre, tratado en la Génesis en donde se mencionan como padres de toda la estirpe o humanidad a Adán y Eva (así como por supuesto la simbólica manzana); o bien por ejemplo, el Diluvio que aconteció con Noé y su familia, quienes fueron salvados por Dios por lo cual crearon la famosa Arca, en donde cada una de las especie subieron a bordo para resguardarse y con ello salvarse de una muerte segura y masiva.

Empero a ello ¿QUIÉN DIJO QUE DIOS DIJO? no es una obra ilustrativa; más bien es un intento de reflexión vista desde la parte antípoda, opuesta o antagónica en torno a la interpretación de dichos pasajes bíblicos, qué sus autores ponen en el caso de la obra, en boca del Ángel Caído.

Esto en base a un monólogo que emite el actor protagónico en escena, mediante un diálogo en donde tan peculiar personaje, en la ficción retoma vida escribiendo desde la tierra a sus compañeros El ángel San Gabriel y San Miguel Arcángel, para explicarles su experiencia en la tierra.

Puesta en escena en un sólo tiempo y cuadro escénico que muestra al Demonio como un ser con características humanas, por lo cual critica, analiza, se viste e incluso se embriaga.

¿QUIÉN DIJO QUE DIOS DIJO? se presenta en el teatro “Xavier Villaurrutia” del Centro Cultural del Bosque bajo la producción del Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (INBAL) y la Secretaría de Cultura del Gobierno de México.

EL CANCIOÑERO: Canciones elegantemente absurdas.

POR: Dalia María Teresa De león Adams

Con ritmo de chachachá, un rock, un bolero, una fuga, y una cumbia entre otros géneros musicales más, EL CANCIOÑERO: Canciones elegantemente absurdas dio paso al espectáculo musical del hombre orquesta Fores Basura, quien es fundador de la “Orquesta Basura”.

Él es un joven artista, quien sorprende por su gran creatividad musical. Y digo “gran creatividad, pues él mismo es quien además de poseer conocimientos en dicha arte, es quien con algunos objetos qué para algunas personas son totalmente desechables, él crea sus instrumentos musicales y, con ellos incursiona en diversos géneros para dar cabida a algunas canciones populares, cuyas letras hablan de varias personas que forman parte de nuestra comunidad.

Para que ésto quede más claro, le diré qué entre el repertorio musical que presentó el día de ayer ,2 de julio en el Teatro “La Capilla” de la Ciudad de México, se incluían letras aludiendo a “Una chacharera” (al ritmo del chachachá)con cuya canción inició su show unipersonal.

Ello tras de breves explicaciones en las cuales el mismo músico iba explicando al público asistente el cómo en base a la repetición de sonidos creados por un aparato musical, cuyo efecto acústico reproduce cualquier sonido al ser manipulado con el pie, produce instantáneamente una pieza musical; instrumento qué Fores Basura utiliza como base para concertar cada uno des sus números musicales.

Pues bien, le comento qué al número dedicado a “La chacharera”, continuó ejecutando otra canción la cual hacía referencia al metro, imitando el sonido que emite e incluyendo en la letra de la canción, algunos de los pormenores que generalmente son recurrentes para los viajantes que utilizan dicho transporte masivo.

Posteriormente con ritmo de bolero la letra que incluyó se dedicó ha mencionar el oficio de aquellos trabajadores que lustran el calzado en la calle, por lo que el calcetín, también fue referenciado con sus notas musicales.

Así continuaron las piezas musicales y con ellas, la inclusión de diversos instrumentos u objetos comunes utilizados con los cuales, aunados con sonidos emitidos por la voz del mismo artista, construían una a una canciones que además generaban la risas del espectador, quien ocasionalmente colaboraba por invitación del cantante, repitiendo algunas frases de las melodías o bien, usando las palmas de las manos.

Realmente Fores Basura con su “Orquesta Basura” resulta ser todo un “Show Man” en el escenario con sus números divertidos, melódicos y totalmente peculiares.

CANCIOÑERO: Canciones elegantemente absurdas Usted lo podrá ir a disfrutar en tan sólo tres ocasiones más en días viernes, en el foro principal del Teatro “La Capilla” .

EL ASESINATO DEL ALMA

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

“Ágora Compañía Teatral” presenta una magnífica obra basada en la novela original , intitulada “La Cosmética del enemigo”.de la escritora belga Fabienne-Claire Nothomb (1966), más conocida por su seudónimo artístico como Amélíe Nothomb.

Recordemos que Amélíe Northomb, ha sido miembro activo de la Real Academia de la lengua y de la literatura francesas de Bélgica, además de ser la autora de diversas publicaciones entre las que además se encuentran los libros publicados, “Metafísica de los tubos”, “Higiene del asesino”, “Golpéate el corazón”, “Petronila” y “Ni de Eva ni de Adán”. Ha sido además la escritora de los guiones cinematográficos de las películas “Romance en Tokio”, “Estupor y temblores”,

Pero volviendo a la obra teatral que nos interesa aquí tratar y, que es “Maquillage du ennemi » le comentaré de entrada qué la traducción al español o adaptación por parte de Ágora es la EL ASESINO DEL ALMA; título qué resulta ser por mucho, más adecuado, en cuanto a su contenido escénico y por supuesto porque resume la parte medular de la cual trata la trama de ésta obra teatral.

EL ASESINO DEL ALMA es una puesta en escena en un solo acto y un solo cuadro escenográfico; suficiente para el desenvolvimiento de este interesante drama de entre suspenso y crimen, en donde la psiquis del personaje protagónico de Jérôme August retoma gran importancia, en tanto qué en cuanto al fondo del contenido de la historia, contiene un cierto matiz filosófico que la hace ser completamente interesante y un tanto novedosa.

EL ASESINO DEL ALMA cuyo referente se enmarca en una de las salas de espera del aeropuerto internacional de Paris, Francia, en donde un vuelo ha sido retrasado sin aparente motivo de manera indefinida, afectando los planes momentáneos del Señor Jérôme August:

La conversación del inesperado personaje del peculiar Señor Textor Texel se convertirá de pronto en momento trascendental en la vida futura de Jérôme August, quien ante situaciones adversas deberá tomar una irrevocable decisión.

En escena aparece actuando el maestro Noé Alvarado en el rol estelar de Jérôme August, quien hoy en día funge además como el director escénico actuando junto con el reparto estelar.

Sinopsis

El exitoso hombre de negocios Jérôme

Angust sufre la insoportable espera de su

vuelo por un retraso indefinido. Un

inesperado interlocutor, le hará conversación

a pesar de su manifiesta negación. A lo largo

de su relato, Textor, se transformará en una

abominable encarnación de todos los

fantasmas de Angust, que harán que su

espera se convierta en una trepidante y

alucinante aventura.

Le comento que ésta es la Sinopsis de la obra teatral EL ASESINO DEL ALMA que años atrás proporcionara “Ágora Compañía Teatral” al ser montada dentro del Instituto Cultural Helénico, en donde los actores representaban a sus personajes, situándose a un lado del público, lo cual la hacía muy peculiar y emotiva.

Finalmente le comentaré qué EL ASESINO DEL ALMA es una obra teatral que está a punto de estrenarse nuevamente en el Teatro San jerónimo .

NUESTRA SEÑORA DE LAS NUBES

POR: Dalia maría Teresa De León Adams

-“En un lugar en donde no se respeta a sus mujeres, el único camino es el exilio.”- Es justamente esta frase la que forma el contenido de la obra teatral NUESTRA SEÑORA DE LAS NUBES en donde las mujeres hartas por la falta de valorización que surge ante una sociedad machista, deciden exiliarse.

Los personajes habitan la región de NUESTRA SEÑORA DE LAS NUBES ficcionalizada por la pluma del autor Arístides Vargas pero qué bien puede encajar o coincidir con muchos de nuestros pueblos latinoamericanos.

Con un toque pro-feministas la obra montada muestra a la mujer sometida que sólo en aras de su virginidad puede ser valorada. El matrimonio forzoso es un cometido ante los ojos de la sociedad, el abuso sexual y psicológico, el empoderamiento del hombre y el incesto además de la soledad, son temas a tratar en ésta puesta en escena, original del escritor argentino Arístides Vargas (1955 Córdova, Argentina).

Escritor cuyas obras son además de NUESTRA SEÑORA DE LAS NUBES, La ciudad en donde el viento hace buñuelos”, “El deseo más canalla” y “Teatro ausente”, aparte de los filmes cinematográficos “Tigra” y 1809-1810”.

Pero volviendo a la obra aquí a tratar, le comento qué el Colectivo “Lado F Teatro” integrado por cierto por únicamente mujeres se han dado hoy en día a la tarea de presentar éste montaje escénico dirigido por Penélope Flores, contando en el escenario con las actuaciones estelares de Deia Vargas, Frida María y Frida Aranza.

Son tres jóvenes actrices quienes dan vida a los diversos personajes de la obra, caracterizando a la presencia masculina de la región NUESTRA SEÑORA DE LAS NUBES con máscaras que utilizan junto con el cambio de modulación de voz y de movimientos corporales que imitan el comportamiento varonil con mucha gracia y soltura.

Los discursos por supuesto, son determinantes en dicha caracterización, mostrando a los personajes varoniles bajo una actitud más relajada, e incluso prepotente que generalmente suelen adoptar los hombres en las comunidades machistas.

La obra inicia en un vagón de donde dos mujeres del mismo pueblo, Ingrid y Fátima tras auto-exiliarse, se encuentran dentro de un vagón viajando en un tren migrante denominado “La Bestia”. Ninguna parece reconocerse, sin embargo durante el viaje que les aleja de un futuro rutinario en su comunidad natal, comienzan a dialogar y contar algunos de los pormenores de NUESTRA SEÑORA DE LAS NUBES.

La obra es puesta en escena en un solo acto y un solo cuadro escénico en donde se simula un vagón, el cual es manipulado por las tres actrices en escena durante todo el tiempo escénico para darle vida a la historia llena de retrospecciones y prospecciones temporales.

-“Temas la violencia de género, como el destierro, la memoria, el desarraigo y la perdida de identidad, han permeado la obra de Arístides Vargas. para el autor el exilio se materializa poéticamente al hablar de la herida expuesta, de los caminos de la sangre que siguen inundando las fronteras, así como de las voces que se ahogan entre la arena; ahí en esa lastimosa realidad, tiene lugar la puesta en escena.-“

Así es como se expresa al respecto del contenido de la obra teatral, la misma Compañía dándole un paralelismo al texto con la problemática actual aún sin resolver, pero que comienza a dar muestras de transformación ante la denuncia y movimientos de carácter feministas.

NUESTRA SEÑORA DE LAS NUBES se presenta en corta temporada en días miércoles en el Foro “La Gruta” del Centro Cultural Helénico.

MIEDO COME TODO… Sueño al vuelo.

POR: Dalia María Teresa De León Adams

Hermoso montaje escénico infantil creado y actuado por el artista Fernando Leija Flores quien, tras de haber sido galardonado como el mejor actor y, su dramaturgia, como la obra teatral ganadora en la XXXVIII “Muestra Estatal de Teatro Rafael Solana” en Tampico, Tamaulipas, hoy en día su montaje escénico forma parte del programa para niños que el Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (INBAL) ofrece en el Centro Cultural del Bosque en horario matutino.

La puesta en escena es mezcla de espectáculo clown, danza contemporánea y teatro físico el cual es ofrecida a manera de espectáculo unipersonal por su creativo Fernando Leija Flores, como a-priori he mencionado.

Éste cuenta con un escenario iluminado a media luz, en donde solamente aparece el actor con cuatro cajas de diferentes tamaños, un gran globo rojo y pétalos del mismo color, además de azules.

De los objetos cúbicos de manera extrae algunos artículos de tramoya que sirven para efectuar algunos números; en ellos el artista además se introduce, sirviendo también para ubicarse encima de ellos al ofrecer parte del espectáculo con números un tanto acrobáticos. Son cubos que Fernando Leija Flores manipula hilando la trama carente de diálogos.

Empero a ello llevan implícita una temática a tratar en torno al “miedo”; tema muy acorde con el título que lleva ésta puesta en escena. En éste respecto es que la Compañía Difusora de la Señorita Sandra Narváez comparte a manera de Sinopsis con el siguiente párrafo:

MIEDO PARALIZANTE

-“La primera premisa central de la obra, es decir NO al miedo, pues se puede volver paralizante, y dejar los sueños volar. El personaje protagónico se verá decidido a vencer el miedo a lo desconocido y deberá enfrentarse a una enigmática torre conformada por cajas de madera…. “

Y se continúa de la siguiente manera, el texto escrito en el comunicado de prensa:

-“Por miedo a un despliegue escénico corporal, en conjunción con la escenografía, en conjunción éste personaje alentará a las y los pequeños espectadores a explorar y juzgar, al tiempo que descubre todas las posibilidades y sorpresas que se encuentran en esta torre de cajas de madera.”-

Y pues sí, el artista logró surgir la magia que motivó a los infantes a colaborar en ésta puesta en escena unipersonal, en donde el artista despierta el interés de los pequeñitos, quienes ante ello colaboran verbalmente con frases curiosas, con las cuales intentan guiar al artista para que no caiga en los supuestos riesgos que aparecen en escena.

En cuanto a la propuesta musical ésta se hace sonar como apoyo escénico que ameniza los actos y números tipo clown, además para la ejecución de algunos bailes por parte de Fernando Leija Flores.

Ello gracias también a la colaboración de Alejandro Chávez Flores quien previo a la representación de la función MIEDO COME TODO…Sueños al vuelo labora con la Compañía “Flores Teatro Danza” para hacer posible éste montaje escénico.

Para finalizar le comentaré qué el objetivo primordial de ambos creativos o hacedores de teatro, es el de poder ofrecer y vincular a los pequeñitos que cuentan con los primeros años de infancia a despertar su interés, e integrarse en específico a éste montaje, así como el de avivar su gusto por el mundo del arte escénico.

MIEDO COME TODO…Sueños al vuelo se presenta en el Teatro Orientación del Centro Cultural del Bosque los días sábados y domingos a las 12:30 horas.

DESAIRE DE LOS ELEVADORES

POR: Dalia María Teresa De León Adams

-“Esta pieza retrata la soledad en una sociedad indiferente, donde las relaciones no son garantía de la compañía mutua y el fracaso es la huella inevitable del contacto humano. Los personajes cuentan cada uno su historia de soledad, sus añoranzas y decepciones para que juntos, aunque no lo quieran, compartan su doloroso encuentro con la miseria personal; todo eso mientras un incendio consume el edificio.”-

Pero no solamente trata la obra de la soledad física, sino incluso, de la soledad acompañada, en donde no se encuentra ni voz, ni eco, en la ausente comunicación que hurga en los hogares y en la sociedad; la soledad que cala más profundo ante la “sin la respuesta” de una pareja ajena e indiferente en casa, así como el desinterés por los seres que comúnmente nos rodean.

La trama de la obra ahonda en la vecindad de la gente que habita un edificio en donde cada habitante ante se enfrenta ante el ensimismamiento del otro, con quien parece dialogar, pero con el resto mantiene diálogos a los cuales no presta realmente oídos.

Un común denominador aparece constantemente y que son los diálogos que la mayor parte de los habitantes de dicho edificio, emiten en torno a los peces; especie branquial que casi logra aparecer como un fetiche.

El agua es también una constante en éste montaje escénico; elemento que parece en diversas ocasiones y que es utilizado bañando el cuerpo de varios de los personajes en escena, de manera simbólica junto con un pez.

DESAIRE DE LOS ELEVADORES es una puesta en escena que al verla nos resulta fría, en cuanto a la forma que presentan los personajes respecto a las relaciones personales; empero a ello, realmente retratan la realidad en la cual estamos inmersos hoy en día, reclusos entre las paredes de nuestro hábitat con paredes que parecen impenetrables para el resto de nuestros vecinos, a quienes hablamos sin detenernos realmente a mirar, y mucho menos a escuchar.

Le comento qué la cita textual inicial de ésta nota, es con la cual la compañía “Teatro Chingué” resume ésta dramaturgia original del joven escritor Alberto Villareal titulada (Monterrey 1994) DESAIRE DE LOS ELEVADORES cuyo montaje escénico hoy en día se encuentra a cargo del director Gerardo Daniel Martínez, quien logra su cometido de dar vida a una historia carente de calidez humana, plasmada bajo una retórica de teatro del absurdo del género vanguardista.

Cabe mencionar que aunque el autor es muy joven, ya tiene en su haber diversas obras publicadas, como lo son “Todo lo que fuimos”, “Ocho lugares que me recuerdan a ti”, “Anoche en las trincheras”, “Todo lo que dejas cuando llegas y te vas”, entre otros libros.

En cuanto a su obra aquí a tratar de DESAIRE DE LOS ELEVADORES podríamos decir qué está llena de diálogos recurrentes y ocurrentes que logran inferirle al texto, un toque de humorismo negro el cual causa cierta gracia a los espectadores, quienes comúnmente ríen ante situaciones adversas.

La puesta en escena de Gerardo Daniel Martínez, su director artístico, cuenta con una escenografía en la cual se observa una especie de plataforma rectangular, de entre la cual aparecen diversas pequeñas puertas que se abren y se cierran constantemente, para dar la apariencia de ser los departamentos, en los cuales están alojados los distintos personajes.

A un extremo se encuentra colocada otra plataforma mucho más pequeña que pareciera ajena a la puesta en escena, en donde aparece una mujer callada en gran parte del tiempo inicial de la trama, quien es una inquilina de otro edificio.

En cuanto a los personajes, éstos se encuentran matizados de diversas maneras dándole vida a seres con una psiquis totalmente cuadrada, quienes parecieran repetir constantemente frases y situaciones adversas qué por supuesto, al resto de los vecinos no parece interesar.

Personajes interpretados con gran entusiasmo y plástica actoral por los integrantes de la compañía “Teatro Chingué” el cual se encuentra actualmente producido por el INBAL y la Secretaría de Cultura del Gobierno de México.

La obra la podrá DESAIRE DE LOS ELEVADORES Usted ver en el Teatro Xavier Rojas “El Granero” del Centro Cultural del Bosque en días de jueves a domingos.

CANEROS

POR: Dalia María Teresa De león Adams

Con el programa denominado “En Compañía de la Compañía” se montó el día de ayer 23 de junio en nuestra ciudad, la obra teatral CANEROS del grupo creativo “La Iguana Roja de Mazatlán” a través de la Compañía Nacional de Teatro (CNT) y del Instituto de Cultura, Turismo y Arte de Mazatlán.

En rueda de prensa convocado por el director artístico del CNT ,es decir el Señor Enrique Singer, surgió el primer cuestionamiento y que era ¿el qué se entiende por la palabra CANEROS?

Pues bien, dicho término según se nos explicó el dramaturgo de la obra teatral, alude a la región de Cananea “CANA” región como Usted sabe está ubicada al norte del estado de Sonora.

Sin embargo la sigla completa de CANEROS se gestó al comenzar a nominar a los presos reclusos de la cárcel local, como un “canao” por lo que se volvió común identificarlos como CANEROS, al pluralizar el término.

Así fue como el autor al inspirarse en los reclusos, optó por denominar su obra teatral bajo el apelativo de CANEROS pues es justamente la temática que aborda su obra de manera medular.

Obra teatral que está escrita por el dramaturgo Ramón Gómez Polo, quien además funge como director escénico, quien por cierto en la rueda de prensa fuera quien diese dichos pormenores en torno al título, argumentando además que la idea surgió a través de poseer un taller artístico dentro del penal.

Respecto al montaje escénico, éste esta conformado por una reja, una mesita con su silla y, un mueble sencillo en donde se cuelga la ropa que utilizan los actores durante el tiempo escénico; instrumentos de tramoya que se presenta como parte de la escenografía, para ambientar el interior de una celda compartida por los presos, quienes están dedicados al arte escénico en Cananea.

En cuanto a los diálogos de los personajes, están cargados de situaciones cruentas que dan testimonio de algunos de los padecimientos sufridos por cada una de ellos. Con ello podemos advertir claramente qué la obra teatral CANEROS también pertenece al género dramático.

Esto por su tratamiento temático el cual por cierto, dibuja la realidad que vivieron cinco presos en la vida real. Ellos mismos explicaron con sus propias palabras los motivos por los cuales fueron recluidos por la policía local.

Por lo tanto también es una obra perteneciente al genero realista, en el sentido en el que narra sin tapujos las consecuencias de haber trasgredido las leyes en aras de delinquir, teniendo cada uno de ellos, muy distintos motivos.

De dicho modo, cada preso expresó al escritor sus propias vivencias, las cuales el dramaturgo Ramón Gómez Polo recopiló, dándole forma con ellas a ésta su segunda obra teatral, en donde el castigo se muestra a manera de temática medular en la trama, cuya ficción es mínima pues como antes mencionara, esta basada en hechos reales.

A manera de resumen la historia muestra a cinco presos quienes la vida reúne, al colaborar juntos en varias de las puesta en escena de algunos textos que han sido presentadas en una cancha vieja, dentro del mismo reclusorio.

Los personajes de Gustavo, David, Roberto Carlos y Sergio son caracterizados hoy en día por dos grandes actores que integran la compañía estable del CNT, junto con dos estudiantes y un profesor del taller escénico del propio Ramón Gómez Polo, quien argumentó que durante la función de estreno, fueron los mismo reclusas del penal, quienes protagonizaros sus propias vidas.

Al parecer el arte escénico se convirtió en el común denominador de éstos hombres, quienes llegaron a dicho sitio por diversas razones y, por supuesto, no podía faltar entre ellos el reo inocente, quien por proteger a su hijo, se culpabilizó tomando el lugar de su hijo en la celda, es decir del real delincuente.

Le comento que CANEROS fue escrita por la autorización de ellos mismos, quienes confiaron sus difíciles historias y no tan solo ello, sino qué además actuaron gustosos para caracterizar sus propias experiencias, dándole vida a los personajes de CANAOS la cual fuera escrita aproximadamente un año atrás por Ramón Gómez Polo.

CANEROS se presenta en muy corta temporada en el teatro Héctor Mendoza ubicado en la sede de la Compañía Nacional de Teatro, en nuestra Ciudad de México.

N. de la Redacción. Canero probablemente tenga esa etimología. Pero en general, se entiende el lenguaje del bajo mundo, especialmente de las cárceles.

NOVO, Un closet de cristal cortado

POR: Dalia María Teresa De León Adams

-“Monólogo en que los detonantes suceden en tres momentos de la vida del poeta, cronista e intelectual mexicano Salvador Novo (1904-1974). En ellos, la fiebre será el puente entre su infancia en Torreón, Coahuila, su juventud en Buenos Aires, Argentina, donde conoce a Federico García Lorca, y el agónico lecho postrero del Hospital General en la Ciudad de México. La propuesta realiza un acercamiento a sus andanzas en la capital mexicana de los años veinte y las rivalidades con sus contemporáneos que entre carne, excéntrico dandismo, poesía y sagaz ironía iban construyendo su leyenda.”-

Justas palabras textuales que la compañía difusora a cargo de Sandra Narváez ofrece, a manera de sinopsis respecto a la parte medular de ésta obra teatral escrita por el dramaturgo Alejandro Román, y protagonizada por el actor Gerardo González por la cual ventila parte de la vida del afamado poeta Salvador Novo.

Sin embargo tienen mayor peso escénico, algunas de las crónicas con respecto a su vida privada, las cuales son expuestas con matices de ficción, al introducir los diálogos al texto.

Aunque esta escrita en formato de monólogo, la puesta en escena bajo la dirección artística de Guillermo Navarro presenta a dos personajes secundarios más, los cuales expresan pocas frases y fungen dándole vida a diferentes hombres presentes en la vida del poeta. Ellos son los actores Francisco Hernández y Carlos Andrés.

La trama pertenece al genero biográfico por su tratamiento escénico dentro del cual, la temática gira en torno a la vida y parte de la obra Salvador Novo, la cual se muestra gracias al apoyo multimedia con algunas fotografías y, gracias a la Voz en Off que se escuchan a diversos colaboradores recitando varios de sus poemas, o leyendo algunos de los escritos de Novo. Todo esto amenizado ocasionalmente con música en vivo, ejecutándose algunas piezas melódicas con un teclado, en tanto que otras con un violín.

Las narraciones efectuadas por Gerardo González (quien por cierto, acaba de cumplir 40 años en escena) son efectuadas en un escenario cuya iluminación es a media luz, otorgándole ello un toque de melancolía y tragedia, que van acorde con varios de los diálogos que conforman el texto.

Recordemos qué Salvador Novo López nació en el Distrito Federal, hoy día la Ciudad de México. Se destacaría como poeta, dramaturgo y ensayista, pero además abordaría la historia como profesión. Formó parte del Grupo intelectual denominado “Los Contemporáneos” quien junto con otros baluartes en las letras mexicanas colaboraban en tan prestigiada revista. Conoció a grandes intelectuales del momento. Además fue integrante de la Real Academia de la Lengua Española.

Al parecer, el gran amor de la vida de Salvador Novo sería el también dramaturgo y poeta español Federico García Lorca (1898-1936) quien fuera considerado uno de los escritores más importantes de la literatura española del siglo XX quien dicho sea de paso, estuviera adscrito al destacado grupo intelectual español denominado “La Generación del 27”.

El amor entre Novo y Lorca se vería truncado; el destino los separó debido al fusilamiento en el cual se le arrancó la vida a Lorca en la tierra de Granada, España.

NOVO, Un closet de cristal cortado ya anteriormente se había presentado en el Foro que lleva su nombre, en el Teatro “La Capilla”. Actualmente se presenta en el Teatro Benito Juárez, teniendo planeado ofrecer funciones hasta tan sólo el día 27 de junio.

LA FUNDAMENTALISTA

POR: Dalia María Teresa De León Adams

Interesante adaptación de Aurora Cano a la dramaturgia original de Juha Jokela. Le diremos qué la idea surgiría tras de la participación de México en Finlandia, como invitado para participar en el DramaFest 2012.

Drama peculiar que aborda parte de la vida de dos religiosos, el un pastor y ella, una fundamentalista. Sus destinos parecen unirlos y alejarlos a la vez, mediante una lucha interna de contradicciones que va más allá del credo religioso que profesan.

Y quien mejor para caracterizar éste rol estelar qué Luis de Tavira. Luis Fernando de Tavira prestigiado director escénico, ensayista, dramaturgo, actor y pedagogo mexicano (1948). Y dicho sea de paso, dentro de su obra literaria se encuentran “El espectáculo invisible”, “ Hacer teatro hoy”, “El corazón de la materia” y “El jesuita” entre otros.

Jesuita por vocación, a quien el destino retornara a lo mundano a través del Teatro, éste sería en donde se desempeñaría distinguiéndose por su brillante labor en todos los rublos que aborda, pero tal vez en mi opinión, sería con mayor fuerza dentro de la dirección artística, en donde ocupa, como es bien sabido un lugar preponderante.

Su caracterización en el rol de Marcos, es el de un personaje lleno de matices a interpretar; en primera instancia representa a un pastor quien bajo la inquietud científica de demostrar los hechos que surgen en la Biblia como fehacientes, se llena de contradicciones, hecho que le hacen escribir al personaje un libro que le convierte en el blanco de criticas dentro del medio clerical y, en específico, con los Fundamentalistas.

Entre ellos se encuentra Heidy, personaje estelarizado por la actriz Aurora Cano; una mujer quien profesa su religión en aras de la influencia de los Fundamentalistas y, en específico de un hombre ¿quién es?.

Con diálogos inteligentes la trama aborda ésta singular historia en donde surgen muchas vertientes para analizar, que sazonan ésta trama bien estructurada e interesante, en donde todo puede pasar más allá de lo evidente.

Es una breve historia de dos, contada por un Yo, narrador quien es partícipe a la vez, de la historia a narrar. Empero aparece un tercer personaje ajeno en todo momento al escenario, pues tan sólo es la tercera persona de quien ocasionalmente se habla, y sin embargo influirá en el desarrollo de la trama.

Finalmente agregaré con respecto a la dirección artística de Ignacio García, quien logra darle un toque de contemporaneidad y frescura a ésta puesta en escena, y mantiene al publico interesado en el desarrollo de la trama.

Propuesta en un solo cuadro escenográfico en donde se contempla una serie de puertas y una ventana (además de un escritorio con su silla) que serán fundamentales para la presentación de los distintos momentos escénicos, de una manera simbólica, enmarcando a la perfección la compleja relación entre la mujer evangélica y el clérigo protestante.

Acerca del contenido medular de éste reciente montaje escénico, la compañía difusora a cargo del Señor Raúl Medina comenta textualmente lo siguiente:

-“El resultado es un intenso drama de pasión y fe que devela los mecanismos de convencimiento entre dos conocidos. La pieza se ha presentado con gran aceptación en el Teatro Salvador Novo del Centro Nacional de las Artes y en el Teatro Polivalente de San Luis Potosí.”-

Producción a cargo de la Secretaría de Cultura Federal y del INBAL, quienes presentan la obra teatral LA FUNDAMENTALISTA a través de la Coordinación Nacional de Teatro en el Teatro Julio Castillo en el Centro Cultural del Bosque de jueves a domingos.

AMALIA HERNÁNDEZ Y EL BALLET FOLKLÓRICO DE MÉXICO

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

Éste miércoles 15 de junio al filo de las 20:00 horas en el hermoso recinto del “Palacio de las Bellas Artes” se presentará la importante Compañía del EL BALLET FOLFLÓRIKO DE MÉXICO considerada internacionalmente como una de las más importantes en su género.

La Compañía Mexicana tras de haber cumplido en marzo pasado los 68 años de existencia, continúa con su exitoso ballet dando vueltas por gran parte del mundo, llevando de dicho modo a conocer el baile y música vernácula de nuestro país, de la cual han hecho gala durante largo tiempo.

Es importante el recordar qué su repertorio consta de obras tradicionales que van desde la época prehispánica, como en el caso de el impactante número dancístico denominado “La Muerte del Venado” hasta diversos números producto del mestizaje, que han dando expresión a la cultural popular de muchas las entidades y pueblos en nuestro país; números como la danza de “Quetzales” o “Revolución”.

Seis hermosos bailes folklóricos en total serán presentados, incluyendo las dos danzas mencionadas, junto con la ya también mencionada “Muerte del Venado”; todo ello con maravillosos y coloridos trajes regionales, acompañados con música de mariachis y numerosos bailarines en el escenario, que hacen tanto visual como auditivamente una presentación espectacular.

Bailarina y coreógrafa profesional, le recordaré qué Amalia Hernández Navarro, cuyo nombre artístico reconocido fuera Amalia Hernández, nació y murió en la ciudad de México de 1917 al 2000 (antes Distrito Federal).

Fue la fundadora de EL BALLET FOLKLÓRICO DE MÉXICO a partir del año de 1952 cultivando grandes triunfos y fama a nivel mundial ; compañía que empero a su fallecimiento no ha cesado de presentarse en los más importantes recintos internacionales debido a su emblemático prestigio.

Le comento qué su hija Amalia Viviana Basanta Hernández, tras de haber heredado los dotes artísticos de su madre, es hoy en día la directora artística general de tan importante compañía, quien tiempo atrás asegurara que a través de su madre descubriría su pasión por dicha arte, quien además en breve entrevista les envía un saludo caluroso a sus seguidores.

EL BALLET FOLKLÓRICO DE MÉXICO tiene contemplado presentarse en el “Palacio de Bellas Artes” a partir de éste miércoles 16 hasta el 30 de junio.

LA GOTA Y EL MAR

POR: Dalia María Teresa De León Adams

Tras de ser representada exitosamente la puesta en escena de LA GOTA Y EL MAR en diversos escenarios en Xalapa y Michoacán, así como en foros como lo fueron “La Gruta” del Centro Cultural Helénico, o “El Foro A Poco No”, por fin el día de ayer ésta obra cumplió en el teatro principal del “Foro Shakespeare” sus 50 representaciones.

Ganadora por cierto del Segundo lugar del Premio “Vicente Leñero” como Mejor Dramaturgia Juvenil Nacional en 2017, Estefanía Norato y Abigail Pulido, las autoras e intérprete de la dramaturgia LA GOTA Y EL MAR recibieron bajo éste rublo obtenido, el ser producida con el monto escénico de la obra por parte de la Secretaría de Cultura de la Ciudad de México.

En la develación no podía faltar para tal efecto Estela Leñero, quien junto con Oscar Bolaño y Teté Espinoza se presentaron como padrinos para leer de manera alternativa, los nombres esculpidos que aparecía en la Placa como colaboradores del montaje escénico.

Todos ello fueron apareciendo en el escenario en su mayoría, recibiendo a la vez una pequeña lámina en calidad de reconocimiento por formar parte de la compañía teatral por tanto del evento, recibiendo con ello un efusivo aplauso del público asistente.

También su directora artística estuvo presente, es decir Ingrid Cebada quien por cierto, brindó algunas palabras a los espectadores en las cuales incluía los motivos que la llevaron a iniciar éste sueño y hacerlo posible de la mano junto con Estefanía y Abigail.

Le diré qué como directora escénica, realmente Ingrid logró darle colorido a éste drama singular, maquillándolo con un juego surrealista al presentar dos jóvenes en escena con idéntico adoso, quienes protagonizan a la vez a los mismos roles protagónicos, sólo que en distinto momento de la historia.

Interpretaciones efectuadas en un escenografía totalmente minimalista, que empero se diferencian con claridad gracias a las distintas modulaciones de voz y movimiento corporales que ejecuta cada actriz y, qué hacen que distingamos a un personaje de mujer joven, de un hombre maduro, a un viejo, o bien de la caracterización de un niño.

LA GOTA Y EL MAR lleva implícito un contenido filosófico expresado en la irrealidad del tiempo que las mismas autoras desdoblan, entretejiendo la linealidad del tiempo, con sucesos del ayer, del futuro, del presente y, de un tiempo más profundo en el recuerdo.

El sonar de un Tic Tac, la voz apresurada de toda una agenda que cumplir o qué romper. Las voces de pronto se convierten en dos, dos mujeres, dos personajes distintos, un hombre y una mujer, dos mundos, y, dos soledades.

En resumen LA GOTA Y EL MAR gira en torno a lo que sus mismas autoras describen como –“La obsesión al tiempo en la vida contemporánea.”- siendo justamente ello la parte medular de ésta trama, escrita con una pluma fresca que se hace presente en el escenario.

Todo esto y mucho más se ofreció en la función de ayer de LA GOTA Y L MAR cuyo cometido también fue el develar la placa de las 50 Representaciones en el Foro Shakespeare. Bien por todos los que la han hecho posibles!!!!

LA GOTA Y EL MAR

POR: Dalia María Teresa De León Adams

Tras de ser representada exitosamente la puesta en escena de LA GOTA Y EL MAR en diversos escenarios en Xalapa y Michoacán, así como en foros como lo fueron “La Gruta” del Centro Cultural Helénico, o “El Foro A Poco No”, por fin el día de ayer ésta obra cumplió en el teatro principal del “Foro Shakespeare” sus 50 representaciones.

Ganadora por cierto del Segundo lugar del Premio “Vicente Leñero” como Mejor Dramaturgia Juvenil Nacional en 2017, Estefanía Norato y Abigail Pulido, las autoras e intérprete de la dramaturgia LA GOTA Y EL MAR recibieron bajo éste rublo obtenido, el ser producida con el monto escénico de la obra por parte de la Secretaría de Cultura de la Ciudad de México.

En la debelación no podía faltar para tal efecto Estela Leñero, quien junto con Oscar Bolaño y Teté Espinoza se presentaron como padrinos para leer de manera alternativa, los nombres esculpidos que aparecía en la Placa como colaboradores del montaje escénico.